Ответы на экзамен
по ОПД.04 Живопись с основами цветоведения
Специальность: 54.02.01 Дизайн (по отраслям), 3 курс, 6 семестр
1. Акварель, особенности техники акварели.
Акварель — живописная техника, использующая специальные акварельные краски, растворимые в воде, позволяющие создавать эффект лёгкости, воздушности и тонких цветовых переходов. Акварель совмещает особенности живописи (богатство тона, построение формы и пространства цветом) и графики (активная роль бумаги в построении изображения, отсутствие специфической рельефности мазка, характерного для живописной поверхности).
2. Метод лессировки. Последовательность работы.
Способ многослойного нанесения акварельных красок на поверхность плотной бумаги называется лессировкой и применяется в процессе длительной по времени работе, которая расчитана на несколько сеансов. Лессировкой являются тонкие полупрозрачные слои акварельной или масленой краски, наносимые на другие предварительно просохшие красочные слои с целью усиления или ослабления цветового тона, придания живописной работе гармонии.
Первые слои краски рекомендуется наносить очень прозрачными тонкими мазками. Теплые и интенсивные слои краски лучше накладывать вначале работы, а холодные и малонасыщенные потом. На конечных стадиях работы выполняются мазки красками в смеси с черной.
Число цветовых покрытий должно быть не более трех по одному участку картинной плоскости. Краски лучше прокладывать заливками, слабыми по тону и цвету, но верными по отношению друг к другу. Повторное усиление тоновых и цветовых отношений выполняется только по совершенно просохшему слою краски.
Необходимо учитывать, что работа лессировочным способом письма начинается со светлых тонов. Аккуратно и легко исполняются вначале светлые места картины, затем более темные.
Существует определенная последовательность выполнения живописного этюда методом лессировки, которая подразумевает ряд постепенно сменяющих себя этапов:
— этап работы над форэскизом, то есть композиционное решение натуральной постановки, выполнение подготовительного рисунка.
— этап конкретизации формы предметов, работа над уточнением цветовых и тональных отношений, различных деталей композиционной постановки:
— обобщающий этап, возврат к первоначальному впечатлению от натуры, максимальное воплощение собственного творческого замысла, художественной идеи.
Необходимо помнить, что каждый из указанных этапов ведется после полного просыхания предыдущего красочного слоя.
3. Техника письма «по-сырому».
Суть этого приема заключается в том, что краска наносится на предварительно смоченный водой лист. Степень его влажности зависит от творческого замысла художника, но обычно начинают работать после того, как вода на бумаге перестает «блестеть» на свету. При достаточном опыте можно контролировать влажность листа рукой. В зависимости от того, насколько наполнен водой волосяной пучок кисти, принято условно различать такие способы работы, как «мокрым-по-мокрому» и «сухим-по-мокрому».
Такой способ работы позволяет получить легкие, прозрачные цветовые оттенки с мягкими переходами. Особенно успешно этот метод используется в пейзажной живописи.
Основная трудность кроется в главном достоинстве — это текучесть акварели. При наложении красок этим методом художник нередко зависит от капризов растекающихся по мокрой бумаге мазков, которые в процессе творчества могут получаться далеко не такими, как предполагалось изначально. Этот способ работы требует постоянного самоконтроля, свободного владения кистью.
4. Техника письма «A La Prima».
А-ля прима – то же, что и живопись по-сырому.
Это живопись по-сырому, написанная быстро, в один сеанс, при которой создаются неповторимые эффекты разводов, переливов и перетеканий краски.
Попадая на влажную поверхность бумаги, краска растекается по ней неповторимым образом, делая картину легкой, воздушной, прозрачной, дышащей. Не случайно, работу, выполненную в такой технике, практически нельзя скопировать, так как каждый мазок по мокрому листу уникален и неповторим. Сочетая различные цветовые комбинации с многообразием тональных решений, можно добиться удивительных переливов и переходов между тончайшими оттенками. Метод а-ля прима, поскольку он не предполагает многократных прописок, позволяет сохранить максимальную свежесть и сочность красочных звучаний.
Кроме этого, дополнительным преимуществом данного приема будет определенная экономия времени. Как правило, работа пишется «на одном дыхании», пока лист влажный (а это 1-3 часа), хотя, при необходимости, можно дополнительно намочить бумагу в процессе творчества. В быстрых по выполнению набросках с натуры и эскизах этот метод незаменим. Уместен он и при выполнении пейзажных этюдов, когда непостоянные состояния погоды обязуют к быстрой технике выполнения.
При письме рекомендуется составлять смеси из двух, максимум из трех цветов.
5. Техника письма «по-сухому».
Заключается в том, что краска наносится на сухой лист бумаги одним-двумя (однослойная акварель) или несколькими (лессировка) слоями, в зависимости от идеи художника. Этот способ позволяет обеспечивать хороший контроль над растекаемостью краски, тональностью и формой мазков.
В данном случае работа пишется одним слоем по сухому листу и, как правило, в одно-два касания. Это позволяет сохранить чистоту цветов на изображении. По мере необходимости можно «включить» краску другого оттенка или цвета в нанесенный, но еще не высохший слой.
Без особых сложностей позволяет выполнять мазки нужной формы и тональности, обеспечивать необходимый контроль над краской. Используемые в работе цвета, во избежание возникновения грязи и замызганности, желательно продумывать и готовить заранее, в самом начале сеанса живописи, чтобы беспрепятственно их наносить на лист.
В данной технике удобно работать, заранее наметив контуры рисунка, так как нет возможности внести корректировку дополнительными слоями краски. Этот метод хорошо подходит для графических изображений, так как мазки на сухой бумаге сохраняют свою четкость. Кроме того, такую акварель можно писать как за один сеанс, так и за несколько (при фрагментарной работе) с перерывами по мере необходимости.
6. Акварельные техники письма.
Техника письма по-сырому — Суть этого приема заключается в том, что краска наносится на предварительно смоченный водой лист. Такой способ работы позволяет получить легкие, прозрачные цветовые оттенки с мягкими переходами. Особенно успешно этот метод используется в пейзажной живописи.
Основная трудность кроется в главном достоинстве — это текучесть акварели.
Техника письма акварелью «а ля прима» — «за один раз», позволяет раскрыть всю прелесть и уникальность такой краски, как акварель. Это быстрое письмо по мокрой бумаге, при котором создаются неповторимые эффекты переливов, разводов, перетеканий краски, которые живут, дышат, и которые невозможно достичь никаким сколь угодно усердным прописыванием. Для успешного овладения этой техникой важно не только количество проб и работ, но и знание некоторых приемов классической акварели.
Лессировками называются тонкие, прозрачные и полупрозрачные слои масляных и иных красок, наносимые на другие, хорошо уже просохшие такие же краски, для придачи последним желаемого интенсивного и прозрачного тона.
Техника «по-сухому» — заключается в том, что краска наносится на сухой лист бумаги одним-двумя (однослойная акварель) или несколькими (лессировка) слоями, в зависимости от идеи художника. Этот способ позволяет обеспечивать хороший контроль над растекаемостью краски, тональностью и формой мазков.
7. Пуантилизм в живописи.
Название стиля «пуантилизм» происходит от французского слова «точка». От этого же слова происходит, например, название балетной обуви – пуанты. Название связано с особенностями изобразительной техники. Пуантилизм в живописи, таким образом, можно обозначить как «точечный» стиль.
Точки стоят близко друг другу, они могут быть круглыми, квадратными (отпечаток плоской кисти), или слегка вытянутыми. Если отойти от холста на расстояние, они сольются в сплошную картину. Творческий метод изобрел француз Жорж Сёра, главный «раскольник» общества импрессионистов. Нередко слова неоимпрессионизм и пуантилизм используют как синонимы.
Цвета на таких полотнах обычно яркие, чистые, воздушные. Пуантилисты использовали цветовую гамму и сюжеты импрессионистов, но мазки использовали другие, точечные — в этом и есть главное различие между течениями.
8. Ахроматические и хроматические цвета. Теплые и холодные цвета.
Все цвета подразделяются на хроматические и ахроматические.
Хроматические — это цвета, обладающие цветовым оттенком (все цвета, кроме белых, серых и чёрных).
Ахроматические — это цвета, не имеющие цветового тона и отличающиеся друг от друга только по светлоте (белые, серые, чёрные). Хотя сами по себе они нейтральны, в практической работе художника ахроматические цвета играют важную роль. Благодаря им, мы можем повышать или понижать звучность других красок. Смешение их с цветными красками позволяет добиваться нужной насыщенности или светлоты краски. Кроме того, соединение чёрной с другими красками, например с жёлтыми, даёт возможность получить новую цветную краску (зелёную).
Цвета делятся на теплые и холодные. Такая характеристика цвета, как теплота, во многом определяет воздействие цвета на человека. Собственно, даже для непосвященного человека будет несложным отличить теплый цвет от холодного. Это как раз тот случай, когда оценка зависит от простой эмоциональной оценки. Если обратить взгляд на цветовой круг, то видно, что к теплым можно отнести красные, желтые, зеленые оттенки. К холодным же мы причислим оттенки голубого, синего, фиолетового.
9. Дать определение понятию «живопись».
Живопись — это вид изобразительного искусства, в котором образы передаются с помощью нанесения красок на какую-либо поверхность (холст, бумага, стекло и др.). Живопись — важное средство художественного отражения и истолкования действительности, воздействия на мысли и чувства зрителей. Существует два основных направления живописи — станковая и монументальная. К станковой относятся работы, созданные на мольберте художника. А к монументальной, относится живопись, которая воспроизводится в основном на каких-либо архитектурных сооружениях (роспись церквей, храмов, исполнение фресок и др.)
10. Дать определение понятию «натюрморт».
Натюрморт — жанр, который основывается на изображении неодушевленных предметов. Если переводить это слово с разных языков, оно будет означать — Мёртвая природа или Неподвижная жизнь. Этот жанр посвящен изображению предметов, объединенных в группу, сюжет. В натюрморте, кроме неодушевленных вещей (кувшинов, столовых приборов, статуэток и др.) так же могут использоваться одушевленные, но они уже оторваны от своей естественной среды и не считаются таковыми, например рыба на столе постановки или цветы, добавленные в букет. Изображение движущихся живых существ — птиц, зверей, используется в редких случаях и лишь как дополнение. Очень большое внимание уделяется проработке деталей, фактур.
11. Этапы построения натюрморта.
При рисовании натюрморта придерживаются общих правил последовательного изображения рисунка — «от общего к частному» и «от частного к общему».
Рисование натюрморта можно условно разделить на четыре этапа: схематизацию, типизацию, индивидуализацию и обобщение.
1 этап. Предполагает композиционное размещение изображения в листе бумаги.
2 этап. Уточняется место каждого из предметов относительно друг друга, определяются их пропорциональные отношения, выявляется конструктивная основа формы.
3 этап. Идет дальнейшее уточнение формы предметов, продолжается работа тоном.
4 этап. Заключительный. Он предполагает процесс завершение рисунка.
12. Дать определение понятию «этюд».
Этюд (франц. etude — изучение) — художественное произведение, выполненное, как правило, непосредственно с натуры. Представляет собой изучение, отработку художником какого-либо частного изобразительного мотива. Часто этюд представляет собой подготовительный материал для большого серьезного произведения, однако нередко имеет и самостоятельное значение.
В этюде прорабатываются такие детали как цвет, свет, форма, перспектива и композиция.
13. Дать определение понятию «пейзаж».
Пейзаж — жанр изобразительного искусства (или отдельные произведения этого жанра), в котором основным предметом изображения является дикая или в той или иной степени преображённая человеком природа. В пейзаже воспроизводятся реальные или воображаемые виды местностей, архитектурных построек, городов , морских видов и т. п. Часто пейзаж служит фоном в живописных, графических, скульптурных произведениях других жанров. Изображая явления и формы природного окружения человека, художник выражает и своё отношение к природе, и восприятие её современным ему обществом. В силу этого пейзаж приобретает эмоциональность и значительное идейное содержание.
14. Дать определение понятию «портрет».
Жанр портрета — это разновидность изобразительного искусства, посвященная передаче образа одного человека, а также группы из двух-трех людей на холсте или бумажном листе. Особое значение при этом имеет выбранный художником стиль. Рисунок лица человека на портрете — это одно из самых сложных направлений в живописи. Мастер кисти должен передать характерные признаки внешности, эмоциональное состояние, внутренний мир позирующего. Размеры портрета определяют его вид. Изображение может быть погрудным, поколенным, поясным или во весь рост. Поза предполагает три ракурса: лицом (анфас), поворот «три четверти» в ту или другую сторону и в профиль. Портрет как жанр изобразительного искусства, содержит в себе безграничные возможности реализации художественных замыслов. Сначала делается набросок, затем непосредственно рисунок.
15.Техника гризайль.
Гризайль – это особый вид живописи. Ее выполнение производится тональными одноцветными градациями. Таким образом, удобно рисовать барельефы, любые архитектурные или скульптурные элементы. При технике гризайли учитывается только тон изображаемого предмета, цвет при этом безразличен.
Художественная гризайль – это произведение, задача которого – утвердить эстетическую ценность монохромного колорита картины.
Монохромная живопись, то есть гризайль, представляет собой одноцветный рисунок, например, черно-белый или коричнево-белый.
16. Художественные средства живописи.
Цвет– наиболее специфическое для живописи выразительное средство. Его экспрессия, способность вызывать различные чувственные ассоциации усиливает эмоциональность изображения, обуславливает изобразительные, выразительные и декоративные возможности живописи. В произведениях живописи цвет образует целостную систему –колорит. Теория колорита в живописи представляет собой самостоятельный раздел теории искусства, она содержит, в свою очередь, большое число понятий и категорий, рассмотрение которых составляет тему специального исследования. Обычно применяется ряд взаимосвязанных цветов и их оттенков (гамма красочная), хотя существует также живопись оттенками одного цвета (монохромная). Цветовая композиция обеспечивает определённое колористическое единство произведения, влияет на ход его восприятия зрителем.
Рисунок– вместе с цветом ритмически и композиционно организует изображение; линия ограничивает друг от друга объёмы, часто является конструктивной основой живописной формы, позволяет обобщенно и детально воспроизводить очертания предметов и их мельчайшие элементы, образует условные границы форм фигур и предметов и окружающей их среды (касание). Рисунок в любом случае определяет основные оси воспроизводимых предметов, их пропорции, ракурсы.
Свет– неотделим от цвета, но теоретически его можно считать отдельным художественно-выразительным средством, присущим живописи. Светотень позволяет не только создать иллюзию объёмности изображений, передать степень освещения или затемнённости предметов, но и создаёт впечатление движения воздуха, света и тени.
Композиция – играет в живописи большую роль, как и в других пространственных искусствах. Особенностью композиции в живописи, в отличие от скульптуры является то, что в этом виде искусства изображение строится на плоскости.
Красочное пятно или мазок – является для художника основным техническим приёмом и позволяет передать множество аспектов. Мазок способствует пластической. объёмной лепке формы, передачи её материального характера и фактуры, в сочетании с цветом воссоздаёт колористическое богатство реального мира. Характер мазка (гладкий, слитный или пастозный, раздельный, нервозный и пр.) способствует также созданию эмоциональной атмосферы произведения, передаче непосредственного чувства и настроения художника, его отношения к изображённому.
Материалы и техники.
17. Композиция в живописи.
Композиция самое сложное понятие в изобразительном искусстве. Композиция – сущность творчества. Ничто так в живописи не связано с идеей, замыслом, сюжетом картины, как композиция. Композиция – распределение всего изобразительного материала на холсте: персонажей, пейзажа, предметов обихода, пространства, цвета, света и т. д., то есть того, что именуется компонентами картины. Не простое распределение, а упорядочение этого материала, приведение отдельных компонентов во взаимосвязь, установление между ними различных отношений с целью раскрытия главного – идеи произведения.
Что надо учитывать в композиции живописи:
- формат холста или бумаги;
- композиционный центр;
- цветовая гамма и общая колорит работы, основанные на гармонии, на определенной гамме красок, на подчиненности общему тону;
- решение контрастов;
- обобщенные формы;
- компоновка компонентов работы;
- композиция линий по характеру, направлению, стремлению, родству, контрасту;
- расположения и сочетание темных, светлых и цветовых силуэтов
- решение перспективы;
- психологическая сущность работы, ее главная идея, мысль.
18. Цвет и колорит в живописи.
Цвет – наиболее специфическое для живописи выразительное средство. Его экспрессия, способность вызывать различные чувственные ассоциации усиливает эмоциональность изображения, обуславливает изобразительные, выразительные и декоративные возможности живописи. В произведениях живописи цвет образует целостную систему –колорит. Теория колорита в живописи представляет собой самостоятельный раздел теории искусства, она содержит, в свою очередь, большое число понятий и категорий, рассмотрение которых составляет тему специального исследования. Обычно применяется ряд взаимосвязанных цветов и их оттенков (гамма красочная), хотя существует также живопись оттенками одного цвета (монохромная). Цветовая композиция обеспечивает определённое колористическое единство произведения, влияет на ход его восприятия зрителем.
19. Материалы станковой живописи.
1.Основа для живописи – холст, дерево, картон, бумага.
2.Красочные материалы (пигменты (красящие порошки)+связующие вещества) определяют техники станковой живописи:
1) Темпера — водоразбавляемые краски, приготовляемые на основе сухих порошковых пигментов. Связующим веществом темперных красок служат эмульсии — натуральные (разбавленный водой желток куриного яйца или цельное яйцо) или искусственные (высыхающие масла в водном растворе клея, полимеры).
2) Масло — ряд лакокрасочных материалов, представляющих собой суспензии неорганических пигментов и наполнителей в высыхающих растительных маслах или олифах (чаще всего комбинированной или синтетической либо на основе алкидных смол), иногда с добавкой вспомогательных веществ. Применяются в живописи или для окраски деревянных, металлических и других поверхностей, в зависимости от вида краски.
3)Пастель — группа художественных материалов, применяемых в графике и живописи (согласно теории искусства, работа пастелью на бумаге относится к графике). Чаще всего выпускается в виде мелков или карандашей без оправы, имеющих форму брусков с круглым или квадратным сечением .
4)Акварель состоит из пигмента и водорастворимого клея (связующего). В качестве связующего в акварели используют гуммиарабик, но в дешевых красках его могут заменять декстрином, вишневым клеем и др. Дополнительно, при производстве акварельной краски, добавляют пластификатор (глицерин, мед, патока) для эластичности пленки, консерванты (антисептики) от плесени и смачиватель (бычья желчь) для равномерного нанесения на поверхность. .
5) Гуашь — краски, состоящие из тонко растёртых пигментов с водно-клеевым связующим (гуммиарабик, пшеничный крахмал, декстрин др.) и примесью белил, а также произведения искусства, выполненное этими красками. Гуашь обычно употребляется для живописи по бумаге, картону и т.д.
3. Доп. материалы: кисти (натуральные и синтетические) различных диаметров и форм, мастихин, палитра, вода и т.д.
20. Дать определение понятиям: блик, свет, полутень, тень и рефлекс.
Свет – это наиболее освещенная поверхность, лучи света на нее падают под более прямым углом. На свету всегда будет самое яркое небольшое пятно – блик (это то место, где лучи света, отражаясь от поверхности предмета, попадают прямо в наш глаз). Разумеется, блик не обязан быть идеально белым. Все зависит от общей тональности рисунка. Блик – самое светлое пятно относительно вашего рисунка, здесь и сейчас, так сказать. Затем форма предмета поворачивается, лучи света падают под другим углом, и получается полутень. Переход от света к полутени, а дальше к тени на округлых предметах очень плавный, без четких границ. Итак, далее тень собственная. Это то место на поверхности предмета, куда лучи света не попадают вообще. Это самое темное место на поверхности предмета.
Затем рефлекс. Это очень важно. Многие упускают рефлексы, не рисуют их, а ведь без этого невозможно полноценно передать форму предмета. Лучи света, которые падают не только на предмет, но и освещают все вокруг, отражаются от окружающего предметного пространства (например, от поверхности стола, на котором лежит предмет, или от окружающих предметов) и бросают отражение на предмет, который мы, собственно, рисуем. Это и есть рефлекс. Он светлее тени, но ни в коем случае рефлекс не может быть такого же тона, как и свет. Он должен быть темнее света, полутени, но светлее тени.
- Таким образом, свет — поверхности, ярко освещённые источником света;
- блик — световое пятно на ярко освещённой выпуклой или плоской глянцевой поверхности, когда на ней имеется ещё и зеркальное отражение;
- тень — неосвещённые или слабо освещённые участки объекта. Тени на неосвещённой стороне объекта называются собственными, а отбрасываемые объектом на другие поверхности — падающими;
- полутень — слабая тень, возникающая, когда объект освещён несколькими источниками света. Она также образуется на поверхности, обращённой к источнику света под небольшим углом;
- рефлекс — слабое светлое пятно в области тени, образованное лучами, отражёнными от близко лежащих объектов.
21. Цветовой круг. Основные и дополнительные цвета.
Все многообразие наблюдаемых в природе цветов художники и ученые издавна стремились привести в систему — расположить их в определенном порядке, выделить основные и производные цвета. К основным цветам относятся желтый, синий и красный. Смешивая их, можно получить все остальные оттенки.
В живописи, дизайне, архитектуре и прикладных видах искусства широко используется цветовой круг Иоханнеса Иттена — швейцарского художника, теоретика искусства и педагога. Его 12-частный цветовой круг показывает наиболее распространенную в мире систему расположения цветов, их взаимодействие между собой. Иттен выделил основные цвета, цвета второго порядка (зеленый, фиолетовый и оранжевый), которые получаются при смешении пары основных цветов и цвета третьего порядка, которые получаются при смешении основного цвета с цветом второго порядка. Например, желтый, смешанный с зеленым, обыватели назовут салатовым, но в цветоведении он именуется желто-зеленым.
Изначально цветовой круг был создан, как базовый инструмент цветового конструирования, для подбора цветовой палитры изображения. Это была первая попытка увязать в логически сконструированное знание то, что художники-колористы использовали интуитивно на протяжении веков. Создатели цветового конструирования пытались создать свод универсальных законов, используя которые каждый мог получить гармоничные сочетания цветов.
Однако современные живописцы знают, что цвет воспринимается субъективно, в зависимости от того, как построена остальная композиция, какие в ней используются цвета. Восприятие цвета зависит и от размеров окрашенных элементов, и от формы. Поэтому, в каждом конкретном случае, приходится подбирать свои цветовые решения. Но, все же, определенную помощь цветовой круг в деле подбора цветовых сочетаний может оказать.
22. Способы передачи на плоскости объема, цвета, пространства и материала.
1) То, что контрастнее, то ближе. То, что менее контрастно (предмет — фон; предмет – предмет — фон), то дальше и глубже в пространстве. Это относится как к пятну, так и к линии.
2) То, что активнее, интенсивнее по цвету, то ближе. Что сглажено (то, что называется «нюанс»), то воспринимается более дальним.
3) То, что больше по размеру, то кажется, но не всегда, а, как правило, ближе, чем то, что меньше по размеру. Следовательно, надо помнить о сокращении одинаковых размеров при удалении в пространстве.
4) Одинаковые размеры уменьшаются в глубь, а параллельные линии зрительно (это только зрительная иллюзия) сходятся. Если вы рисуете что-то, то мысленно впишите этот предмет или этот объект в куб и проверьте, не разбегаются ли в стороны его условные грани. Данное замечание — против обратной перспективы. Это когда то, что дальше – больше, чем то, что ближе.
5) Кроме того, как правило, так уж мы чувствуем, это от предков, — то, что ниже, по вертикальной оси измерения, кажется ближе того, что выше. (Так в египетских рельефах разворачивается пространство на плоскости.)
6) Восприятие усеченных фигур, прерванных, перекрытых дорисовывается глазом, домысливается до единства, до полноты восприятия, поэтому мы способны правильно понимать форму скрытых предметов. Следовательно, продолжение границ всех цельных, но пересеченных, перекрытых предметов должны сходиться по линии взгляда, дополняющего и восполняющего в воображении перекрытый отрезок. Линии и массы пятен до перекрытия и после должны сходиться по границам. В этом закон цельности восприятия. Если эти массы сдвинуты относительно друг друга, то они воспринимаются независимыми. То есть разными предметами или объектами, или существами — как хотите это назовите.
7) При перекрытии то, что перекрывает ближе того, что скрывается, даже если то, что скрывается контрастнее или активнее по цвету или тону. Этот закон перекрывает остальные по силе восприятия. Но до известных пределов, когда активность частей «перекрываемого» перестает восприниматься как целое. Тогда части этого бывшего целого, приобретя самостоятельность, освобождаются от зависимости этого закона и выходят на первый план по своим природным качествам.
Чем активнее фактура, или мазок в живописи, тем эти области, в которых это качество проявляется, ближе к зрителю, к «первому плану» в картине.
9) Соблюдайте закон равновесия масс. Дальние планы не должны быть перегружены деталями, это не свойственно нашим глазам так четко различать даль. Дальние планы не должны быть контрастнее первых, активнее их по цвету, фактуре, активности мазка, но при этом они не должны терять определенности форм. (Это произошло в вашем последнем рисунке с лицом и вазой.)
10) Закон воздушной перспективы:
Темное на первом плане светлеет на дальних планах, а светлое вблизи — темнеет вдали.
Активное по цвету на первом плане блекнет вдали.
Предметы с деталями хорошо смотрятся и воспринимаются вблизи, на дальних планах детали обобщаются. И чем далее, все более стираются. Форма обобщается до силуэта, а порой — до простой геометрии.
Теплые цвета (красный, оранжевый, желтый, и желто-зеленый) — это цвета близких планов, а холодные (зелено-голубой, голубой, синий, сине-фиолетовый) — дальних.
23. Механическое и оптическое смешение цвета.
К механическому можно отнести следующие смешения:
1. Смешение цветов (красок) на палитре, в какой либо посуде кистью, мастихином и прочими приспособлениями.
2. Наложение друг на друга прозрачных и цветных пластин на светлом фоне или с подсветкой с обратной стороны.
3. Смешение цветов на молекулярном уровне (цветная фотография).
К смешению оптическому относятся:
1. Наложение друг на друга цветных световых лучей на светлом экране. (К примеру, если направить в одну точку на экране лучи красный и зеленый, то мы получим желтое пятно).
Частая смена двух или более цветов, которые наше зрение не успевает фиксировать (детский волчок).
2. Разноцветные точки, расположенные рядом, которые на определенном расстоянии, сливаясь в наших глазах, образуют новый цвет. По этому принципу строится живопись художников-пуантилистов (point — франц. точка).
Результат механического и оптического смешения цветов может совпадать, а может и заметно отличаться. Например, красный и жёлтый цвета при любом варианте смешения дают цвет оранжевый, а желтый и синий, дающие при смешении на палитре традиционно зеленые тона, смешиваясь оптически, удивят чуть ли не ахроматическим тоном.
Замечено, что результаты оптического и механического смешения становятся похожими в тех случаях, когда смешиваемые цвета расположены близко друг к другу в цветовом круге, и различаются по мере их удаления. Наверняка можно утверждать, что оптическое смешение противоположных (дополнительных) цветов будет очень невыразительным (обесцвеченным) поскольку эти цвета поглощают друг друга.
24. Контрасты в живописи. Цветовой и световой контраст.
Контраст — распространенный художественный прием, представляющий собой сопоставление каких-либо противоположных качеств, способствующих их усилению. Наибольшее значение имеют цветовой и тональные контрасты. Цветовой контраст состоит в сопоставлении дополнительных цветов или цветов, отличающихся друг от друга по светлоте. Тональный контраст — сопоставление светлого и темного. В композиционном построении контраст служит приемом, благодаря которому сильнее выделяется главное и достигается большая выразительность и острота характеристики образов.
Основными контрастами в изобразительном искусстве являются тоновой (светлотный) и цветовой природные контрасты. На их основе возникают и действуют другие виды контрастов — контрасты линий, форм, размеров, характеров, состояний, а также контрасты, связанные с идеями (контрасты идей, положений), контрасты в построении сюжета (контрасты в нахождении конструктивной идеи) и т. д. На основе вышесказанного о контрастах, определяя роль и значение контрастов в изобразительном, да и в других видах искусства, следует сказать:
1) контрасты являются законом композиции, представляющим собой специфическое проявление всеобщего закона — закона единства и борьбы противоположностей;
2) без контрастов нельзя создать не только произведения искусства, но даже простое изображение, в том числе линейный рисунок. Контрасты — это необходимое условие для того, чтобы зритель увидел изображение, так как без них изображение сольется с фоном по тону или цвету;
3) контрасты создают выразительность произведения искусства и поэтому выступают воздействующей силой композиции;
4) контрасты в композиции выступают как композиционная сила не только с точки зрения «механики» построения, т. е. построения композиции как какой-то структуры, но и с точки зрения творческого процесса создания художественных образов: большая часть творческого процесса создания художником произведения — от появления замысла и первых черновых эскизов композиции до завершения — это все композиционная работа, которая пронизана мыслью об основной идее, об основных образах и облике произведения. А это всегда, даже в первоначальном замысле, когда образ произведения находится в зрительной памяти художника, предполагает наличие тех или иных контрастов. Поэтому основная работа над произведением связана с проблемой определения характера контрастов в связи с созданием художественного образа.
25. Понятие стиля и стилизации.
Стиль – общность образной системы, средств художественной выразительности, творческих приемов, обусловленная единством идейно – художественного содержания. Можно говорить о стиле отдельного произведения или жанра, об индивидуальности стиля (творческой манере) отдельного автора, а также о стиле отдельных эпох или крупных художественных направлениях, поскольку единство общественно – исторического содержания определяет в них общность художественно образных принципов, средств, приемов (таковы например, в пластических искусствах Романский стиль, Готика и т. д.).
СТИЛИЗАЦИЯ – это способ художественного преобразования реальных форм природного и предметного мира с целью изменения его эстетического функционального значения в художественном изображении.
Для стилизации характерно абстрагирование, мысленное отвлечение от несущественных, случайных с точки зрения автора произведения признаков, с целью выявления более значимых, отражающих суть предмета элементов. Стилизация может применяться и как способ намеренной имитации формальных признаков образной системы чего-либо (художественного стиля эпохи, авторского стиля художника) в новом, необычном художественном контексте.
Живопись
Композиция
Рисунок
Проверочный тест к
модулю «Техника акварели»
Автор
– Малышева Елена Дмитриевна, педагог дополнительного образования , руководитель
изостудии «Звуки красок».
Тесты
проводятся для обучающихся объединения 14-16 лет в качестве итогового среза
знаний при изучении и повторении разделов «Живопись». Также тест может
использоваться как самостоятельный материал в качестве вопросов к викторине
«Умница и талантище!»
Вопрос 1. Кем впервые была испробована смесь глины, сажи,
яичного белка и воды, ставшая прототипом акварельной краски?
Ответ: писцами Древнего Египта
Вопрос 2. Родина акварельной техники
—
Древний Рим
—
Древняя Греция
— Древний Китай
Вопрос 3. Какой жанр не относится к традиционными
жанрами акварельной живописи Японии и Китая
—
батальные сцены
—
архитектура
—
пейзаж
—
портретный жанр
—
анималистический стиль
Вопрос 4. В Европе акварель впервые появляется
—
в 15 веке
—
в 5-6 веке
—
в 19 веке
Вопрос 5. Лучшей работой за всю историю существования
акварельной живописи считают …
Ответ
: «Молодой заяц», Альбрехт Дюрер.
Вопрос 6. Вплоть до 19 века акварель использовалась в
основном для…
Ответ: украшения книг
Вопрос 7. Возрождение акварельной живописи как
самостоятельного вида произошло благодаря двум английским художникам
—
Джозеф Тернер
—
Онорэ Домье
—
Клоду Монэ
— Томас Гёртин
Вопрос 8. Первым русский художником, оказавшим огромное
влияние на формирование школы русской акварельной живописи стал
—
Михаил Врубель
—
Валентин Серов
— Петр Соколов
Вопрос 9. В 1880 году было организовано значимое для
развития всего русского акварельного искусства сообщество, которое называлось…
Ответ: «Общество русских акварелистов»
Вопрос 10. Возрождение акварельной живопоси в СССР и
современной России связывают с именем…
Ответ:
Сергей Андрияка
Вопрос 11. Этот художник известен во всем мире как
иллюстратор русских сказок. Он выполнил все рисунки в акварели
Ответ:
Иван Билибин
Вопрос 12. Альберт Бенуа, Лев Бакст, Иван Билибин,
Константин Сомов- самые известные художники-акварелисты- входили в 2
художественных объединения
— « Мир искусства»
—
«Бубновые валет»
—
«Мамонтовский художественный кружок»
— «Общество русских акварелистов»