Какие сочинения композитора относятся к русскому периоду творчества кратко охарактеризуйте их - Помощь в подготовке к экзаменам и поступлению

Игорь Стравинский прожил долгую, почти девяностолетнюю, жизнь, большая часть которой прошла за границей. Через десять лет после «художественной эмиграции» в 1913 из России, которая не приняла ни его «Петрушку», ни тем более «Весну священную», он с горечью скажет: «Я утратил свои корни».

Но Игорь Стравинский везде и всегда воспринимался как русский композитор, его русская сущность никуда не делась и именно она пронизывает все его творчество. Особенно ярко она проявилась в «русский» период его творчества. Тогда национальный фольклор и народная языческая стихия были основой всех его произведений в течение пятнадцати лет.

Вершиной периода стала «Весна священная» (1913), которую невозможно спокойно слушать и сто лет спустя. И так будет всегда, потому что эта потрясающая по силе музыка затрагивает основы человеческого бытия не только русского, но и любого, проникая на глубинный уровень, вводя в экстаз, захватывающий и даже постыдный, противостоять которому невозможно.

В русской поэзии есть еще только один такой пример — это поэзия Велимира Хлебникова. Случайно или нет, но Хлебников умер в 1922 году, в то же время, когда закончился «русский» период Игоря Стравинского. И начинали они примерно в одно время – в начале нулевых годов прошлого столетия, став яркими представителями расцвета русской культуры — Серебряного века.

Леон Бакст. Эскиз костюма к балету «Жар-птица» 1910.

В начале «русского» периода Игорь Стравинский еще оставался в рамках традиции «Могучей кучки» и Н.Римского-Корсакова, которого считал своим духовным наставником и учителем. И потому «Жар-птица» (1910) во многом напоминает корсаковского «Садко», но уже в «Петрушке» (1911), и особенно — в революционной «Весне священной», от этой традиции не осталось и следа.

Отказ от красивости, гладкости и мелодичности, привнесенных культурой предыдущих веков, обращение к народной традиции и фольклору, частушечность, интонационные и метрические перебивы, повторы, предпочтение, отдаваемое разнородности мотивов, плясовые ритмы и скоморошество, театральность и праздничность – все это питалось уже из других источников.

И Хлебников, и Стравинский искали вдохновение и новизну в народной стихии и в фольклоре, они были открывателями, новаторами, реформаторами, экспериментаторами и изобретателями нового языка: один в музыке, другой – в поэзии, хотя их личные судьбы сложились совершенно по-разному.

Один, хоть и нуждался постоянно в деньгах, но прожил благополучную и относительно обеспеченную жизнь. Другой — так и остался человеком неотмирным, странствующим дервишем, без семьи и дома, без денег и без малейшего намека на желание иметь то, и другое. Его интересовала только поэзия и слово, все остальное – ему только мешало.

Ф.Бенуа. Эскиз афиши к балету «Петрушка»

В основе творчества того и другого лежит стихия, завораживающая энергией, магией, заговорами, необычными дионисийскими ритуалами, рождающими странные чувства у о-культуренного аполлонического человека, вызывающие реакцию отторжения, как минимум, как максимум – непонимание и скандал.

Примерно то же самое потом делал Арто в театре и тоже вызывал скандалы. Но скандал, произведенный «Весной священной», для композитора стал неожиданным сюрпризом, потому что эту музыку он искренне любил, но реакция публики привела его в замешательство: он не был к этому готов.

И только прозорливая гениальность Сергея Дягилева могла понять, что все только начинается, хотя и он, впервые услышав «Весну священную», был шокирован, но после премьеры уже окончательно был уверен: именно за этой музыкой будущее. И оказался прав.

Через год «Весна священная» была воспринята как триумф Игоря Стравинского, как музыкальная революция. И именно она определила развитие европейской музыки в XX веке. Пережив три русских революции и две мировых войны, Игорь Стравинский тонко чувствовал время и чутко реагировал на изменения времени своей музыкой.

Н.Рерих. Девушки. Эскиз декорации и костюмов к балету И.Ф.Стравинского «Весна священная»

В начале пути он находится под влиянием Римского-Корсакова, Чайковского и Глазунова, но также и западно-европейской музыки Равеля и Дебюсси. В это время его привлекает и увлекает универсализм творчества участников кружка «Мира искусства», которые просвещали своих читателей и поклонников шедеврами, неважно на какой национальной почве они созданы.

В «Мире искусства» Игорь Стравинский знакомится с Сергеем Дягилевым, организатором и вдохновителем этого сообщества. Именно он в дальнейшем определит судьбу молодого композитора, став его постоянным заказчиком в «русский период».

Но сначала Игорь Стравинский, интересующийся поэзией, пишет песни на стихи своих любимых поэтов: Блока, Городецкого, Бальмонта. Первый большой заказ композитор получает от Дягилева на балет «Жар-птица», музыку к которому не успевал написать к сроку Лядов и Дягилев передает заказ молодому Стравинскому.

Это был подарок судьбы и шанс начать серьезное сотрудничество с «Миром искусства». Успех «Жар-птицы» в «Русских сезонах» сделал реальным сотрудничество не только с Дягилевым, но и с другими участниками кружка. Через год новый поворот и новая музыка – карнавально-городская «Петрушка», через два года – знаменитая языческо-славянская «Весна священная».

Так Россия в музыке Игоря Стравинского разворачивается и предстает в разных обличиях и в разных пространствах: сказочно-крестьянском («Жар-птица»), мещанско-городском («Петрушка») и языческо-архаическом («Весна священная»). Это был новый стиль, в котором работали все «мирискусники»: Головин, Бенуа, Рерих, Бакст, Гончарова, Ларионов.

Праздничный, яркий, динамичный, буйно-декоративный, сменивший утонченный и статичный импрессионизм. Апофеозом и своебразным манифестом этого молодого поколения стала «Весна священная» с ее потрясающей энергетикой и бешеным ритмом.

Многие из окружения Стравинского в России не приняли эту музыку, как не приняли ее на премьере в Париже, но для молодой знаменитости, которого с восторгом принимали в лучших домах Европы, это было уже неважно: он вошел в иное музыкальное пространство, став законодателем музыкальной моды.

Потом еще шлейфом пишутся «Три истории для детей», «Прибаутки», «Свадебка» и другие произведения, но врастание в европейскую культуру и потеря России после Октября уже окончательно означали для Игоря Стравинского конец «русского периода» и начало нового – «неоклассического», который продлится тридцать лет….

Тина Гай

Источник

«Они были лишены всякого смысла, но он их скандировал с невероятной ловкостью и в очень быстром темпе. Он ухитрялся издавать при этом целый ряд довольно подозрительных, но очень ритмичных звуков, которые, пожалуй, можно было назвать «причмокиванием», — пишет И. Стравинский.

Часто Стравинский вспоминал пение баб из соседних деревень. И когда он подражал им, родители хвалили его слух. Именно с этих незначительных воспоминаний, эпизодов из жизни Игорь почувствовал себя музыкантом. В детстве он очень любил импровизировать.

Любимым композитором Стравинского был М. Глинка — именно опера «Жизнь за царя» стала первой постановкой, которую Игорь увидел на сцене. И хотя в это время он учился на юридическом факультете, дополнительно Игорь Федорович занимался гармонией и контрапунктом. Университетским товарищем Стравинского оказался сын Николая Андреевича Римского-Корсакова. С ним у него быстро завязались хорошие товарищеские отношения. Так Стравинский и познакомился со своими любимым композитором, который в дальнейшем стал его учителем.

Под руководством Римского-Корсакова были написаны первые сочинения: скерцо и соната для фортепиано, сюита для голоса с оркестром «Фавн и пастушка».

В 1908 году у Стравинского было в работе 1-е действие оперы «Соловей» по сказке Андерсена. Либретто к этой опере Игорь написал вместе со своим другом С. Митусовым. Римский-Корсаков очень поощрял эту работу. Но в течение зимы 1908 года здоровье учителя Стравинского пошатнулось, вскоре он скончался, так и не услышав знаменитые произведения своего ученика.

Исполнение «Фантастического скерцо» и «Фейерверка» зимой 1908 года было важным моментом для музыкальной деятельности Стравинского. Отсюда началось близкое знакомство с Сергеем Дягилевым, русским антрепренёром, театральным и художественным деятелем, который высоко оценил талант молодого композитора.

Дягилев предложил написать музыку балета «Жар-птица» для сезона «Русских балетов» в Парижской опере, премьера которого должна была состояться весной 1910 года. Игоря пугал факт заказа к определённому сроку — он не знал своих сил и боялся опоздать. Но всё же он дал согласие.

Балет был поставлен в театре на Елисейских полях. Парижская публика восторженно приветствовала спектакль. О премьере Стравинский пишет:

«Конечно, я далёк от мысли, что приписывать успех надо исключительно партитуре: в равной степени он был вызван сценическим решением — роскошным оформлением художника Головина, блестящим исполнением артистов дягилевской труппы и талантом балетмейстера».

Пребывание в Париже дало Игорю случай познакомиться с французскими композиторами Клодом Дебюсси и Морисом Равелем и испанским композитором Мануэлем де Фалья.

Об этом периоде своего творчества Стравинский пишет:

«…однажды, когда я дописывал последние страницы «Жар-Птицы», в воображении моём совершенно неожиданно возникла картина священного языческого ритуала: мудрые старцы сидят в кругу и наблюдают предсмертный танец девушки, которую они приносят в жертву богу весны. Это стало темой «Весны священной».

Стравинский сразу же рассказал об этом художнику Николаю Рериху, картины которого воскрешали славянское язычество, и Сергею Дягилеву. Эта идея привела их в восторг.

Однако композитору перед сочинением трудной вещи, над которой нужно было много трудиться, хотелось сочинить что-то вроде концертной пьесы (концертштюк). Когда он начал писать музыку, перед глазами у него был образ игрушечного плясуна. Стравинский сочинил небольшой отрывок и пытался найти название, которое выразило бы в одном слове характер музыки и образ персонажа.

И вот композитор придумал — «Петрушка». Автор либретто — Александр Бенуа. Роль Петрушки досталась танцовщику Вацлаву Нижинскому, чьим исполнением Стравинский восторгался. Премьера состоялась 13 июня 1911 года в Парижском театре Шатле.

После «Петрушки» композитор снова принялся за «Весну священную». В течение зимы 1913 года он, живя в Кларане, работал над партитурой. Премьера состоялась вечером 28 мая 1913 года. Зрители пришли в полное негодование от музыки Стравинского. Весь спектакль в зале была суматоха. Люди свистели, смеялись.

Однако «Весна священная» оставалась одним из любимых балетов Дягилева. Он говорил:

«Вот это настоящая победа! Пускай себе свистят и беснуются! Внутренне они уже чувствуют ценность, и свистит только условная маска. Увидите следствия».

В 1914 году, через год, произошла так называемая «реабилитация» «Весны священной». На этот раз публика слушала произведение с сосредоточенным вниманием и восторженно его приветствовала.

«…и это меня особенно тронуло потому, что я никак этого не ожидал. Некоторые критики, год назад ругавшие „Весну“, искренне признавали свою ошибку. Вполне понятно, что эта победа дала мне глубокое и длительное удовлетворение».

В начале 1914 года, перед началом Первой мировой войны, Стравинский выехал с семьёй в Швейцарию.

«Я увидел, какое нервное состояние царит в Центральной Европе, и ясно почувствовал, что мы накануне серьёзных событий».

Две недели спустя была объявлена война. От военной службы Стравинский был освобождён и поэтому не был обязан возвращаться на Родину.

«…но я был далёк от мысли, что больше её не увижу такой, какой я её покинул».

«Мне было тяжело находиться в такое время вдали от России, и только чтение русской народной поэзии, в которое я погрузился, утешало меня и приносило радость».

Стравинский, хоть и жил в Европе, не на Родине, писал очень русскую музыку — балет «Жар-Птица», «Весна священная», «Петрушка». Этот период жизни и творчества Игоря Стравинского музыковеды так и называют — «русский».

Источник

Предмет: Музыка,

автор: mari0710

Ответы

Автор ответа: trushkovmatvey

Ответ:

2 Йорке,Вореп,Ницца,Париж,Санкт-Петербург,Биарриц, Западный Голливуд 3 В творчестве Стравинского условно выделяют три периода. Начальный называют «русским», его временные рамки ограничиваются 1908 — началом 1920-х годов. Именно тогда увидели свет балеты «Жар-птица», «Петрушка» и «Весна священная», сделавшие Стравинского знаменитым.

Извини что 1 не нашел

Объяснение:

mari0710:
Спасибо!!) помог

trushkovmatvey:
не за что)

Интересные вопросы

Предмет: Алгебра,
автор: zlatabelkacom

Предмет: История,
автор: semen14032005

Предмет: Физика,
автор: Дашутка83

Источник

Обновлено: 10.03.2023

ОБЩАЯ ХАРАКТЕРИСТИКА ТВОРЧЕСТВА СТРАВИНСКОГО

За долгую жизнь этому Стравинскому удалось использовать все достижения современной

авангардной музыки. Русская народная песня, богатство ее ритмико-мелодической структуры

были для Стравинского источником создания собственной мелодики фольклорного типа.

Стравинский никогда не был просто эпигоном каких-либо стилей. Напротив, любая стилистическая

модель преображалась им в исключительно индивидуальное творение. При всей стилистической

контрастности творчество Стравинского отличается единством, обусловленным его русскими

корнями и наличием устойчивых элементов, проявляющихся в произведениях разных лет. Он одним

из первых открыл новые музыкально-структурные элементы в фольклоре, ассимилировал некоторые

современные интонации (напр., джазовые), внёс много нового в метроритмическую организацию,

Но все же образно-стилистическая множественность т-ва С. подчинена в каждый творческий период

своей стержневой тенденции. Весь чрезвычайно продолжительный творческий путь Стравинского

В русский период (1908начала 20-х гг.) Стравинский проявлял особый интерес к древнейшему

и современному ему русскому фольклору, к ритуальным и обрядовым образам. В эти годы

формируются принципы музыкальной эстетики Стравинского , связанные с ｫтеатром представленияｻ,

закладываются основные элементы музыкального языка ｫпопевочныйｻ тематизм, свободный

метроритм, остинатность, вариантное развитие и т. д. Период ознаменован безраздельным

господством русской тематики — будь то народная сказка, языческая обрядовость, городские бытовые

сцены или пушкинская поэма. Именно в этот период создаются ｫПетрушкаｻ русские потешные

сцены в четырёх картинах (1910-1911), ｫЖар-птицаｻ (1909-1910), ｫВесна священнаяｻ (1911-

1913), ｫИстория солдатаｻ, ｫБайка про Лису, Петуха, Кота да Баранаｻ (1915-1916), ｫМавраｻ

(1921-1922), ｫСвадебкаｻ (1917, окончательный вариант 1923).

В следующий, т. н. неоклассицистский, период (до начала 1950-х гг.) на смену русской тематике

пришла античная мифология, существенное место заняли библейские тексты. Стравинский

обращался к различным стилевым моделям, осваивая приёмы и средства европейской музыки

барокко (опера-оратория ｫЦарь Эдипｻ, 1927), технику старинного полифонии (ｫСимфония

псалмовｻ для хора и оркестра , 1930) и др. Названные сочинения , а также балет с пением

ｫПульчинеллаｻ (на темы Дж. Б. Перголези, 1920), балеты ｫПоцелуй феиｻ (1928), ｫОрфейｻ

(1947), 2-я и 3-я симф. (1940, 1945), опера ｫПохождения повесыｻ (1951) �не столько высокие

образцы стилизации, сколько яркие оригинальные произведения (используя различные историко-

стилистические модели, композитор в соответствии со своими индивидуальными качествами создаёт

Третий период творчества Стравинского, который подготовлялся исподволь, внутри второго,

наступает в начале 50-х годов. Дважды посетив Европу в течении 1951-1952 годов (в это время

композитор постоянно живет в Америке), он осваивает додекафонную технику (однако в

рамках присущего Стравинскому тонального мышления). На её основе создаются его последние

произведения — балет ｫАгонｻ (1953-1957), кантата ｫТрениｻ, опера-балет ｫПотопｻ (1961-1962),

ｫТри песни из Уильяма Шекспираｻ, ｫТраурная музыкаｻ памяти поэта Дилана Томаса и другие.

Также поздний период т-ва С. характеризуется преобладанием религиозной тематики (ｫСвященное

песнопениеｻ (1956); «Плач пророка Иеремии» (1957-1958); реквием ｫЗаупокойные песнопенияｻ

(1966, итоговое сочинение композитора), и др.), усилением роли вокального начала (слова) .

ｫПетрушкаｻ, русские потешные сцены в четырёх картинах (1910-1911, редакция 1948)

ｫВесна священнаяｻ, сцены языческой Руси в двух картинах (1911-1913, редакция 1943)

ｫБайка про Лису, Петуха, Кота да Баранаｻ (1915-1916), либретто автора по русским сказкам из

сборника А. Н. Афанасьева. Первое исполнение — 18 мая 1922, Париж, Гранд-опера.

ｫСвадебкаｻ, русские хореографические сцены для солистов, хора, четырёх фортепиано и ударных

ｫИстория солдатаｻ (ｫСказка о беглом солдате и чёрте, играемая, читаемая и танцуемаяｻ) для трёх

чтецов, танцовщицы и инструментального ансамбля (1918)

ｫПульчинеллаｻ, балет с пением в одном действии по музыке Галло, Перголези и других

ｫМавраｻ, комическая опера в одном действии (1921-1922)

ｫЦарь Эдипｻ, опера-оратория для чтеца, голосов, мужского хора и оркестра (1926-1927)

ｫПоцелуй феиｻ, балет в четырёх сценах по музыке Чайковского (1928)

ｫПерсефонаｻ, мелодрама в трёх сценах для чтеца, тенора, хора и оркестра (1933-1934)

ｫПохождения повесыｻ, опера в трёх действиях с эпилогом (1947-1951)

ｫПотоп (опера)ｻ, библейская опера для солистов, актёров, чтеца и оркестра (1961-1962).

ｫПогребальная песньｻ, op. 5 (партитура не опубликована и утеряна).

Концерт для фортепиано, духового оркестра, литавр и контрабасов (1923-1924).

ｫКонцертные танцыｻ для камерного оркестра (1940-1942).

Симфония в трёх частях (часто встречается вариант названия ｫСимфония в трёх движенияхｻ; 1942-

ｫПодблюдныеｻ, четыре русские крестьянские песни для женского хора

ｫВавилонｻ, кантата для чтеца, мужского хора и оркестра (1944)

Священное песнопение во имя святого Марка (Canticum Sacrum ad honorem Sancti Marci Nominis) для

тенора и баритона соло, хора и оркестра на латинский текст из Ветхого и Нового Завета

ｫПлач пророка Иеремииｻ для солистов, хора и оркестра (1957-1958)

ｫПроповедь, притча и молитваｻ, кантата для альта и тенора соло, чтеца, хора и оркестра

Гимн ｫThe dove descending breaks the airｻ на текст Т. С. Элиота для хора без сопровождения (1962)

ｫЗаупокойные песнопенияｻ для солистов, хора и камерного оркестра (1965-1966)

В русской поэзии есть еще только один такой пример — это поэзия Велимира Хлебникова . Случайно или нет, но Хлебников умер в 1922 году, в то же время, когда закончился «русский» период Игоря Стравинского. И начинали они примерно в одно время – в начале нулевых годов прошлого столетия, став яркими представителями расцвета русской культуры — Серебряного века.

Леон Бакст. Эскиз костюма к балету «Жар-птица» 1910.

И Хлебников , и Стравинский искали вдохновение и новизну в народной стихии и в фольклоре, они были открывателями, новаторами, реформаторами, экспериментаторами и изобретателями нового языка: один в музыке, другой – в поэзии, хотя их личные судьбы сложились совершенно по-разному.

Ф.Бенуа. Эскиз афиши к балету «Петрушка»

Многие из окружения Стравинского в России не приняли эту музыку, как не приняли ее на премьере в Париже , но для молодой знаменитости, которого с восторгом принимали в лучших домах Европы, это было уже неважно: он вошел в иное музыкальное пространство, став законодателем музыкальной моды.

Предлагаю посмотреть мультфильм «Рождественская фантазия», в основе которого — музыка Игоря Стравинского «Петрушка»: святки продолжаются.

Тина Гай

Игорь Стравинский — личность поистине уникальная в музыкальном пространстве XX века, его творчество вобрало в себя практически все ведущие направления и стили своей эпохи. По силе воздействия, масштабу и значению для современников и потомков его творчество сравнивают с творчеством Пикассо в живописи. Яркое своеобразное преломление русского фольклора в ранних сочинениях, «архитектурно-музыкальные» конструкции неоклассического периода, мистическая атональность и додекафония позднего творчества — всё это метко охарактеризовал сам Стравинский: «Я вобрал в себя всю историю музыки». Но в то же время его индивидуальный почерк, средства выразительности всегда оставались характерными только для него, составили неповторимый музыкальный язык и метод мышления, который можно определить как «антитеза романтической экспрессии».

Игорь Фёдорович Стравинский родился 17 июня 1882 года в Ораниембауме, под Санкт-Петербургом. Род Стравинских происходит от польских землевладельцев (первоначально фамилия звучала Сулима-Стравинские, по названию двух притоков Вислы — Стравы и Сулимы). Отец Стравинского был известным в Петербурге оперным певцом, мать — пианисткой. Родители дали мальчику музыкальное образование, однако талант был замечен только в студенческие годы, когда Стравинский изучал юриспруденцию в Петербургском университете.

С 1903 года на протяжении пяти лет Стравинский берёт уроки композиции у Николая Римского-Корсакова, стихийно пополняя собственные знания в других областях музыкального искусства. Огромное значение для формирования композитора имела духовная атмосфера дореволюционного Петербурга. «Я часто думаю, что факт моего рождения и воспитания в городе скорее неоитальянском, чем чисто славянском или восточном, должен был частично обусловить собой направление культуры моей позднейшей жизни», — писал Стравинский в «Диалогах».

Первые «пробы пера» Стравинского относятся к 1902 году, а Симфония ми-бемоль мажор и сюита для голоса с оркестром «Фавн и пастушка» стали первыми публично исполненными произведениями (1908). Благодаря оркестровой фантазии «Фейерверк», получившей признание у публики, произошло знакомство Стравинского с балетным импресарио и постановщиком Сергеем Дягилевым, основателем знаменитого «Русского балета». Их плодотворное сотрудничество продолжалось вплоть до конца 1920-х годов, а результатом стало появление нескольких ярких балетных произведений и их постановка на различных сценах. «Жар-птица» в 1910 году принесла первый громкий успех, далее появляются «Петрушка» (1911) и «Весна священная», премьера которой 29 мая 1913 года в Париже (балетмейстер Вацлав Нижинский, декорации Николая Рериха, дирижёр Пьер Монтё) вызвала резкое неприятие и громкий скандал.

Слабые протесты по адресу музыки можно было уловить с самого начала спектакля. Затем, когда поднялся занавес и на сцене оказалась группа прыгающих Лолит с вывернутыми внутрь коленями и длинными косами («Пляска щеголих»), разразилась буря. Позади меня раздавались крики: «Ta gueule» («заткни глотку»). Я услыхал голос Флорана Шмитта (французский композитор и музыкальный критик — С.Г.), кричавшего: «Taisez-vous races du seizieme» («молчите вы, девки шестнадцатого»); «девками из шестнадцатого» были, однако, самые элегантные дамы Парижа. Суматоха продолжалась, и спустя несколько минут я в ярости покинул зал; я сидел справа от оркестра, и помню, как хлопнул дверью. Никогда более я не был так обозлён. Музыка казалась мне такой привычной и близкой, я любил её и не мог понять, почему люди, ещё не слышавшие её, наперёд протестуют. Разъярённый, я появился за кулисами, где увидел Дягилева, то тушившего, то зажигавшего свет в зале — последнее средство утихомирить публику. До самого конца спектакля я стоял в кулисе позади Нижинского, держа его за фалды фрака; он стоял на стуле и, подобно рулевому, выкрикивал танцовщикам цифры. («Диалоги»)

А вот заметки Жана Кокто о представлении «Весны»:

Насыщенные диссонансами гармонии, умопомрачительно сложные «варварские» ритмы, экспрессивная история столкновения человеческого социума с отдельной личностью и жестокого её уничтожения — таков облик произведения, ставшего эпохальным и во многом определившего принципиальные пути развития музыки (даже в исполнительском искусстве — до сих пор «Весна священная» считается вершиной дирижёрского мастерства). Прямое влияние «Весны» можно проследить в таких шедеврах, как «Парад» Эрика Сати (1917), «Чудесный мандарин» Белы Бартока (1919), «Америки» (1921) и «Аркана» (1927) Эдгара Вареза, Kammermusik № 1 (1921) и сюита «1922» Пауля Хиндемита, «Жанна д’Арк на костре» Артюра Онеггера (1935).

С 1910 года семья Стравинских жила в Европе. До 1939 года Швейцария и Франция давали приют композитору, не пожелавшему возвращаться в большевистскую Россию. Период творчества 1910-х годов обычно называют «русским» — Стравинский пробует сочетать элементы русского фольклора со средствами музыкального модернизма. Кроме вышеперечисленных балетов, наиболее соответствуют этой эстетике песенные циклы «Воспоминание о моём детстве», «Прибаутки», «Кошачьи колыбельные», «Подблюдные», а также сценическая «Байка про Лису, Петуха, Кота да Барана», в которой впервые проявляется абстрактность и условность персонажей, характерная для многих театральных сочинений Стравинского (партии одного и того же персонажа исполняются разными певцами, а исполнитель балетной партии «комментирует» сюжет). В этом ряду особняком стоят «Три стихотворения из японской лирики» и опера на сюжет сказки Андерсена «Соловей» (1909-1914). Изучение джазовых тенденций в музыке повлекло за собой появление на свет «Регтайма» для 11 инструментов, «Piano Rag-Music», а также «Историю солдата» (1918), произведения уникального своей жанровой принадлежностью — это и пантомима, и балет, и инструментальная сюита из современных танцев, в том числе танго. Кульминацией «русского» периода стала «Свадебка» (Les Noces), над которой автор работал с перерывами с 1914 по 1923 гг. По идеям это произведение во многом пересекается с «Весной священной», крайняя деперсонификация героев подчёркивает универсальность ролей, звуковое же воплощение — образец модернизма: четыре фортепиано с явно выраженной ударной функцией и несколько исполнителей на ударных инструментах. Стремление выразить максимальную механистичность первоначально породило идею использовать ансамбль пианол (механических фортепиано), но невозможность практической реализации вынудила Стравинского обратиться к простым роялям. Как остроумно заметил автор рецензии для записи на CD, «если б это было возможно в дни Стравинского, возможно его бы привлекло следующее: он пересоздал бы партии фортепиано «Свадебки» для Apple Macintosh». «Свадебка» была поставлена 13 июня 1923 года в Париже, с хореографией Брониславы Нижинской и декорациями Натальи Гончаровой, дирижировал Эрнест Ансерме.

Социальные потрясения двух первых десятилетий XX века, субъективизм и скептицизм позднего романтизма и экспрессионизма вызвали противоположную потребность в объективизации, обращению к «опыту предшествующих эпох», «отрезвлению» (Ферруччо Бузони). Индивидуальные образцы неоклассического стиля создают в 20-30-х годах Хиндемит и Шёнберг, Равель и композиторы французской «шестёрки», итальянцы Отторино Респиги и Альфредо Казелла. Стравинский, с 1920 года живущий в Париже в окружении Пабло Пикассо и Жана Кокто, также обращается к принципам неоклассицизма. Он использует разные историко-стилистические модели — технику старинной полифонии, барочные структурные формы, в соединении с собственным музыкальным языком создавая яркие оригинальные произведения. Хорошо выразил суть творческой метаморфозы композитора Жан Кокто: «Изумляет твёрдость этого человека: в то время как толпа обожателей требует: «Ну помучай, побей меня ещё», он предлагает ей тонкое кружево.»

Тематика произведений обогащается библейскими текстами и античной мифологией. Переломным моментом и важной вехой в творчестве становится «Пульчинелла» — балет с пением, в основе которого лежат фрагменты музыки композиторов XVIII века Перголези, Галло, Келлери и Паризотти, переинструментованные Стравинским, сюжет же был окончательно оформлен совместно с Дягилевым и балетмейстером Леонидом Мясиным. Как и в «Свадебке», певцы здесь не тождественны сценическим персонажам. Впервые «Пульчинелла» была поставлена 15 мая 1920 года под управлением Ансерме и с декорациями Пикассо.

Неоклассицизм главенствует в творчестве Стравинского вплоть до начала 1950-х годов, породив огромное количество столь разных по стилистике и по духу произведений. Среди них — опера-буфф «Мавра» по Пушкину (1922), в которой используется жанр русского романса, балеты «Аполлон Мусагет» (1927-28) — своеобразный опыт «стихосложения средствами музыки», «Поцелуй феи» (1928) в стилистике Чайковского, написанный для труппы Иды Рубинштейн и спровоцировавший «окончательный крах моей дружбы с Дягилевым. Он не мог простить мне, что я принял заказ от Иды Рубинштейн, и громогласно поносил и мой балет и меня. » Сочинённая в 1927 году совместно с Жаном Кокто величественная опера-оратория «Царь Эдип» (по Софоклу), воссоздающая практически в первозданном виде жанр древнегреческой трагедии, посвящена теме сурового рока и ничтожности человеческой судьбы перед неумолимым течением Времени и властью жестоких Обстоятельств. Другое произведение на сюжет древнегреческого мифа — мелодрама по пьесе Андре Жида «Персефона» (1934) — затрагивает тему морального долга и Высокого служения («Для того, чтобы весна возродилась, зерно должно умереть под землёй…»). Но всё чаще Стравинский обращается к чистому кантатному жанру, без сценической игры, ставший впоследствии одним из главных в его позднем творчестве, а пока же появляются «Вавилон» и Кантата на стихи английских поэтов Средневековья,, а также одно из наиболее известных сочинений Стравинского — Симфония псалмов для хора и оркестра без скрипок, посвящённая 50-летию Бостонского симфонического оркестра, руководимого в то время Сергеем Кусевицким. Она была написана, по признанию автора, «в состоянии религиозного и музыкального восторга». Это произведение стоит особняком в ряду неоклассических творений композитора: впервые у Стравинского религиозная тема выражена столь истово и откровенно (впоследствии это станет основой для сочинений позднего периода). Трёхчастная композиция выстроена по восходящему принципу: воззвание человеческой молитвой — ожидание Бога — нисхождение с Небес. Финальная часть написана на стихи «знаменитого» 150-го Псалма, часто привлекавшего внимание композиторов. Не менее прекрасное продолжение религиозная тема получила в Мессе на латинский текст для хора и двойного квинтета духовых инструментов (1944-48).

Яркой палитрой самых разнообразных сочинений характеризуются эти годы творчества композитора в области инструментальной музыки. Здесь и полномасштабные симфонические работы (Симфония in C, Симфония в трёх движениях, «Ода» для оркестра), и произведения для более ограниченных составов (Концерт для струнных in D, Концерт для камерного оркестра «Dumbarton Oaks», Октет для духовых инструментов и «Симфонии духовых» памяти Дебюсси), произведения для фортепиано и скрипки с оркестром, а также сольные фортепианные сочинения: Соната, Серенада in A, Соната и Концерт для двух фортепиано. Специально для джазового кларнетиста Вуди Германа написан Эбеновый (Чёрный) концерт.

С началом второй мировой войны Стравинский переселяется в США, где начинает преподавать в Гарвардском университете, а в 1945 году становится американским гражданином. Творческий успех постоянно сопутствует ему здесь. Ещё с середины 30-х годов яркие театральные события приносит сотрудничество с выдающимся американским хореографом Джорджем Баланчиным. Стравинский часто выступает в качестве дирижёра собственных сочинений, делает записи в студиях фирмы Columbia. В 1951 году оперой «Похождения повесы» был окончательно подведён итог неоклассическому этапу творчества композитора. Эта опера — один из редких примеров в истории музыки, когда толчком к написанию театрального произведения послужило изобразительное искусство — серия гравюр английского художника XVIII века У. Хогарта под общим названием «Карьера мота». Опера стала одним из последних неоклассических произведений Стравинского, после чего манера его письма резко меняется. Этому в решающей степени способствовало знаменательное событие в музыкальной жизни — кончина Арнольда Шёнберга, поставившая итоговую точку в целой эпохе немецкого экспрессионизма и раннего этапа развития додекафонной техники. Неприятие Стравинским и Шёнбергом музыкально-эстетических позиций друг друга доходило порой до язвительных недвусмысленных пассажей в адрес друг друга, причём наиболее наступательную позицию занимал Шёнберг (в Трёх сатирах для хора он даже позволил себе откровенно высмеять «маленького Модернского» — Стравинский был мал ростом, хотя и выше самого Шёнберга). Стравинский, со своей стороны, называл Шёнберга «модернистски припудренным Брамсом». Смерть Шёнберга, наравне с дружбой с молодым американским дирижёром Робертом Крафтом, ставшим до последних дней композитора его alter ego, послужили толчком к открытию Стравинским музыки нововенцев заново, что и определило скорейший переход к серийному методу организации музыки. Уже в 1952 году появляется септет — первое полностью додекафонное сочинение.

Серийная техника, или додекафония, как метод композиции последовательными неповторяющимися тонами был открыт несколькими композиторами одновременно и независимо друг от друга в 10-х годах XX столетия, музыка одного из которых — Шёнберга — стала впоследствии считаться классикой додекафонии. Шёнберг отвергал всякий намёк на тональность, считая диссонанс и неустойчивую гармонию без разрешения основными структурными единицами новой музыки. Додекафония же Стравинского имеет свой индивидуальный облик — она не отвергает устойчиво звучащих созвучий, а в некоторых произведениях тональная сфера используется наравне с додекафонной. Для Стравинского, впрочем как и для Шёнберга, серийная техника есть всего лишь метод создания определённой атмосферы в музыке.

В эти последние годы творческой деятельности усиливаются траурные и религиозные настроения, композитор отдаёт предпочтения камерным и вокально-инструментальным жанрам. Резко сокращается число крупных произведений: за 15 лет всего один балет (предельно абстрактный «Агон», посвящённый Джорджу Баланчину), одно сценическое музыкальное представление («Потоп», написанный для телевизионной постановки). Один за другим появляются произведения «памяти. » — Дилана Томаса, Джона Кеннеди, Олдоса Хаксли, Т.С. Элиота. Практически все остальные произведения посвящены духовной тематике: здесь и величественный «Canticum Sacrum», пятичастная форма которого продиктована архитектурой притворов собора св. Марка в Венеции, и достаточно продолжительные по времени «Threni» (Плач пророка Иеремии), а также «Проповедь, притча и молитва» и священная баллада «Авраам и Исаак», написанная на иврите. Обращается композитор и к музыке близкого по духу Карло Джезуальдо ди Веноза, обработав к 400-летию несколько его мадригалов. Особняком стоят «Движения» для фортепиано с оркестром (1959) — своеобразный опыт композиции, находящийся в творческом родстве с сериальной музыкой Булеза и Штокхаузена.

1962 год ознаменовался первым за 52 года фактического изгнания визитом на родину — по приглашению Министерства культуры СССР Стравинский дёт несколько концертов в Москве и Ленинграде. Поездка оказала несомненно сильное эмоциональное воздействие на композитора, однако сдержанный и осторожный в проявлении истинных чувств, Стравинский ни разу не высказался критически. «Я такой же русский, как и вы, и никогда не был эмигрантом. Моя жена была слаба здоровьем и только поэтому я не мог оставаться там более.»

В 1966 году, когда Стравинский был уже серьёзно болен, написано одно из последних произведений — «Requiem Canticles» (Заупокойные песнопения) для солистов, хора и камерного оркестра. Сочинение-эпитафия проникнуто светлым предвосхищением Бога и трепетным человеческим приближением к Потустороннему. Лаконичность высказывания, значимость каждой интонации и каждого звука говорит об особой кристаллизации стиля — того стиля, который всегда отличал Стравинского вне зависимости от его исканий в области музыкальной манеры. Последнее произведение композитора — инструментовка двух духовных песен Гуго Вольфа — написано на немецком языке, ранее им не использовавшемся, таким образом Стравинский остался в истории музыки как уникальный пример композитора, писавшего на семи (!) языках — английском, немецком, французском, итальянском, латинском, иврите, а также на родном — русском.

Богатая творческая жизнь композитора оборвалась в 1971 году в Нью-Йорке в возрасте 88 лет. Музыка Стравинского, на протяжении всей его жизни критиковавшаяся за новизну и «непонятность», теперь с удивлением обнаруживается крепко связанной с традициями европейской музыки и культуры. Композитор всегда шёл по твёрдо намеченному пути, безошибочный успех которого был виден только ему. Признание или непризнание мало значили для него, так же как и ожидания публики не играли никакой роли — никогда не потакая ей, он только лишь разрушал ненужные стереотипы и воспитывал вкус, оставаясь при этом самим собою. Замечательно сказал о Стравинском Жан Кокто: «Разве это не чудо: гроза, крайне озабоченная совершенством кривой, которую вычерчивают регистрирующие её приборы? Восточный романтизм, работающий на латинский рационализм.

Понравилась статья? Подпишитесь на канал, чтобы быть в курсе самых интересных материалов

Игорь Стравинский — выдающийся русский композитор, пианист и дирижер. Он является представителем музыкального модернизма, один из крупнейших представителей мирового искусства. Выдающийся композитор XX века, дирижер, музыковед, который сыграл важную роль в развитии самых разных направлений в музыкальном искусстве. Его творчество связано с новейшими явлениями мировой музыкальной культуры, с традициями русской музыки. Она вобрала в себя практически все ведущие направления и стили своей эпохи.

Краткая биография

На протяжении всего творческого периода (почти шесть десятилетий). Стравинский поражал слушателей неожиданными поворотами своего стиля. Недаром его называли «человек тысячи одного стиля», «Пикассо в музыке», «законодатель музыкального языка», «Композитор-хамелеон». В своей музыке Стравинский блестяще отразил важные черты эпохи, которая стремительно менялась. В его творчестве преобладают театрально-сценические произведения.

Игорь Стравинский родился 17 июня 1882 г. в Ораниенбурге близ Петербурга (ныне г. Ломоносов). С артистической средой был знаком с ранних лет. Отец был прославленным певцом Мариинского театра. Кроме сослуживцев в доме родителей бывали и Стасов, и Мусоргский, и Достоевский и много других известных людей. Мать — прекрасная пианистка и певица, была постоянным концертмейстером на концертах мужа.

В возрасте 10 лет начал заниматься фортепианной игрой. Вскоре увлекся импровизацией, еще не умея записывать свои музыкальные мысли. Первые сохранившиеся произведения были написаны, когда ему не было 16 г. После окончания гимназии (19 л.), идя на встречу желанию родителей, поступил на юридический факультет Петербургского университета. Тогда же начал самостоятельно изучать музыкально-теоретические предметы. Среди университетских друзей был сын Римского-Корсакова, через которого состоялось знакомство с композитором. Сначала Стравинский обращался к Римскому-Корсакову лишь за советами, а с осени 1905 г. занятия стали регулярными, дважды в неделю. Парнем он уже принадлежал к высшим кругам Петербургской художественной интеллигенции. Становится участником «вечеров современной музыки», их возглавляли А. Нуроки и В. Нувель. С их помощью сближается с деятелями «мира искусств» и российским импресарио С. Дягилевым, сыгравшим решающую роль в дальнейшей судьбе композитора. Дягилев предложил написать музыку к балету «Жар-птица» 1909 г.

Русский период творчества

В 1924 году Игорь Федорович дебютировал как пианист. Собственное произведение — Концерт для фортепиано и духового оркестра — исполнил на сцене Игорь Стравинский. Дирижер проявился в нем еще до этого. В таком качестве он выступал с 1915 по 1926 годы. В основном дирижировал исполнением собственных произведений. Он был очень требователен к музыкантам.

В 50-60 годы была проведена аудиозапись большинства его произведений. В 1962 году Стравинский приезжал на гастроли в СССР В течение трех лет сотрудничества с труппой Дягилева, Стравинский написал три балета, которые принесли ему мировую славу (28 г.) — «Жар-птица» (1910), «Петрушка» (1911) — трагедия злополучной куклы, погибающей от трудностей ее жизни. «Весна священная» (1913)-картина языческой Руси, сочетание человека с природой, показ религиозно-обрядовой стороны жизни. Сюжет Н. Рериха. Премьеры балетов состоялись в Париже.

Также наиболее известное произведение этого периода в творчестве Стравинского — балет «История солдата» (1918 г.) — рассказ о биографии солдата, что иллюстрируется действиями актеров и музыкой. Перед началом Первой мировой войны, уехал с семьей в Швейцарию.

Неоклассический период творчества

В годы войны распалась труппа Дягилева, поэтому Стравинский обращается к малым музыкальным формам. II период творчества «Неоклассический» (1920-1954).

(С 1920 г. живет в Париже, а в 1934 г. принял французское гражданство) Новый стилистический период его творчества наиболее плодотворен (около 45 произведений) — это возвращение к стилям былых времен (возрождение раннеклассического и доклассического периода).

Неоклассицизм утверждал порядок и гармоничность старого искусства в противовес хаосу экспрессионизма. Переосмысление музыкальных стилей и направлений XVIII в. стало основой для создания опер «Мавра» и «Царь Эдип», балета «Пульчинела» (декорации Пикассо).

Традиции и новаторство в творчестве композитора сливаются в единое целое, а стили старинной музыки «прочитываются по новому». (В 1935г.поселился в США. А в 1945г.стал гражданином США.)

Додекафонный период творчества Стравинского

III период творчества «Додекафонный» (1953-1968) — способ создания музыки с помощью 12 тонов. Последнее крупное произведение «Реквием».

Умер Игорь Федорович 6 апреля 1971 года в Нью-Йорке от сердечной недостаточности. Похоронен в Венеции.

Заключение

Игорь Стравинский вошел в мировую музыкальную культуру как представитель модернизма — новых тенденций в искусстве, что противостояли эстетике романтизма. Талант и творческое «кредо» композитора ярко проявились в жанре балета, одном из видных участков его художественной деятельности.

Стравинский написал (если учитывать микстовые формы) около 15 балетов.

Художник-интеллектуал, он относил себя к «аполоновскому » типу деятелей культуры, то есть сторонников осмысленного, а не экстатически-импульсивного, творческого акта. Отсюда возникают в его балетной творчества поиски разнообразных стилевых ориентиров: от неофольклоризму, импрессионизма — до неоклассицизма и додекафонии.

Стравинский значительно углубил реформу Петра Чайковского, который «поднял» музыку к определяющего фактора балетного произведения, безапелляционно утверждая идею ее диктаторской роли в системе балетной образности, а также пропагандируя приоритет симфонического начала в развертывании сюжетной рассказы.

Имя Игоря Стравинского носит музыкальная школа, которая находится в Ораниенбауме. В честь композиора были выпущены почтовые марки и монеты. Во французском городе Монтре есть музыкальная аудитория имени Игоря Стравинского. На планете Меркурий есть кратер, названный в его честь. В честь великого русского композитора названы: улица в Амстердаме, фонтан в Париже, аллею в Лозанне, площадь в Ораниенбауме. На Украине (Волынь) открыт музей Игоря Стравинского. А также там с 1994 года проводится международный музыкальный фестиваль имени композитора, дирижера и пианиста.

Великие русские композиторы Русская классика — это важная часть мирового культурного наследия. Она самобытна и прекрасна, ее отличает особый характер и неповторимое величие. Русские композиторы писали свои произведения вне времени. В XXI веке они по-прежнему звучат мощно и современно. Мы составили список великих русских композиторов, которыми можно гордиться. Михаил Иванович Глинка (1804—1857) Александр Порфирьевич Бородин […]

Великие русские композиторы

Русская классика — это важная часть мирового культурного наследия. Она самобытна и прекрасна, ее отличает особый характер и неповторимое величие. Русские композиторы писали свои произведения вне времени. В XXI веке они по-прежнему звучат мощно и современно. Мы составили список великих русских композиторов, которыми можно гордиться.

Михаил Иванович Глинка (1804—1857)
Александр Порфирьевич Бородин (1833—1887)
Модест Петрович Мусоргский (1839—1881)
Пётр Ильич Чайковский (1840—1893)
Николай Андреевич Римский-Корсаков (1844—1908)
Александр Николаевич Скрябин (1872 — 1915)
Сергей Васильевич Рахманинов (1873 — 1943)
Игорь Федорович Стравинский (1882-1971)
Сергей Сергеевич Прокофьев (1891—1953)
Дмитрий Дмитриевич Шостакович (1906 — 1975)

Михаил Иванович Глинка

Михаил Иванович Глинка — не только основоположник русской классики. Он был первым, кто добился широкого признания за рубежом. Его произведения легли на основу русской народной музыки, в свое время Глинка стал в этом вопросе новатором. Михаил Иванович лично знал величайших литераторов своего времени: А.С.Пушкина, В.А.Жуковского, А.С.Грибоедова, А.А.Дельвига. Благодаря своей поездке по Европе, длившейся несколько лет, великий русский композитор впитал и мировой опыт.

Александр Порфирьевич Бородин

Великий русский композитор Александр Бородин обладал многими талантами. Ученый-химик, врач, педагог и литератор писал музыку, ставшую шедевром русской классики. Интересно, что у Александра Бородина не было профессиональных учителей, искусство писать музыку он освоил сам. Толчком к творчеству стали женитьба на известной пианистке Е.С.Протопоповой и восхищение произведениями М. Глинки.

Модест Петрович Мусоргский

Специфическая мелодика и новаторская гармония Мусоргского стали основной для музыкального развития 20 века и сыграли важную роль в становлении стилей многих мировых композиторов.

Петр Ильич Чайковский

Он был не только композитором, работал педагогом, дирижером, критиком, общественным деятелем, выступал в двух столицах, гастролировал в Европе и Америке.

Произведения Чайковского любимы многими, потому что его музыкальный диалог со слушателем был практически универсален: его музыка отражала образы жизни и смерти, любви, природы, детства, духовная жизнь русского народа.

Николай Андреевич Римский-Корсаков

Николай Андреевич Римский-Корсаков должен был продолжить семейную традицию. Он стал морским офицером, на военном корабле обошел много стран Европы и двух Америк, но музыкальный дар, унаследованный от матери, определил судьбу великого русского композитора.

Александр Николаевич Скрябин

Александр Николаевич Скрябин творил на фоне трудных и горьких событий начала XX века. Пережил он и личную трагедию — его мать умерла рано, а отец служил послом в Персии и не мог уделять сыну достаточно времени и внимания. Отдушиной юного Александра Скрябина стала музыка.

Сергей Васильевич Рахманинов

Сергея Васильевича Рахманинова называли самым русским композитором. Но он был не только композитором, а еще талантливым пианистом и дирижером.

Рахманинов родился в Новгородской губернии, с четырех лет начал заниматься музыкой под руководством матери. Учился в Санкт-Петербургской консерватории, после 3-х лет обучения перевелся в Московскую консерваторию и окончил ее с большой золотой медалью.

Игорь Федорович Стравинский

Игорь Федорович Стравинский стал лидером неоклассицизма в музыке. Он свободно комбинировал жанры, формы, стили, выбирая их из столетий музыкальной истории и подчиняя своим собственным правилам.

Сергей Сергеевич Прокофьев

Сергей Сергеевич Прокофьев был одарен с раннего детства. С 5 лет он писал музыку, а уже в 9 создал две оперы. В 13 лет он сдал экзамены в Санкт-Петербургскую консерваторию, среди его учителей был Н. А. Римский-Корсаков.

Несмотря на то, что в начале карьеры музыкальный мир встретил его творчество резкой критикой, он придерживался модернистского стиля. Гениальный парадокс его музыки состоял в том, что рушив академические каноны, структура его композиций оставалась верна классическим принципам.

Дмитрий Дмитриевич Шостакович

Дмитрий Шостакович — самый исполняемый русский классический композитор. Величие его творчества заключается в том, что личная трагедия человека переплетается в нем с судьбой всего народа, истории, которые он рассказывал языком музыки были эмоциональными и яркими.

Уже в начале 20-х, к окончанию консерватории, Шостакович имел багаж собственных произведений и входил в число лучших композиторов страны. Мировая слава пришла к нему после победы в 1-м Международном конкурсе Шопена в 1927 году.

Читайте также:

Мой любимый вид спорта сноуборд сочинение

Нет без слова и имени и мышления вообще сочинение

Подлежащее и сказуемое сочинение

Комментарий эксперта итоговое сочинение

Отношение к пожилым людям сочинение егэ

Источник

Общая характеристика творчества стравинского

Игорь
Стравинский — легендарная фигура в
музыке XX века. За долгую жизнь этому
композитору удалось использовать все
достижения современной авангардной
музыки. Русская народная песня, богатство
ее ритмико-мелодической структуры были
для Стравинского источником создания
собственной мелодики фольклорного
типа. Стравинский никогда не был просто
эпигоном каких-либо стилей. Напротив,
любая стилистическая модель преображалась
им в исключительно индивидуальное
творение. Стравинский утверждал, что
его музыка словно развивается сама по
себе, но все же и в ней содержатся идеи,
доступные всеобщему восприятию.

Творчество
Стравинского отличается образно-стилистической
множественностью, однако подчинённой
в каждый творческий период своей
стержневой тенденции. В русский период
(1908—начала 20-х гг.), вершинными
произведениями которого являются балеты
«Жар-птица», «Петрушка», «Весна священная»,
хореографические сцены «Свадебка»
(1917, окончательный вариант 1923), Стравинский
проявлял особый интерес к древнейшему
и современному ему русскому фольклору,
к ритуальным и обрядовым образам, к
балагану, лубку. В эти годы формируются
принципы музыкальной эстетики Стравинского
, связанные с «театром представления»,
закладываются основные элементы
музыкального языка «попевочный»
тематизм, свободный метроритм,
остинатность, вариантное развитие и
т.д.

В
следующий, т. н. неоклассицистский,
период (до начала 1950-х гг.) на смену
русской тематике пришла античная
мифология, существенное место заняли
библейские тексты. Стравинский обращался
к различным стилевым моделям, осваивая
приёмы и средства европейской музыки
барокко (опера-оратория «Царь Эдип»,
1927), технику старинного полифонии
(«Симфония псалмов» для хора и оркестра
, 1930) и др. Названные сочинения , а также
балет с пением «Пульчинелла» (на темы
Дж. Б. Перголези, 1920), балеты «Поцелуй
феи» (1928), «Орфей» (1947), 2-я и 3-я симф. (1940,
1945), опера «Похождения повесы» (1951) — не
столько высокие образцы стилизации,
сколько яркие оригинальные произведения
(используя различные историко-стилистические
модели, композитор в соответствии со
своими индивидуальными качествами
создаёт современные по звучанию
произведения).

Поздний
период творчества (с середины 1950-х гг.)
характеризуется преобладанием религиозной
тематики («Священное песнопение», 1956;
«Заупокойные песнопения», 1966, и др.),
усилением роли вокального начала
(слова), свободным использованием
додекафонной техники (однако в рамках
присущего Стравинскому тонального
мышления). При всей стилистической
контрастности творчество Стравинского
отличается единством, обусловленным
его русскими корнями и наличием устойчивых
элементов, проявляющихся в произведениях
разных лет. Стравинский принадлежит к
числу ведущих новаторов 20 века. Он одним
из первых открыл новые музыкально-структурные
элементы в фольклоре, ассимилировал
некоторые современные интонации (напр.,
джазовые), внёс много нового в
метроритмическую организацию, оркестровку,
трактовку жанров. Лучшие сочинения
Стравинского существенно обогатили
мировую культуру и оказали воздействие
на развитие музыки 20 века.

Один
из крупнейших композиторов XX столетия,
Игорь Федорович Стравинский оставил
наследие, поразительное по ширине
замыслов, по разнообразию жанров, по
многогранности интересов. Огромное
количество произведений создано им на
протяжении более чем 65-летнего творческого
пути. Оперы и балеты, симфонии и концерты,
пьесы вокальные и инструментальные,
своеобразные синтетические формы…

Сочинения,
в которых воссоздается древняя Русь,
основанные на глубоко самобытном
претворении
национального фольклора, и музыка,
являющаяся данью восхищения композиторами
прошлого… Сочинения, вдохновленные
античными мифами и библейскими текстами,
народными сказками — и гравюрами XVIII
века… Сочинения, продолжающие традиции
Римского-Корсакова, и «варварски-скифские»,
неоклассические и додекафонные…

Весь
чрезвычайно продолжительный творческий
путь Стравинского принято разделять
на три периода.

Первый
из них — «русский». Он ознаменован
безраздельным господством русской
тематики — будь то народная сказка,
языческая обрядовость, городские бытовые
сцены или пушкинская поэма. Именно в
этот период создаются «Петрушка»,
«Жар-птица», «Весна священная», «История
солдата», «Байка про Лису, Петуха, Кота
да Барана», «Мавра», «Свадебка». Мир
русской ярмарки с ее озорными плясками,
балаганами, уличными наигрышами шарманки
и гармоники нашел свое яркое отражение
в «Петрушке»; на фоне праздничного
разгула толпы представлены трагические
смятения кукольного героя Петрушки,
обманутого ветреной Балериной. Впечатление
оглушительного взрыва произвела музыка
«Весны священной» — балета, рисующего
картины языческой Руси. «Весна
священная» ознаменовала начало нового
этапа в истории мировой музыки. Стремясь
передать «варварский» дух далекой
древности, автор применил неслыханно
дерзкие созвучия, стихийные ритмы,
буйные оркестровые краски. В ряде его
сочинений использованы необычные ритмы,
оригинальные инструментальные эффекты.

Второй
период, начало которого падает на 20-е
годы, известен как «неоклассический».
Охватывающий более 30 лет, он особенно
характерен многообразием манер и
«истоков»: Стравинский как бы внутренне
перерабатывает музыку Баха и Люлли,
Пепрголези и Гайдна, Моцарта и Вебера,
Бетховена и Чайковского, создавая по
их «моделям» музыку самобытную и
современную — Симфонию До мажор и Симфонию
в трех частях, балет «Апполон Мусагет»
и мелодраму «Персефона», Скрипичный
концерт и концерт «Думбартон Окс»,
оперу-ораторию «Царь Эдип» и оперу
«Похищение повесы».

Третий
период творчества Стравинского, который
подготовлялся исподволь, внутри второго,
наступает в начале 50-х годов. Дважды
посетив Европу в течении 1951-1952 годов (в
это время композитор постоянно живет
в Америке), он осваивает додекафонную
технику. На основе этой техники,
своеобразно претворенной индивидуальностью
великого музыканта, и создаются его
последние произведения — балет «Агон»,
кантата «Трени», опера-балет «Потоп»,
«Три песни из Уильяма Шекспира», «Траурная
музыка» памяти поэта Дилана Томаса и
другие.

Три
произведения являются главными в
творчестве Стравинского последнего
пятнадцатилетия. Это «Священное
песнопение», (1955-1956), «Плач пророка
Иеремии», (1957-1958), «Заупокойные
песнопения» (1965-1966).

Высшее
достижение Стравинского — Реквием
(«Заупокойные песнопения»). В 84 года
Стравинский создал произведение,
отличающееся истинными художественными
прозрениями. Музыкальная речь стала
более ясной и одновременно образной,
эмоционально контрастной. Реквием —
итоговое сочинение Стравинского, и не
только потому, что это его последняя
крупная вещь, но и потому, что она вобрала
в себя, синтезировала, обобщила многое
из предшествующего художественного
опыта композитора.

Соседние файлы в предмете [НЕСОРТИРОВАННОЕ]

Источник