Название знаменитой картине рембрандта ночной дозор дали вариант 15 егэ ответы

Русский язык, опубликовано 13.03.2019 12:50

Творчество Рембрандта Харменса ван Рейна

(1606-1669) знаменует наивысший расцвет голландского искусства XVII века и одну из вер­шин мирового искусства вообще. Демократическое и истинно гуман­ное, проникнутое горячей верой в торжество справедливых жизнен­ных начал, оно воплотило в себе самые передовые и жизнеутверждаю­щие идеи своего времени. Художник поднял изобразительное искусство на новую ступень, обогатив его небывалой жизненностью и пси­хологической глубиной. Рембрандт создал новый живописный язык, в котором главную роль играли тонко разработанные приемы светотени и насыщенный, эмоционально напряженный колорит. Духовная жизнь человека стала отныне доступной изображению средствами реалисти­ческого искусства.

Рембрандт выступил новатором во многих жанрах. Как портре­тист, он явился создателем своеобразного жанра портрета-биографии, где долгая жизнь человека и его внутренний мир раскрывались во всей своей сложности и противоречивости. Как исторический жи­вописец, он претворил далекие античные и библейские легенды в со­гретый высоким гуманизмом рассказ о реальных земных человеческих чувствах и отношениях.

Середина 1630-х годов — время наибольшей близости Рембрандта к общеевропейскому стилю барокко, пышному и шумному, насыщен­ному театральным пафосом и бурным движением, контрастами света и тени, противоречивым соседством натуралистических и декоратив­ных моментов, чувственности и жестокости.

В

барочный период написано «Снятие с креста»

(1634). Картина иллюстрирует евангельскую легенду о том, как Иосиф Аримафейский, Никодим и Другие ученики и близкие Христа, получив разрешение Пилата, сняли ночью тело Христа, завернули его в бога­тую плащаницу и похоронили.

Легенда рассказана Рембрандтом с потрясающей жизненной прав­дой. Трагическая смерть учителя и сына повергла участников собы­тия в глубокое горе. Художник вглядывается в лица, стараясь про­никнуть в души людей, прочесть реакцию каждого на происходящее. Взволнованно передает он обморок Марии, матери Христа, плач и стенания женщин, страдание и скорбь мужчин, испуг и любопытство подростков.

В этом произведении Рембрандт отталкивался от известной кар­тины Рубенса того же названия, используя отдельные композиционные мотивы вели­кого фламандца и стремясь превзойти его в выражении душевных движений героев.

Другим важным достижением этой картины, наряду с индиви­дуализацией чувств действующих лиц, явилось использование света для достижения цельности многофигурной композиции. Три главных момента легенды — снятие с креста, обморок Марии и расстилание плащаницы — освещены тремя различными источниками света, ин­тенсивность которых убывает сообразно с уменьшением значения сцены.

Начало нового периода в жизни и творческой деятельности масте­ра было отмечено двумя важными событиями, которые произошли в 1642 году: безвременной смертью Саскии, горячо любимой жены, оставившей ему годовалого сына, и созданием картины «Ночной до­зор»- большого группового портрета амстердамских стрелков, самого знаменитого произведения мастера.

Семейная трагедия и завершение ответственного заказа поставили Рембрандта перед сложными проблемами личной и творческой жизни. Художник выходит из этого кризиса возмужавшим и умудренным. Его искусство становится серьезнее, собраннее и глубже, а главное, в нем все явственней проступает интерес к внутренней жизни человека, к тому, что творится в его душе.

В тесной связи с эволюцией творчества Рембрандта в 1640-е годы следует рассматривать и одно из главнейших произведений худож­ника — «Даная»

, хотя на картине стоит дата 1636.

На создание обра­за Данаи, легендарной греческой царевны, заточенной своим отцом, чтобы избежать предсказанной ему гибели от руки внука, Рембрандта вдохновила его первая любовь — Саския. Но через десять лет, как по­казали новейшие исследования, художник, неудовлетворенный перво­начальным решением, существенно перерабатывает образ главной ге­роини. Моделью для окончательного варианта картины послужила ему, по-видимому, Гертье Диркс, молодая вдова, поселившаяся в доме Рембрандта после смерти Саскии сначала как нянька годовалого Титуса, а затем и на правах полной хозяйки. Таким образом, голова, пра­вая рука и в значительной степени тело Данаи, ожидающей в своей темнице возлюбленного (по легенде, влюбившийся в Данаю Зевс про­ник к ней в виде золотого дождя), а также фигура старухи-служанки оказались написанными заново, в смелой широкой манере середины и второй половины 1640-х годов. Почти все остальные детали картины остались такими, какими были написаны в 1636 году, характерным для предшествующего периода аккуратным, рисующим мазком.

Значительным изменениям подвергся и колорит картины. В пер­воначальном варианте господствовали холодные тона, типичные для середины 1630-х годов. Заменив золотой дождь первого варианта золотым светом, как бы предвещающим появление влюбленного бога, Рембрандт выполняет теперь центральную часть картины в теплом тоне с золотистой охрой и красной киноварью в ка­честве доминант.

Во втором варианте, то есть в 1646-1647 годах, Даная получила и углубленную психологическую характеристику, благодаря которой раскрылся сокровенный внутренний мир женщины, вся сложная и противоречивая гамма ее чувств и переживаний. «Даная», таким образом,-наглядный конкретный пример становления знаменитого рембрандтовского психологизма.

Творчество Рембрандта 1650-х годов отмечено прежде всего дости­жениями в области портрета. Внешне портреты этого периода отли­чаются, как правило, большим размером, монументальными формами. спокойными позами. Модели обычно сидят в глубоких креслах, поло­жив на колени руки и повернувшись прямо к зрителю. Светом выде­лены лицо и кисти рук. Это всегда пожилые, умудренные долгим жиз­ненным опытом люди — старики и старухи с печатью невеселых дум па лицах и нелегкого труда на руках. Подобные модели давали худож­нику блестящие возможности показать не только внешние приметы преклонного возраста, но и духовный облик человека. В собрании Эр­митажа эти работы хорошо представлены незаказными портретами:

«Старик в красном», «Портрет старушки» и «Портрет старика еврея».

Мы не знаем имени человека, послужившего моделью для портре­та «Старик в красном».

Рембрандт писал его дважды: в портрете 1652 го­да (Национальная галерея, Лондон) он изображен сидящим в кресле с подлокотниками, в глубокой задумчивости склонившим голову на правую руку; эрмитажный вариант трактует ту же тему- человек на­едине со своими думами. На этот раз художник применяет строго сим­метричную композицию, изображая неподвижно сидящего старика в фас. Но тем заметнее движение мысли, едва уловимая смена выраже­ния лица: оно кажется то суровым, то более мягким, то усталым, то вдруг озаренным приливом внутренней силы и энергии. То же происходит и с руками: они кажутся то судорожно сжатыми, то лежащими обессиленно. Художник достигает этого прежде всего благодаря блестящему мастерству светотени, которая в зависимости от ее силы и контрастности вносит в изображение элегическую расслабленность или драматическое напряжение. Огромную роль играет при этом и манера нанесения краски на холст. Изрытое морщинами лицо старика и узловатые натруженные руки обретают художественную, выразительность благодаря вязкому месиву красок, в котором переплетающиеся жирные мазки передают структуру формы, а тонкие лессировки придают ей движение и жизнь.

Безымянный старик в красном с подчеркнутым достоинством, силой духа и благородством стал выражением новой этической позиции художника, открывшего, что ценность личности не зависит от официального положения человека в обществе.

К середине 1660-х годов Рембрандт завершает свое самое проник­новенное произведение — «Возвращение блудного сына».

Его можно рассматривать как завещание Рембрандта-человека и Рембрандта-художника. Именно здесь идея всепрощающей любви к человеку, к униженным и страждущим — идея, которой Рембрандт служил всю свою жизнь,- находит наивысшее, совершеннейшее воплощение. И именно в этом произведении мы встречаемся со всем богатством и разнообразием живописных и технических приемов, которые вырабо­тал художник за долгие десятилетия творчества.

Оборванный, обессиленный и больной, промотавший свое состоя­ние и покинутый друзьями, появляется сын на пороге отчего дома и здесь, в объятиях отца, находит прощение и утешение. Безмерная свет­лая радость этих двоих — старика, потерявшего всякие надежды на встречу с сыном, и сына, охваченного стыдом и раскаянием, прячуще­го лицо на груди отца,- составляет главное эмоциональное содержа­ние произведения. Молча, потрясенные, застыли невольные свидетели этой сцены.

Художник предельно ограничивает себя в цвете. В картине доми­нируют золотисто-охристые, киноварпо-красные и черно-коричневые тона при бесконечном богатстве тончайших переходов внутри этой скупой гаммы. В нанесении красок на холст участвуют и кисть, и шпа­тель, и черенок кисти; но и это Рембрандту кажется недостаточным-он наносит краски на холст непосредственно пальцем (так написана, например, пятка левой ноги блудного сына). Благодаря разнообразию приемов достигается повышенная вибрация красочной поверхности — краски то горят, то сверкают, то глухо тлеют, то как бы светятся из­нутри, и ни одна деталь, ни один, даже самый незначительный, уголок холста не оставляет зрителя безучастным.

Только умудренный огромным жизненным опытом человек и ве­ликий, проделавший большой путь художник мог создать это гениаль­ное и простое произведение.

Ре́мбрандт Ха́рменс ван Рейн (нидерл. Rembrandt Harmenszoon van Rijn [ˈrɛmbrɑnt ˈɦɑrmə(n)soːn vɑn ˈrɛin], 1606-1669) — голландский художник, рисовальщик и гравёр, великий мастер светотени, крупнейший представитель золотого века голландской живописи. Он сумел воплотить в своих произведениях весь спектр человеческих переживаний с такой эмоциональной насыщенностью, которой до него не знало изобразительное искусство. Работы Рембрандта, чрезвычайно разнообразные по жанровой принадлежности, открывают зрителю вневременной духовный мир человеческих переживаний и чувств.

Рембрандт Харменсзон («сын Хармена») ван Рейн родился 15 июля 1606 года (по некоторым данным, в 1607) в многодетной семье состоятельного владельца мельницы Хармена Герритсзона ван Рейна в Лейдене. Семья матери даже после Нидерландской революции сохраняла верность католическому вероисповеданию.

В Лейдене Рембрандт посещал латинскую школу при университете, но наибольший интерес проявлял к живописи. В 13 лет его отдали учиться изобразительному искусству к лейденскому историческому живописцу Якобу ван Сваненбюрху, католику по вере. Исследователям не удалось найти работы Рембрандта, относящиеся к этому периоду, поэтому вопрос о влиянии Сваненбюрха на становление творческой манеры Рембрандта остаётся открытым: слишком мало известно сегодня об этом лейденском художнике.

В 1623 году Рембрандт учился в Амстердаме у Питера Ластмана, прошедшего стажировку в Италии и специализировавшегося на исторических, мифологических и библейских сюжетах. Вернувшись в 1627 году в Лейден, Рембрандт вместе с другом Яном Ливенсом открыл собственную мастерскую и начал набирать учеников. За несколько лет он приобрел широкую известность.

Ластмановское пристрастие к пестроте и детальность в исполнении оказало огромное влияние на молодого художника. Оно явственно сквозит в его первых сохранившихся произведениях — «Побиении камнями св. Стефана» (1629), «Сцене из древней истории» (1626) и «Крещении евнуха» (1626). В сравнении с его зрелыми работами они необычайно красочны, художник стремится тщательно выписать каждую деталь материального мира, как можно достовернее передать экзотическую обстановку библейской истории. Почти все герои предстают перед зрителем наряженными в причудливые восточные наряды, блистают драгоценностями, что создаёт атмосферу мажорности, парадности, праздничности («Аллегория музыки», 1626; «Давид перед Саулом», 1627).

Итоговые произведения периода — «Товит и Анна», «Валаам и ослица» — отражают не только богатую фантазию художника, но и его стремление как можно выразительнее передать драматичные переживания своих героев. Подобно другим мастерам барокко , он начинает постигать значение резко вылепленной светотени для передачи эмоций. Его учителями в отношении работы со светом были утрехтские караваджисты , но ещё в большей степени он ориентировался на произведения Адама Эльсхаймера — немца, работавшего в Италии. Наиболее караваджистские по исполнению полотна Рембрандта — «Притча о неразумном богаче» (1627), «Симеон и Анна в Храме» (1628), «Христос в Эммаусе» (1629).

К этой группе примыкает картина «Художник в своей мастерской» (1628; возможно, это автопортрет), на котором художник запечатлел себя в мастерской в момент созерцания собственного творения. Холст, над которым ведётся работа, вынесен на первый план картины; в сравнении с ним сам автор кажется карликом.

Одним из неразрешённых вопросов творческой биографии Рембрандта является его художественная перекличка с Ливенсом. Работая бок о бок, они не раз брались за один и тот же сюжет, как, например, «Самсон и Далила» (1628/1629) или «Воскрешение Лазаря» (1631). Отчасти оба тянулись за Рубенсом , который слыл тогда лучшим художником всей Европы, иногда Рембрандт заимствовал художественные находки Ливенса, иногда дело было ровно наоборот. По этой причине разграничение работ Рембрандта и Ливенса 1628-1632 годов представляет известные сложности для искусствоведов. Среди других известных его работ — «Валаамова ослица» (1626 г).

Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →

Автопортрет Рембрандта, 1661. Холст, масло, 114х91.

Кенвуд Хаус, Лондон, Английское наследие.
Иллюстрация с сайта http://rembr.ru/

Рембрандт, Харменс ван Рейн (Rembrandt,
Harmenz van Rijn) (1606–1669), голландский живописец, рисовальщик и
офортист, один из величайших мастеров западноевропейского искусства. Родился
в Лейдене 15 июля 1606 в семье зажиточного мельника. В 1620 поступил в
Лейденский университет, однако пробыл там недолго и вскоре стал учеником
местного художника Якоба Исаакса Сваненбюрха. Около 1623 переехал в
Амстердам, где поступил в мастерскую Яна Пейнаса, учился у мастера
исторической живописи Питера Ластмана. Последний познакомил Рембрандта с
произведениями мастеров итальянского искусства. С 1625 по 1631 Рембрандт
держал собственную мастерскую в Лейдене, иногда работал вместе с живописцем
и гравером Яном Ливенсом. Из учеников Рембрандта наиболее известен Герард
Доу.

В 1631 или в конце 1632 Рембрандт вернулся в Амстердам. 22 июня 1635
женился на Саскии ван Эйленбюрх, дочери состоятельного бургомистра
Лейвардена. В 1642 успех в творчестве и личной жизни сменился чередой
несчастий. В конце 1630-х годов у него один за другим родились четыре
ребенка, но все умерли еще в младенчестве, а затем 14 июня 1642 внезапно
умерла и любимая жена. Художник остался с годовалым сыном Титусом. Картина
Ночной дозор (1642, Амстердам, Рейксмузеум), законченная вскоре после смерти
Саскии, отмечает начало его новых творческих поисков.

В конце 1640-х годов Хендрикье Стоффельс стала неофициальной женой
Рембрандта (по завещанию Саскии он не мог жениться во второй раз). В 1654 у
них родилась дочь Корнелия. Однако теперь художника преследовали финансовые
трудности. В июле 1656 он был вынужден заявить о своем банкротстве, и в
последующие два года его замечательная коллекция была распродана. Желая
помочь Рембрандту, в конце 1658 Титус и Хендрикье стали заниматься торговлей
картинами.

Последние годы жизни художника были омрачены смертью близких. 24 июля
1663 умерла Хендрикье. Титус женился в феврале 1668, а через полгода умер.
Теперь Рембрандт остался один с юной Корнелией. Умер Рембрандт 4 октября
1669.

Рембрандт создал около 600 картин, почти 300 офортов и более 1400
рисунков. Ниже предлагается хронологический обзор его творчества.

Ранний период творчества Рембрандта следует рассматривать в контексте
влияния итальянского искусства на голландскую живопись. Из итальянских
мастеров голландцев особенно привлекал Караваджо, в произведениях которого
смелый натурализм и контрастная свето-теневая моделировка казались вызовом
классическому искусству. Такие художники, как Герард Тербрюгген и учитель
Рембрандта Питер Ластман работали в стилистике Караваджо, постепенно вводя
караваджизм в арсенал художественных средств голландской живописи. Картины
Рембрандта лейденского периода (1625–1631) тоже принадлежат этому течению. В
картинах Меняла (1627, Берлин) и Ученый в своем кабинете (1629, Лондон,
Национальная галерея) проявился интерес мастера к передаче эффектов
освещения. На первой из них изображен старик в очках за работой, в углу,
заваленном счетными книгами. Его морщинистое лицо освещено тусклым светом
единственной свечи, которую он прикрывает рукой. Во второй картине Рембрандт
стремился передать атмосферу наполненного воздухом интерьера. Главным
предметом изображения является сама комната с высоким потолком, залитая
мягким трепещущим светом.

На протяжении всего своего творческого пути художник обращался к сюжетам,
в которых глубокая жизненная драма сочетается с элементами тонкого
психологизма. В картине Ужин в Эммаусе (ок. 1630, Париж, музей Жакмар-Андре)
видны особенности живописи Рембрандта этого периода. Рембрандт представил
этот эпизод как театральную мизансцену. Силуэт Христа выделяется на фоне
ослепительного света, бльшая часть холста погружена в тень.

Переезд в Амстердам и последовавшие за ним большие художественные успехи
открывают новый период в творчестве Рембрандта; это десятилетие, в течение
которого были созданы произведения, проникнутые драматизмом и в то же время
не лишенные материальной чувственности, отчасти родственные по духу работам
фламандца Питера Пауля Рубенса. Первый крупный заказ, полученный Рембрандтом
в Амстердаме, – картина Анатомия доктора Тюльпа (1632, Гаага, Маурицхёйс).
Она представляет собой изображение известного амстердамского врача и его
коллег по городской гильдии хирургов.

Среди картин на исторические сюжеты, выполненных Рембрандтом в 1630-е
годы, особенно драматичным представляется Ослепление Самсона (1636,
Франкфурт-на-Майне, Штеделевский художественный институт). Отблески света,
динамичные диагонали и яркие цвета использованы для того, чтобы усилить
напряженность сюжета; картина наполнена резким стремительным движением.

Гедонизм и техническая виртуозность, характеризующие живопись Рембрандта
этих лет, возможно, нашли наиболее яркое воплощение в Автопортрете с Саскией
(ок. 1635, Дрезден, Картинная галерея). Здесь художник изобразил себя в
романтическом костюме кавалера; одной рукой он поднимает бокал пива, а
другой обнимает Саскию, сидящую у него на коленях. Яркость красок и свобода
мазка полностью соответствуют настроению сцены.

Автопортрет с Саскией на коленях. 1635 г.

К началу 1640-х годов жизнь и художественная деятельность Рембрандта
приобрели стабильность и размеренность. На Автопортрете 1640 (Лондон,
Национальная галерея), созданном под влиянием работ Рафаэля и Тициана
изображен уверенный в себе, рассудительный человек, одетый в соответствии с
итальянской модой 16 в., облокотившийся о балюстраду; его плечи слегка
повернуты, взгляд обращен на зрителя.

Одна из самых известных картин этого периода – Ночной дозор (1642,
Амстердам, Рейксмузеум). Настоящее название работы – Рота капитана Франса
Баннинга Кока и лейтенанта Виллема ван Рейтенбурга. Она была написана по
случаю посещения Амстердама французской королевой Марией Медичи и
устроенного по этому поводу торжественного выхода войск городской милиции.
Преобладающий в картине темный фон позволяет лучше выделить фигуры
персонажей. Именно поэтому в 18 в. картина была ошибочно названа Ночной
дозор. Как и Анатомия доктора Тюльпа, эта картина выходит за рамки
традиционного группового портрета. На ней изображено 29 персонажей, из
которых 16 – реальные исторические лица; их движения и расположение на
картине подчинены единому общему действию, развивающемуся на глазах у
зрителя. Древки, знамена и мушкеты торчат в разные стороны, делая композицию
более свободной и динамичной; ощущение усиливается игрой света и тени.

Ночной дозор. 1642 г.

В 1640-е годы религиозная живопись Рембрандта становится менее
риторичной, в ней появляются смирение и глубокая внутренняя сила,
характерные для позднего творчества мастера. С эпохи Ренессанса события
Священного Писания интерпретировались обычно в героическом ключе, а их
персонажи наделялись физической красотой. Вдение Рембрандта резко отличалось
от этой концепции; Христос в его работах кажется смиренным и кротким,
униженным и незаметным среди людей.

Лист в сто гульденов, гравюра, получившая свое название из-за цены, по
которой она была продана на одном из первых аукционов, посвящена теме
христианского смирения. Фигура Христа не выделяется из толпы ни одеждами, ни
особым положением, но внимание зрителя оказывается обращенным к центру
композиции – лику Спасителя с исходящими от него тончайшими лучами
божественного света. По левую руку от Него – сломленные немощью духа и
плоти, богатые и бедные, объединенные страданиями. Справа изображены
фарисеи, неверующие и погруженные в бесконечные споры. К ногам Христа
припадают маленькие дети. В гравюре Лист в сто гульденов при отсутствии
видимого действия Рембрандту прекрасно удалось передать чудо Божественного
присутствия в мире людей.

С начала 1650-х годов портреты Рембрандта становятся глубоко личностными,
композиции – строгими и геометричными в построении, а цветовая гамма –
огромным спектром оттенков трех или четырех цветов. Искусство Рембрандта не
отражает более художественных пристрастий публики; художника занимает теперь
исследование свойств техники масляной живописи. Мироощущение мастера,
воплощенное в его поздних произведениях, столь высоко ценимых ныне, осталось
непонятным для его современников.

Рембрант. «Даная». 1636.

Картина Человек в позолоченном шлеме (1651, Берлин – Далем) работы
мастерской Рембрандта демонстрирует характерные черты позднего стиля
мастера. Лицо седого воина погружено в глубокую мягкую тень, а отблески
света на шлеме переданы свободными широкими густыми мазками. Для Рембрандта
необычный сюжет иногда мог стать поводом для смелых художественных
экспериментов. Примером здесь может служить картина Освежеванная бычья туша
(1655, Париж, Лувр). Кисть возвращает жизнь мертвой плоти и красоту
безобразию. Рембрандт всегда избегал классицистической идеализации в
изображении человеческого тела. На картине Вирсавия (1654, Париж, Лувр)
женщина, которую царь Давид увидел купающейся и полюбил за необыкновенную
красоту, изображена не в момент купания, столь часто избиравшийся
художниками для рассказа этой истории, и вовсе не красивой. Она погружена в
глубокие раздумья и как будто провидит смерть мужа.

В своем позднем творчестве Рембрандт все чаще обращается к интерпретации
событий христианской истории. Картина Снятие с креста (ок. 1655, Вашингтон,
Национальная галерея) посвящена не только смерти Христа, но и скорби
оплакивающих Его.

Одно из самых известных произведений религиозной живописи Рембрандта
этого периода – картина Отречение Петра (ок. 1660, Амстердам, Рейксмузеум).
В центре изображена обращающаяся к Петру молодая служанка, а он жестом
отведенной в сторону руки подтверждает свои слова об отречении от Христа.
Пространство переднего плана освещено единственной свечой, которую служанка
заслоняет рукой, – прием, который был очень популярен среди караваджистов в
начале столетия. Мягкий свет свечи моделирует формы фигур и предметов,
расположенных на переднем плане. Они написаны легкими мазками, в
коричневато-желтоватой цветовой гамме с несколькими красными акцентами.
Иногда формы как будто растворяются в свете или наполняются им, как
загораживающая свечу рука служанки. На лице Петра лежит глубокая печаль.
Здесь, как и в поздних портретах и автопортретах художника, Рембрандт с
непревзойденным мастерством изображает старость, с ее накопленной с годами
мудростью, немощью плоти и стойкостью духа.

Глубоко личностными становятся с годами и портреты Рембрандта. В портрете
поэта Яна Сикса (1654, Амстердам, коллекция семьи Сикс) портретируемый
изображен в едва заметном ракурсе снизу вверх; за исключением тонко
моделированного лица, портрет написан быстро и свободно, широкими мазками. В
цветовой гамме доминируют сверкающий красный цвет плаща и золото пуговиц
костюма, контрастирующие с различными оттенками зеленого и серого.

В портрете Хендрикье Стоффельс (ок. 1656, Берлин – Далем) фигура вписана
в раму оконного проема и из-за выбранного художником крупного масштаба
кажется стоящей совсем близко к картинной плоскости. Взгляд Хендрикье
обращен к зрителю, ее поза свободна, голова наклонена в сторону, а руки
лежат очень естественно. Цветовую гамму картины составляет сочетание
золотистых, белых, красных и черных тонов.

Один из лучших групповых портретов Рембрандта – Синдики (1661–1662,
Амстердам, Рейксмузеум). Заказчиками портрета были представители
амстердамского цеха суконщиков (синдики). Они изображены вокруг стола с
лежащей на нем счетной книгой. Художник делает зрителя участником
происходящего в картине. Кажется, что мы только что прервали синдиков,
занятых своими подсчетами, и поэтому все они, как будто оторвавшись на миг
от своей работы, смотрят на зрителя. В картине преобладают прямые линии, но
разворот стола и сложная игра света смягчают строгость композиции. Пятна
света разбросаны по всему холсту, оживляя его живописную поверхность. Эта
картина замечательна и как психологический этюд, цель которого – изобразить
людей с разными характерами, и как исторический документ.

Около 1661 Рембрандту была заказана одна из восьми исторических картин,
которыми предполагалось украсить амстердамскую ратушу. Огромное полотно
(первоначальные размеры 5ґ5 м) Заговор Юлия Цивилиса, согласно различным
версиям, или так и не было вывешено в ратуше, или занимало отведенное для
него место не более двух лет, и затем было заменено картиной Овенса на тот
же сюжет. Сохранился лишь фрагмент этой работы Рембрандта, который находится
в Национальном музее в Стокгольме. Рембрандт изобразил событие, описанное в
Анналах римского историка Тацита (1 в.): вожди племени батавов клянутся на
мече бороться за освобождение от римского владычества. О масштабе этого
произведения в его первоначальном виде можно судить по композиционному
наброску, находящемуся в Мюнхене. В нем видно, что сначала стол и
собравшиеся вокруг него люди были показаны в пространстве огромного зала,
глубина которого передавалась посредством игры света и тени.

В 17 в. рисунок обычно служил в качестве предварительного наброска для
разработки большой композиции, этюда отдельных деталей будущей картины или
наносился на картон, а затем переводился на поверхность, предназначенную для
росписи. Очень редко рисунок мыслился как законченное произведение
искусства; часто после выполнения проекта рисунки выбрасывали. Каждый
рисунок Рембрандта – исследование природы явлений и попытка уловить характер
момента или предмета. Когда художник делал зарисовки с произведений старых
мастеров, он создавал не копии, а вариации на ту же тему, решая при этом
собственные художественные задачи. В 1630–1640-е годы он рисовал, сочетая
линии разной толщины с тончайшей отмывкой. Иногда его рисунки кажутся
быстрыми набросками, где нервная линия почти нигде не остается непрерывной.

Рембрандт первым осознал богатые возможности офорта по сравнению с
резцовой гравюрой на металле. Такая гравюра создается путем процарапывания
рисунка на металлической пластине; затем пластина покрывается краской,
заполняющей оставленные резцом углубления, и с нее печатают оттиски на
бумаге при помощи пресса. Резец требует сильного нажатия и большой
осторожности. Работа над офортом, напротив, не требует большой физической
силы, а линии получаются более свободными и гибкими. Вместо того чтобы
процарапывать металл резцом, художник покрывает пластину кислотоустойчивым
лаком и рисует по нему иглой, затем погружает пластину в кислоту, и металл
протравливается в свободных от лака местах. Офорт предоставляет художнику
гораздо больше свободы, и он может рисовать иглой, как пером на бумаге. В
офортах Рембрандта линии так же свободны и подвижны, как и в набросках
пером. Для достижения новых выразительных эффектов он часто сочетал разные
техники: иногда проходил резцом по уже протравленной кислотой доске, иногда
гравировал «сухой иглой» – инструментом с алмазом на конце, который
оставляет на металле бороздки с зазубринками, придающими мягкость и
бархатистость штриху на отпечатке. Например, в Листе в сто гульденов
художник использовал все эти техники (работа над этой доской продолжалась
несколько лет).

Лист Благовестие пастухам (1634) – настоящее барочное театрализованное
действо. Рисунок выполнен густо положенными перекрещивающимися штрихами,
которые создают контрасты светлых и темных тонов. Пятью годами позже в
Успении Богоматери господство густо заштрихованных темных зон сменилось
преобладанием светлых участков и тонкой параллельной штриховки. В офорте Три
дерева (1643) контраст густо заштрихованных фрагментов изображения и белой
бумаги доведен до предела; наклонные параллельные линии на фоне неба
прекрасно передают ощущение летней грозы. Самым драматичным из офортов
Рембрандта является лист Три креста (ок. 1650).

Возвращение блудного сына. 1669 г.

Использованы материалы энциклопедии «Мир вокруг нас».

Литература:

Ровинский Д. Полное собрание гравюр Рембрандта, т. 1–4. СПб, 1890

Рембрандт. Художественная культура Западной Европы XVII в. СПб, М., 1970

Егорова К.С. Рембрандт Гарменс ван Рейн. Картины художника в музеях
Советского Союза [Альбом]. Л., 1971

Егорова К.С. Портрет в творчестве Рембрандта. М., 1975

Далее читайте:

Ирина Ненарокомова. Рембрандт
.
(Детская Роман-газета).

Художники

(биографический справочник).

Подробнее читайте в Сети:

Сайт http://rembr.ru/


— о голландском художнике Рембрандте Ван Рейне. Галерея картин,
биография художника, книги и исследования о жизни Рембрандта.

Чем прославился Рембрандт Харменс ван Рейн? Имя его должно быть известно каждому образованному человеку. Это одаренный голландский художник, гравер, непревзойденный мастер светотени, один из крупнейших представителей золотого века — выдающейся эпохи нидерландской живописи, которая пришлась на 17 столетие. О жизни и творчестве этого одаренного человека и расскажет статья.

Начало пути

Рембрандт ван Рейн пришел в этот мир в июле 1606 года. Родился он в семье зажиточного мельника. Он был девятым ребенком, самым младшим в семье. Родители его были люди просвещенные. Они рано заметили, что мальчик одарен от природы умом и талантом, и вместо ремесленного дела решили отдать его «в науку». Так Рембрандт попал в латинскую школу, где обучался письму, чтению, изучал Библию. В 14 лет он успешно закончил школу и стал студентом университета Лейдена, который в то время славился на всю Европу. Лучше всего юноше давалась живопись, и опять же родители проявили мудрость и дальновидность. Они забрали сына из университета и отдали в ученики к художнику Якобу Исааку Сваненбюрху. Через три года Рембрандт ван Рейн настолько преуспел в рисунке и живописи, что развитием его таланта занялся сам Питер Ластман, который возглавлял амстердамскую школу живописи.

Влияние авторитетов

Раннее творчество Рембрандта ван Рейна сформировалось под влиянием таких авторитетов, как нидерландский мастер живописи Питер Ластман, немецкий художник Адам Эльсхаймер, нидерландский художник Ян Ливенс.

Пестрота, красочность и внимание к деталям, присущие Ластману, ярко видны в таких работах Рембрандта, как «Побиение камнями св. Стефана», «Крещение евнуха», «Сцена из древней истории», «Давид перед Саулом», «Аллегория музыки».

Ян Ливенс — друг Рембрандта, работал с ним бок о бок в общей студии с 1626 по 1631 год. Их работы во многом перекликаются, а стили так похожи, что даже опытные искусствоведы часто путают руки мастеров.

На Адама Эльсхаймера герой нашей статьи ориентировался, постигая значение светотени для передачи настроения и эмоций на холсте. Влияние немецкого живописца ярко прослеживается в работах «Притча о неразумном богаче», «Христос в Эммаусе», «Симеон и Анна в Храме».

Проявление индивидуальности. Успех

В 1630 году Хармен ван Рейн умер, его имущество разделили между собой старшие братья Рембрандта. Молодой художник еще некоторое время работал в мастерской в отчем доме, но в 1631 году уехал искать счастья в Амстердам.

В столице королевства он организовал мастерскую и стал специализироваться на портретном искусстве. Искусное использование светотени, характерная мимика лиц, своеобразие каждой модели — все это характеризовало формирование особого стиля художника. Рембрандт ван Рейн стал получать массовые заказы, добился комерческого успеха.

В 1632 году он получил заказ на групповой портрет. В результате свет увидело творение «Урок анатомии доктора Тульпа». Гениальная работа, за которую Рембрандт получил большой гонорар, не только прославила его, но и окончательно подтвердила творческую зрелость художника.

Муза

Модному молодому художнику во время светского визита представляют дочь бургомистра города Саскию. Не столько внешние данные девушки (она не слыла красавицей, хотя была миловидной и веселой), сколько ее солидное приданое привлекло Рембрандта, и через полгода после знакомства молодые люди обручились, а еще через год сочетались законным браком. Женитьба позволила герою нашей статьи войти в высшие круги общества.

Молодожены жили хорошо. Рембрандт ван Рейн написал множество портретов своей супруги, в том числе она позировала ему при создании шедевра «Даная». Его доходы в то время были колоссальными. Он купил особняк в самом престижном районе Амстердама, обставил его шикарной мебелью, создал внушительную коллекцию произведений искусства.

В браке родилось четверо детей, но выжил только младший сын Титус 1641 года рождения. В 1642 году Саския умерла от болезни. С собой она, кажется, унесла и удачу мастера.

Угасание славы. Жизненные невзгоды

Начиная с 1642 года художника преследует злой рок. Достигает расцвета своего таланта Рембрандт ван Рейн. Полотна его, однако, становятся все менее популярными, он постепенно теряет заказчиков и учеников. Отчасти биографы объясняют это своенравием мэтра: он категорически отказывается идти на поводу у заказчиков и творит так, как подсказывает ему сердце. Второй причиной угасания славы великого живописца называют, как ни странно, его мастерство и виртуозность, которые не могли понять и оценить обыватели.

Жизнь Рембрандта меняется: он постепенно нищает, переезжает из роскошного особняка в скромный дом на городской окраине. Но продолжает тратить огромные суммы на произведения искусства, что приводит к его полному банкротству. Финансовые дела берут в свои руки подросший сын Титус и Хендрикье — любовница Рембрандта, от связи с которой у него родилась дочь Корнелия.

«Рота капитана Франса Банинга Кока» — 4-метровое полотно, самая масштабная картина мастера, «Купающаяся женщина», «Флора», «Титус в красном берете», «Поклонение пастухов» — это работы мастера, написанные им в трудный период его жизни.

Поздние творения

В последние годы жизни Рембрандт ван Рейн, биография которого изложена в статье, достиг вершин своего творчества. Он на два столетия опередил своих современников и предсказал линии развития искусства 19 века в эпоху реализма и импрессионизма. Отличительной чертой его поздних работ является монументализм, крупногабаритность композиций и ясность образов. Картины «Аристотель с бюстом Гомера» и «Заговор Юлия Цивилиса» особенно характерны в этом отношении. Глубоким драматизмом пронизаны полотна «Возвращение блудного сына», «Артакссеркс, Аман и Эсфирь» и «Еврейская невеста». Много автопортретов было написано мастером в последние годы его жизни.

Рембрандт ван Рейн, картины которого являются истинными шедеврами искусства, умер в бедности в 1969 году. Был тихо похоронен в амстердамской церкви Вестеркерк. По достоинству его оценили только спустя несколько столетий.

Рембрандт Харменс ван Рейн: картины гения

За свой недолгий путь на Земле Рембрандт написал около 600 картин, создал примерно 300 офортов (гравюр на металле) и почти 1500 рисунков. Большинство его работ хранится в Рейксмюсеуме — Художественном музее Амстердама. Самые знаменитые его полотна:

• «Урок анатомии» (1632).
• «Автопортрет с Саскией» (1635).
• «Даная» (1636).
• «Ночной дозор» (1642).
• «Возвращение блудного сына (166(7?)).

Рембрандт — один из величайших художников в истории. Повторить его характерный стиль до сих пор никому не удалось. Одаренный и талантливый сын мельника оставил после себя бесценное наследие — шедевры мирового искусства.

Имя:
Рембрандт (Рембрандт Харменс ван Рейн)

Возраст:

63 года

Деятельность:
художник, гравёр, крупнейший представитель золотого века голландской живописи

Семейное положение:
вдовец

Рембрандт: биография

Рембрандт Харменс ван Рейн – известнейший живописец, офортист и рисовальщик «Золотого века». Всеобщее признание и слава, резкое падение и нищета – так можно охарактеризовать биографию великого гения искусства. Рембрандт стремился через портреты передать душу человека, о многих произведениях художника, овеянных тайной, до сих пор ходят слухи и догадки.

Начало 17 века было спокойным для Нидерландского государства, которое обрело независимость республики в момент революции. В стране развивались промышленное производство, сельское хозяйство и торговля.

В старинном городе Лейдине, находящемся в провинции Южная Голландия, в домике на Ведештеге прошло детство Рембрандта, родившегося 15 июля 1607 года.

Мальчик рос в многодетной семье, в которой был шестым ребенком. Отец будущего художника Хармен ван Рейн был состоятельным человеком, владевшим мельницей и солодовней. Помимо прочего в имуществе ванн Рейна было еще два дома, а также он получил значительное приданое от жены Корнелии Нелтье, поэтому большая семья жила в достатке. Мать будущего художника была дочерью пекаря и разбиралась в кулинарии, поэтому семейный стол изобиловал вкусными яствами.

Несмотря на достаток, семья Хармена жила скромно, соблюдая строгие католические правила. Родители художника даже после Нидерландской революции не изменили своего отношения к вере.

Автопортрет Рембрандта в 23 года

Рембрандт трепетно относился к своей матери в течение всей жизни. Это выражается в портрете, написанном в 1639 году, на котором изображена мудрая старушка с добрым и немного грустным взглядом.

Семейству были чужды светские мероприятие и роскошная жизнь состоятельных людей. Стоит предположить, что по вечерам ван Рейны собирались за столом и читали книги и библию: так делало большинство нидерландских граждан во времена «Золотого века».

Ветряная мельница, которой владел Хармен, находилась на берегу Рейна: перед взором мальчика открывался красивый пейзаж лазурной реки, которую освещают лучи солнца, пробирающиеся сквозь небольшое окошко постройки и проходящие сквозь туманы мучной пыли. Возможно, за счет детских воспоминаний будущий художник научился искусно владеть красками, светом и тенью.

В детстве Рембрандт рос наблюдательным мальчиком. Просторы улиц Лейдина давали источники вдохновения: на торговых рынках можно было встретить непохожих друг на друга людей разных национальностей и учиться набрасывать их лица на бумаге.

Первоначально мальчик ходил в латинскую школу, но учеба его не интересовала. Юный Рембрандт не любил точные науки, отдавая предпочтение рисованию.

Детство будущего художника было счастливым, так как родители видели увлечения сына, и, когда мальчику исполнилось 13 лет, его отдали обучаться к нидерландскому художнику Якобу ван Сваненбургу. Из биографии первого учителя Рембрандта известно мало, у представителя позднего маньеризма не сохранилось огромного художественного наследия, из-за чего проследить влияние Якоба на формирования выработки стиля Рембрандта практически невозможно.

В 1623 году юноша отправляется в столицу, где вторым его учителем становится живописец Питер Ластман, обучавший Рембрандта полгода живописи и гравюре.

Живопись

Обучение у наставника проходило успешно, впечатленный картинами Ластмана юноша быстро освоил технику рисования. Яркие и насыщенные краски, игра теней и света, а также скрупулезная проработка даже самых мелких деталей флоры – вот, что передал Питер именитому ученику.

В 1627 году Рембрандт возвращается из Амстердама в родной город. Уверенный в своих способностях художник вместе с другом Яном Ливенсом открывает собственную школу живописи, которая в короткие сроки приобрела популярность среди голландцев. Ливенс и Рембрандт шли вровень друг с другом, порой молодые люди тщательно работали над одним полотном, вкладывая в рисунок часть собственного стиля.

Двадцатилетний молодой художник успел приобрести славу за счет своих детализированных ранних работ, в число которых входят:

• «Побиение камнями святого апостола Стефана» (1625),
• «Паламедеи перед Агамемноном» (1626),
• «Давид с головой Голиафа» (1627),
• «Похищение Европы» (1632),

Юноша продолжает черпать вдохновение на улицах города, гуляя по скверам, дабы встретить случайного прохожего и запечатлеть его портрет резцом на деревянной дощечке. Также Рембрандт делает серии гравюр с автопортретами и портретами многочисленных родственников.

Благодаря таланту молодого живописца, Рембрандта заметил поэт Константин Хейгенс, который восхищался полотнами ван Рейна и Ливенса, называя их многообещающими художниками. «Иуда возвращает тридцать сребреников», написанное нидерландцем в 1629 году, он сравнивает со знаменитыми полотнами итальянских мастеров, но находит недочеты в рисунке. Благодаря связям Константина Рембрандт вскоре обзаводится богатыми почитателями искусства: из-за посредничества Хейгенса принц Оранский заказывает у художника несколько религиозных работ, таких как « перед Пилатом» (1636).

Настоящий успех к художнику приходит в Амстердаме. 8 июня 1633 года Рембрандт знакомится с дочерью богатого бюргера Саскией ван Эйленбюрх и завоевывает прочное положение в обществе. Большинство полотен художник написал, находясь в столице Нидерландов.

Рембрандт вдохновлен красотой своей возлюбленной, поэтому часто пишет ее портреты. Спустя три дня после свадьбы ван Рейн изобразил женщину серебряным карандашом в шляпе с широкими полями. Саския появлялась на картинах нидерландца в уютной домашней обстановке. Образ этой пухлощекой женщины появляется на многих полотнах, например, загадочная девочка на картине «Ночной дозор» сильно напоминает возлюбленную художника.

В 1632 году Рембрандта прославила картина «Урок анатомии доктора Тульпа». Дело в том, что ван Рейн отошел от канонов стандартных групповых портретов, которые изображались с лицами, повернутыми к зрителю. Крайне реалистичные портреты доктора и его учеников сделали художника знаменитым.

В 1635 году написана знаменитая картина по библейскому сюжету «Жертвоприношение Авраама», которую по достоинству оценили в светском обществе.

В 1642 году ван Рейн получил заказ от Стрелкового общества на групповой портрет, чтобы украсить полотном новое здание. Картина ошибочно получила название «Ночной дозор». Она была запачкана сажей, и только в 17 веке исследователи пришли к выводу, что действие, разворачивающееся на полотне, происходит в дневное время.

Рембрандт досконально изобразил каждую деталь мушкетеров, находящихся в движении: будто бы в определенный момент остановилось время, когда ополченцы выходили из темного дворика, чтобы ван Рейн запечатлел их на полотне.

Заказчикам не понравилось, что нидерландский живописец отошел от канонов, которые развивались в 17 веке. Тогда групповые портреты были парадными, а участники изображались анфас без какой-либо статики.

По мнению ученых, эта картина и послужила поводом для банкротства художника в 1653 году, так как отпугнула потенциальных клиентов.

Техника и картины

Рембрандт считал, что истинная цель художника заключается в изучении натуры, поэтому все картины живописца получались, чересчур фотографичными: нидерландец старался передать каждую эмоцию изображенного человека.

Как и у многих талантливых мастеров эпохи «Золотого века», у Рембрандта прослеживаются религиозные мотивы. На полотнах ван Рейна нарисованы не просто запечатленные лица, а целые сюжеты со своей историей.

На картине «Святое семейство», которая была написана в 1645 году, лица персонажей естественны, нидерландец будто бы желает с помощью кисти и красок перенести зрителей в уютную атмосферу простой крестьянской семьи. На работах ван Рейна нельзя проследить некой помпезности. говорил, что Рембрандт писал Мадонну в виде нидерландской крестьянки. Действительно, на протяжении всей жизни художник черпал вдохновение от окружающих людей, не исключено, что на полотне убаюкивает младенца женщина, срисованная со служанки.

Картина Рембрандта «Святое семейство», 1646 год

Как и многие деятели искусства, Рембрандт полон загадок: после смерти творца исследователи долго размышляли по поводу тайн его полотен.

Например, над картиной «Даная» (или «Эгина») ван Рейн работал 11 лет, начиная с 1636 года. На холсте изображена юная дева после пробуждения от сна. Сюжет основан на древнегреческом мифе о Данае, дочери царя Аргосского и матери Персея.

Исследователи полотна не понимали, почему обнаженная дева не похожа на Саскию. Однако после рентгеновского снимка стало понятно, что первоначально Даная была нарисована в образе Эйленбюрх, но после смерти жены ван Рейн вернулся к картине и изменил черты лица Данаи.

Также среди искусствоведов ходили споры по поводу героини, изображенной на холсте. Рембрандт не подписал название картины, а трактовку сюжета затруднило отсутствие золотого дождя, по легенде в виде которого Зевс явился к Данае. Также ученых смущало обручальное кольцо на безымянном пальце девушки, что не согласовывалось с древнегреческой мифологией. Шедевр Рембрандта «Даная» находится в российском музее Эрмитаже.

«Еврейская невеста» (1665) – еще одна загадочная картина ван Рейна. Такое название полотно получило в начале 19 века, однако до сих пор неизвестно, кто изображен на холсте, ведь молодая девушка и мужчина одеты в старинные костюмы, напоминающие библейскую одежду. Также популярна картина «Возвращение блудного сына» (1669), которая создавалась 6 лет.

Фрагмент картины Рембрандта «Возвращение блудного сына»

Если говорить о стиле написания полотен Рембрандтом, то художник использовал минимум красок, при этом умудрялся делать картины «живыми», благодаря игре света и теней.

Ван Рейну также удачно удается изобразить мимику лица: все люди на полотнах великого живописца будто живые. Например, в портрете старика – отца Рембрандта (1639) видна каждая морщинка, а также мудрый и грустный взгляд.

Личная жизнь

В 1642 году от туберкулеза умирает Саския, у возлюбленных был сын Титус (трое других детей скончались в младенческом возрасте), с которым Рембрандт поддерживал дружеские отношения. В конце 1642 года художник встречается с молодой особой Гертье Диркс. Родители Саскии были огорчены тем, как вдовец распоряжался приданым, живя в роскоши. Позже Диркс подает в суд на своего возлюбленного за то, что тот нарушил обещание взять ее в жены. От второй женщины у художника родилась дочь Корнелия.

Картина Рембрандта «Саския в образе богини Флоры»

В 1656 году Рембрандт из-за материальных трудностей объявляет себя банкротом и уезжает в уединенный домик на окраине столицы.

Жизнь ван Рейна не шла по нарастающей, а наоборот, уходила в упадок: счастливое детство, богатство и признание сменились ушедшими заказчиками и нищенской старостью. Настроение художника прослеживается на его полотнах. Так, живя с Саскией, он пишет радостные и солнечные картины, например, «Автопортрет с Саскией на коленях» (1635). На полотне ван Рейн смеется искренним смехом, а лучезарный свет озаряет комнату.

Если раньше картины художника были детализированы, то на этапе позднего творчества Рембрандт использует широкие мазки, а солнечные лучи заменяются тьмой.

Картина «Заговор Юлия Цивилиса», написанная в 1661 году, не была оплачена заказчиками, потому что лица участников заговора не проработаны скрупулезно, в отличие от предыдущих работ ван Рейна.

Картина Рембрандта «Портрет сына Титуса»

Незадолго до смерти, живя в бедности, в 1665 году Рембрандт пишет автопортрет в образе Зевксиса. Зевкис – это древнегреческий живописец, который скончался ироничной смертью: художника развеселил написанный им же портрет Афродиты в образе старухи, и он умер от смеха. На портрете Рембрандт смеется, художник не постеснялся вложить в полотно долю черного юмора.

Смерть

Рембрандт предал земле своего сына Титуса, который скончался от чумы, в 1668 году. Это печальное событие резко ухудшило душевное состояние художника. Ван Рейн умер 4 октября 1669 года и был похоронен в нидерландской церкви Вестеркерк в Амстердаме.

Памятник Рембрандту на площади Рембрандта в Амстердаме

При жизни художником было написано около 350 полотен и 100 рисунков. Человечеству понадобилось два века, чтобы по достоинству оценить этого великого художника.

Рембрандт Харменс Ван Рейн
— один из самых известных художников мира. Родился 15 июля 1606 года в Лейдене (Нидерланды, Южная Голландия). Несколько лет он проучился подмастерьем у лейденского художника, а затем обучался тонкостям живописи у Питера Ластмана в Амстердаме, который в свою очередь учился в Италии. Именно Ластман впервые познакомил Рембрандта с искусством светотени, эффектами передачи объёма, глубины, а также драматизма сюжета.

Рембрандт — это настоящий и непревзойденный мастер библейских и мифологических тем, портрета и передачи . После того, как в 1631 (1632) году он переехал в Амстердам, в самом скором времени он снискал настоящую славу талантливого художника. Картина «Урок анатомии доктора Тюльпа» принесла ему известность и признание среди художников и ценителей живописи. В те времена он был модным и преуспевающим живописцем, у которого было множество заказов. Его дела резко пошли в гору, и он стал довольно обеспеченным человеком.

Однако, несмотря на своё благополучие как художника, в личной жизни Рембрандта постигло множество бед. Трое его детей умерли ещё во младенчестве. Четвёртый сын Титус выжил, но через год после его рождения умерла жена Саския. В эти тяжелые и переломные для любого человека годы, Рембрандт пишет картину «Ночной Дозор», которая принесла ему настоящую славу и является до сих пор одной из самых ярких картин всего его творчества. Ночной Дозор — это групповой портрет членов стрелковой гильдии. Тогда он отказался от классического способа расположения лиц на групповой портрете, и создал картину, в которой присутствует динамика и движение. Кроме того, необычный контраст, способ наложения света и тени, придали особый волнительный колорит работе. Заказчики, надо признаться, не поняли замысел Рембрандта, так как хотели получить нечто похожее на работы других художников-классиков того времени, тех, что были признаны эталоном в живописи.

С годами реалистическое искусство Рембрандта Ван Рейна
всё улучшается и развивается. Он углубляется в своё творчество, всё больше и больше отличаясь от своих современников. Глубина и эмоциональность доходят до пика напряжённости. Художественные образы на его полотнах будто бы живут своей собственной жизнью, а вовсе не являются копией с оригинала или простым изображением человека. Именно новизна художественных изысканий позволили ему стать одним из самых заметных художников всех времён и народов. Он не уставал удивлять людей на протяжении всей своей жизни. Даже, когда Рембрандт вышел из моды, и продолжал писать обычные портреты на заказ, неожиданно для всех он написал грандиозную картину «Возвращение блудного сына». И всё же, несмотря на своё мастерство и заслуги, мир и общество были жестокими даже в те времена. Умер Рембрандт Ван Рейн 4 октября 1669 года в бедности и нищете. Могила его затерялась, но великое наследие осталось в память о нём на многие века.

Хотите выглядеть модно и современно? К вашим услугам качественная печать на футболках от Print Salon. Футболки, надписи и изображения на любой вкус.

Аллегория музыки

Андромеда

Аристотель с бюстом Гомера

Бегство в Египет

Благословение Иакова

Челн Христа во время бури

Человек в золотом шлеме

Давид и Ионафан

Евангелист Матфей и ангел

Еврейская невеста

Фредерик Рил на коне

Жертвоприношение

Каменный мостик

Мельница

Натюрморт с павлином

Ночной дозор

Обвинение Иосифа

Ослепление Самсона

Отречение апостола Петра

Пир Валтасара

Похищение Ганимеда

Портрет Иеремии Деккера

Портрет Марии Трип

Портрет старого воина

Портрет старухи

Портрет Яна Сикса

Портрет Яна Утенбогарта

Рембрандт Харменс ван Рейн (Rembrandt Harmensz van Rijn), голландский живописец, рисовальщик и офортист. Творчество Рембрандта, проникнутое стремлением к глубоко философскому постижению жизни, внутреннего мира человека со всем богатством его душевных переживаний, знаменует собой вершину развития голландского искусства XVII века, один из пиков мировой художественной культуры. Художественное наследие Рембрандта отличается исключительным многообразием: он писал портреты, натюрморты, пейзажи, жанровые сцены, картины на исторические, библейские, мифологические темы, Рембрандт был непревзойденным мастером рисунка и офорта. После кратковременного обучения в Лейденском университете (1620) Рембрандт решил посвятить себя искусству и учился живописи у Я. ван Сваненбюрха в Лейдене (около 1620-1623) и П.Ластмана в Амстердаме (1623); в 1625-1631 работал в Лейдене.

Картины Рембрандта лейденского периода отмечены поисками творческой самостоятельности, хотя в них ещё заметно воздействие Ластмана и мастеров голландского караваджизма (“Принесение во храм”, около 1628-1629, Кунстхалле, Гамбург). В картинах “Апостол Павел” (около 1629-1630, национальный музей, Нюрнберг) и “Симеон во храме” (1631, Маурицхейс, Гаага) он впервые использовал светотень как средство усиления одухотворенности и эмоциональной выразительности образов. В эти же годы Рембрандт упорно работал над портретом, изучая мимику человеческого лица. В 1632 году Рембрандт переехал в Амстердам, где вскоре женился на богатой патрицианке Саскии ван Эйленбурх. 1630-е годы — период семейного счастья и огромного художественного успеха Рембрандта. Картина “Урок анатомии доктора Тюлпа” (1632, Маурицхёйс, Гаага), в которой художник новаторски разрешил проблему группового портрета, придав композиции жизненную непринужденность и объединив портретируемых единым действием, принесла Рембрандту широкую известность. В портретах, написанных по многочисленным заказам, Рембрандт ван Рейн тщательно передавал черты лица, одежду, драгоценности (картина “Портрет бургграфа”, 1636, Дрезденская галерея).

Но более свободны и разнообразны по композиции автопортреты Рембрандта и портреты близких ему людей, в которых художник смело экспериментировал в поисках психологической выразительности (автопортрет, 1634, Лувр, Париж; “Улыбающаяся Саския”, 1633, Картинная галерея, Дрезден). Искания этого периода завершил знаменитый “Автопортрет с Саскией” или “Весёлое общество”; около 1635, Картинная галерея, Дрезден), смело порывающий с художественными канонами, выделяющийся живой непосредственностью композиции, свободной манерой живописи, мажорной, наполненной светом, красочной гаммой.

Библейские композиции 1630-х годов (“Жертвоприношение Авраама”, 1635, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург) несут на себе печать воздействия живописи итальянского барокко, которое проявляется в несколько форсированной динамике композиции, остроте ракурсов, светотеневых контрастах. Особое место в творчестве Рембрандта 1630-х годов занимают мифологические сцены, в которых художник бросил смелый вызов классическим канонам и традициям (“Похищение Ганимеда”, 1635, Картинная галерея, Дрезден).

Ярким воплощением эстетических взглядов художника стала монументальная композиция “Даная” (1636-1647, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург), в которой он как бы вступает в полемику с великими мастерами Возрождения: обнажённую фигуру Данаи, далекую от классических идеалов, он выполнил со смелой реалистической непосредственностью, а чувственно-телесной, идеальной красоте образов итальянских мастеров противопоставил красоту духовности и теплоты человеческого чувства. В этот же период Рембрандт много работал в технике офорта и гравюры (“Писающая женщина”, 1631; “Продавец крысиного яда”, 1632; “Странствующая пара”, 1634), создавал смелые и обобщенные по манере карандашные рисунки.

В 1640-х годах назревает конфликт между творчеством Рембрандта и ограниченными эстетическими запросами современного ему общества. Наглядно он проявился в 1642 году, когда картина “Ночной дозор” (Рейксмузеум, Амстердам) вызвала протесты заказчиков, не принявших основную идею мастера — вместо традиционного группового портрета он создал героически-приподнятую композицию со сценой выступления гильдии стрелков по сигналу тревоги, т.е. по существу историческую картину, пробуждающую воспоминания об освободительной борьбе голландского народа. Приток заказов Рембрандта сокращается, его жизненные обстоятельства омрачаются смертью Саскии. Творчество Рембрандта утрачивает внешнюю эффектность и присущие ему ранее ноты мажорности. Он пишет спокойные, исполненные теплоты и интимности библейские и жанровые сцены, раскрывая тонкие оттенки человеческих переживаний, чувства душевной, родственной близости (“Давид и Ионафан”, 1642, “Святое семейство”, 1645, — оба в Эрмитаже, Санкт-Петербург).

Все большее значение как в живописи, так и в графике Рембрандта приобретает тончайшая светотеневая игра, создающая особую, драматическую, эмоционально напряженную атмосферу (монументальный графический лист “Христос, исцеляющий больных” или “Лист в сто гульденов”, около 1642-1646; полный воздушной и световой динамики пейзаж “Три дерева”, офорт, 1643). 1650-е годы, наполненные для Рембрандта тяжкими жизненными испытаниями, открывают период творческой зрелости художника. Рембрандт все чаще обращается к жанру портрета, изображая наиболее близких ему людей (многочисленные портреты второй жены Рембрандта Хендрикье Стоффельс; “Портрет старухи”, 1654, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург; “Сын Титус за чтением”, 1657, Музей истории искусств, Вена).

Все более художника привлекают образы простых людей, стариков, служащих воплощением жизненной мудрости и духовного богатства (так называемый “Портрет жены брата художника”, 1654, Государственный музей изобразительных искусств, Москва; “Портрет старика в красном”, 1652-1654, Эрмитаж, Санкт-Петербург). Рембрандт сосредоточивает внимание на лице и руках, выхваченных из темноты мягким рассеянным светом, едва уловимая мимика лица отражает сложное движение мыслей и чувств; то легкие, то пастозные мазки кисти создают переливающуюся красочными и светотеневыми оттенками поверхность картины.

В середине 1650-х годов Рембрандт обрел зрелое живописное мастерство. Стихии света и цвета, независимые и даже отчасти противоположные в ранних работах художника, теперь сливаются в единое взаимосвязанное целое. Горячая красно-коричневая, то вспыхивающая, то гаснущая трепетная масса светоносной краски усиливает эмоциональную выразительность произведений Рембрандта, как бы согревая их теплым человеческим чувством. В 1656 году Рембрандт был объявлен несостоятельным должником, все его имущество продано с аукциона. Он переселился в еврейский квартал Амстердама, где в крайне стесненных обстоятельствах провел остаток жизни. Созданные Рембрандтом в 1660-е годы библейские композиции подводят итог его размышлениям о смысле человеческой жизни. В эпизодах, выражающих столкновение темного и светлого в человеческой душе (“Ассур, Аман и Эсфирь”, 1660, ГМИИ, Москва; “Падение Амана” или “Давид и Урия”, 1665, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург), насыщенная тёплая гамма, гибкая пастозная манера письма, напряженная игра тени и света, сложная фактура красочной поверхности служат раскрытию сложных коллизий и душевных переживаний, утверждению торжества добра над злом.

Суровым драматизмом и героикой проникнута историческая картина “Заговор Юлия Цивилиса” (“Заговор батавов”, 1661, сохранился фрагмент, Национальный музей, Стокгольм). В последний год жизни Рембрандт создал свой главный шедевр — монументальное полотно “Возвращение блудного сына” (около 1668-1669, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург), воплотившее всю художественную и морально-этическую проблематику позднего творчества художника. С поразительным мастерством он воссоздает в нем целую гамму сложных и глубоких человеческих чувств, подчиняет художественные средства раскрытию красоты человеческого понимания, сострадания и прощения. Кульминационный момент перехода от напряжения чувств к разрешению страстей воплощен в скульптурно выразительных позах, скупых жестах, в эмоциональном строе колорита, ярко вспыхивающего в центре картины и гаснущего в затененном пространстве фона. Великий голландский живописец, рисовальщик и офортист Рембрандт ван Рейн скончался 4 октября 1669 года в Амстердаме. Влияние искусства Рембрандта было громадным. Оно сказалось на творчестве не только его непосредственных учеников, из которых ближе всех подошел к пониманию учителя Карел Фабрициус, но и на искусстве каждого более или менее значительного голландского художника. Глубочайшее воздействие оказало искусство Рембрандта на развитие всего мирового реалистического искусства впоследствии.

Автопортрет Рембрандта, 1661. Холст, масло, 114х91.

Кенвуд Хаус, Лондон, Английское наследие.
Иллюстрация с сайта http://rembr.ru/

Рембрандт, Харменс ван Рейн (Rembrandt,
Harmenz van Rijn) (1606–1669), голландский живописец, рисовальщик и
офортист, один из величайших мастеров западноевропейского искусства. Родился
в Лейдене 15 июля 1606 в семье зажиточного мельника. В 1620 поступил в
Лейденский университет, однако пробыл там недолго и вскоре стал учеником
местного художника Якоба Исаакса Сваненбюрха. Около 1623 переехал в
Амстердам, где поступил в мастерскую Яна Пейнаса, учился у мастера
исторической живописи Питера Ластмана. Последний познакомил Рембрандта с
произведениями мастеров итальянского искусства. С 1625 по 1631 Рембрандт
держал собственную мастерскую в Лейдене, иногда работал вместе с живописцем
и гравером Яном Ливенсом. Из учеников Рембрандта наиболее известен Герард
Доу.

В 1631 или в конце 1632 Рембрандт вернулся в Амстердам. 22 июня 1635
женился на Саскии ван Эйленбюрх, дочери состоятельного бургомистра
Лейвардена. В 1642 успех в творчестве и личной жизни сменился чередой
несчастий. В конце 1630-х годов у него один за другим родились четыре
ребенка, но все умерли еще в младенчестве, а затем 14 июня 1642 внезапно
умерла и любимая жена. Художник остался с годовалым сыном Титусом. Картина
Ночной дозор (1642, Амстердам, Рейксмузеум), законченная вскоре после смерти
Саскии, отмечает начало его новых творческих поисков.

В конце 1640-х годов Хендрикье Стоффельс стала неофициальной женой
Рембрандта (по завещанию Саскии он не мог жениться во второй раз). В 1654 у
них родилась дочь Корнелия. Однако теперь художника преследовали финансовые
трудности. В июле 1656 он был вынужден заявить о своем банкротстве, и в
последующие два года его замечательная коллекция была распродана. Желая
помочь Рембрандту, в конце 1658 Титус и Хендрикье стали заниматься торговлей
картинами.

Последние годы жизни художника были омрачены смертью близких. 24 июля
1663 умерла Хендрикье. Титус женился в феврале 1668, а через полгода умер.
Теперь Рембрандт остался один с юной Корнелией. Умер Рембрандт 4 октября
1669.

Рембрандт создал около 600 картин, почти 300 офортов и более 1400
рисунков. Ниже предлагается хронологический обзор его творчества.

Ранний период творчества Рембрандта следует рассматривать в контексте
влияния итальянского искусства на голландскую живопись. Из итальянских
мастеров голландцев особенно привлекал Караваджо, в произведениях которого
смелый натурализм и контрастная свето-теневая моделировка казались вызовом
классическому искусству. Такие художники, как Герард Тербрюгген и учитель
Рембрандта Питер Ластман работали в стилистике Караваджо, постепенно вводя
караваджизм в арсенал художественных средств голландской живописи. Картины
Рембрандта лейденского периода (1625–1631) тоже принадлежат этому течению. В
картинах Меняла (1627, Берлин) и Ученый в своем кабинете (1629, Лондон,
Национальная галерея) проявился интерес мастера к передаче эффектов
освещения. На первой из них изображен старик в очках за работой, в углу,
заваленном счетными книгами. Его морщинистое лицо освещено тусклым светом
единственной свечи, которую он прикрывает рукой. Во второй картине Рембрандт
стремился передать атмосферу наполненного воздухом интерьера. Главным
предметом изображения является сама комната с высоким потолком, залитая
мягким трепещущим светом.

На протяжении всего своего творческого пути художник обращался к сюжетам,
в которых глубокая жизненная драма сочетается с элементами тонкого
психологизма. В картине Ужин в Эммаусе (ок. 1630, Париж, музей Жакмар-Андре)
видны особенности живописи Рембрандта этого периода. Рембрандт представил
этот эпизод как театральную мизансцену. Силуэт Христа выделяется на фоне
ослепительного света, бльшая часть холста погружена в тень.

Переезд в Амстердам и последовавшие за ним большие художественные успехи
открывают новый период в творчестве Рембрандта; это десятилетие, в течение
которого были созданы произведения, проникнутые драматизмом и в то же время
не лишенные материальной чувственности, отчасти родственные по духу работам
фламандца Питера Пауля Рубенса. Первый крупный заказ, полученный Рембрандтом
в Амстердаме, – картина Анатомия доктора Тюльпа (1632, Гаага, Маурицхёйс).
Она представляет собой изображение известного амстердамского врача и его
коллег по городской гильдии хирургов.

Среди картин на исторические сюжеты, выполненных Рембрандтом в 1630-е
годы, особенно драматичным представляется Ослепление Самсона (1636,
Франкфурт-на-Майне, Штеделевский художественный институт). Отблески света,
динамичные диагонали и яркие цвета использованы для того, чтобы усилить
напряженность сюжета; картина наполнена резким стремительным движением.

Гедонизм и техническая виртуозность, характеризующие живопись Рембрандта
этих лет, возможно, нашли наиболее яркое воплощение в Автопортрете с Саскией
(ок. 1635, Дрезден, Картинная галерея). Здесь художник изобразил себя в
романтическом костюме кавалера; одной рукой он поднимает бокал пива, а
другой обнимает Саскию, сидящую у него на коленях. Яркость красок и свобода
мазка полностью соответствуют настроению сцены.

Автопортрет с Саскией на коленях. 1635 г.

К началу 1640-х годов жизнь и художественная деятельность Рембрандта
приобрели стабильность и размеренность. На Автопортрете 1640 (Лондон,
Национальная галерея), созданном под влиянием работ Рафаэля и Тициана
изображен уверенный в себе, рассудительный человек, одетый в соответствии с
итальянской модой 16 в., облокотившийся о балюстраду; его плечи слегка
повернуты, взгляд обращен на зрителя.

Одна из самых известных картин этого периода – Ночной дозор (1642,
Амстердам, Рейксмузеум). Настоящее название работы – Рота капитана Франса
Баннинга Кока и лейтенанта Виллема ван Рейтенбурга. Она была написана по
случаю посещения Амстердама французской королевой Марией Медичи и
устроенного по этому поводу торжественного выхода войск городской милиции.
Преобладающий в картине темный фон позволяет лучше выделить фигуры
персонажей. Именно поэтому в 18 в. картина была ошибочно названа Ночной
дозор. Как и Анатомия доктора Тюльпа, эта картина выходит за рамки
традиционного группового портрета. На ней изображено 29 персонажей, из
которых 16 – реальные исторические лица; их движения и расположение на
картине подчинены единому общему действию, развивающемуся на глазах у
зрителя. Древки, знамена и мушкеты торчат в разные стороны, делая композицию
более свободной и динамичной; ощущение усиливается игрой света и тени.

Ночной дозор. 1642 г.

В 1640-е годы религиозная живопись Рембрандта становится менее
риторичной, в ней появляются смирение и глубокая внутренняя сила,
характерные для позднего творчества мастера. С эпохи Ренессанса события
Священного Писания интерпретировались обычно в героическом ключе, а их
персонажи наделялись физической красотой. Вдение Рембрандта резко отличалось
от этой концепции; Христос в его работах кажется смиренным и кротким,
униженным и незаметным среди людей.

Лист в сто гульденов, гравюра, получившая свое название из-за цены, по
которой она была продана на одном из первых аукционов, посвящена теме
христианского смирения. Фигура Христа не выделяется из толпы ни одеждами, ни
особым положением, но внимание зрителя оказывается обращенным к центру
композиции – лику Спасителя с исходящими от него тончайшими лучами
божественного света. По левую руку от Него – сломленные немощью духа и
плоти, богатые и бедные, объединенные страданиями. Справа изображены
фарисеи, неверующие и погруженные в бесконечные споры. К ногам Христа
припадают маленькие дети. В гравюре Лист в сто гульденов при отсутствии
видимого действия Рембрандту прекрасно удалось передать чудо Божественного
присутствия в мире людей.

С начала 1650-х годов портреты Рембрандта становятся глубоко личностными,
композиции – строгими и геометричными в построении, а цветовая гамма –
огромным спектром оттенков трех или четырех цветов. Искусство Рембрандта не
отражает более художественных пристрастий публики; художника занимает теперь
исследование свойств техники масляной живописи. Мироощущение мастера,
воплощенное в его поздних произведениях, столь высоко ценимых ныне, осталось
непонятным для его современников.

Рембрант. «Даная». 1636.

Картина Человек в позолоченном шлеме (1651, Берлин – Далем) работы
мастерской Рембрандта демонстрирует характерные черты позднего стиля
мастера. Лицо седого воина погружено в глубокую мягкую тень, а отблески
света на шлеме переданы свободными широкими густыми мазками. Для Рембрандта
необычный сюжет иногда мог стать поводом для смелых художественных
экспериментов. Примером здесь может служить картина Освежеванная бычья туша
(1655, Париж, Лувр). Кисть возвращает жизнь мертвой плоти и красоту
безобразию. Рембрандт всегда избегал классицистической идеализации в
изображении человеческого тела. На картине Вирсавия (1654, Париж, Лувр)
женщина, которую царь Давид увидел купающейся и полюбил за необыкновенную
красоту, изображена не в момент купания, столь часто избиравшийся
художниками для рассказа этой истории, и вовсе не красивой. Она погружена в
глубокие раздумья и как будто провидит смерть мужа.

В своем позднем творчестве Рембрандт все чаще обращается к интерпретации
событий христианской истории. Картина Снятие с креста (ок. 1655, Вашингтон,
Национальная галерея) посвящена не только смерти Христа, но и скорби
оплакивающих Его.

Одно из самых известных произведений религиозной живописи Рембрандта
этого периода – картина Отречение Петра (ок. 1660, Амстердам, Рейксмузеум).
В центре изображена обращающаяся к Петру молодая служанка, а он жестом
отведенной в сторону руки подтверждает свои слова об отречении от Христа.
Пространство переднего плана освещено единственной свечой, которую служанка
заслоняет рукой, – прием, который был очень популярен среди караваджистов в
начале столетия. Мягкий свет свечи моделирует формы фигур и предметов,
расположенных на переднем плане. Они написаны легкими мазками, в
коричневато-желтоватой цветовой гамме с несколькими красными акцентами.
Иногда формы как будто растворяются в свете или наполняются им, как
загораживающая свечу рука служанки. На лице Петра лежит глубокая печаль.
Здесь, как и в поздних портретах и автопортретах художника, Рембрандт с
непревзойденным мастерством изображает старость, с ее накопленной с годами
мудростью, немощью плоти и стойкостью духа.

Глубоко личностными становятся с годами и портреты Рембрандта. В портрете
поэта Яна Сикса (1654, Амстердам, коллекция семьи Сикс) портретируемый
изображен в едва заметном ракурсе снизу вверх; за исключением тонко
моделированного лица, портрет написан быстро и свободно, широкими мазками. В
цветовой гамме доминируют сверкающий красный цвет плаща и золото пуговиц
костюма, контрастирующие с различными оттенками зеленого и серого.

В портрете Хендрикье Стоффельс (ок. 1656, Берлин – Далем) фигура вписана
в раму оконного проема и из-за выбранного художником крупного масштаба
кажется стоящей совсем близко к картинной плоскости. Взгляд Хендрикье
обращен к зрителю, ее поза свободна, голова наклонена в сторону, а руки
лежат очень естественно. Цветовую гамму картины составляет сочетание
золотистых, белых, красных и черных тонов.

Один из лучших групповых портретов Рембрандта – Синдики (1661–1662,
Амстердам, Рейксмузеум). Заказчиками портрета были представители
амстердамского цеха суконщиков (синдики). Они изображены вокруг стола с
лежащей на нем счетной книгой. Художник делает зрителя участником
происходящего в картине. Кажется, что мы только что прервали синдиков,
занятых своими подсчетами, и поэтому все они, как будто оторвавшись на миг
от своей работы, смотрят на зрителя. В картине преобладают прямые линии, но
разворот стола и сложная игра света смягчают строгость композиции. Пятна
света разбросаны по всему холсту, оживляя его живописную поверхность. Эта
картина замечательна и как психологический этюд, цель которого – изобразить
людей с разными характерами, и как исторический документ.

Около 1661 Рембрандту была заказана одна из восьми исторических картин,
которыми предполагалось украсить амстердамскую ратушу. Огромное полотно
(первоначальные размеры 5ґ5 м) Заговор Юлия Цивилиса, согласно различным
версиям, или так и не было вывешено в ратуше, или занимало отведенное для
него место не более двух лет, и затем было заменено картиной Овенса на тот
же сюжет. Сохранился лишь фрагмент этой работы Рембрандта, который находится
в Национальном музее в Стокгольме. Рембрандт изобразил событие, описанное в
Анналах римского историка Тацита (1 в.): вожди племени батавов клянутся на
мече бороться за освобождение от римского владычества. О масштабе этого
произведения в его первоначальном виде можно судить по композиционному
наброску, находящемуся в Мюнхене. В нем видно, что сначала стол и
собравшиеся вокруг него люди были показаны в пространстве огромного зала,
глубина которого передавалась посредством игры света и тени.

В 17 в. рисунок обычно служил в качестве предварительного наброска для
разработки большой композиции, этюда отдельных деталей будущей картины или
наносился на картон, а затем переводился на поверхность, предназначенную для
росписи. Очень редко рисунок мыслился как законченное произведение
искусства; часто после выполнения проекта рисунки выбрасывали. Каждый
рисунок Рембрандта – исследование природы явлений и попытка уловить характер
момента или предмета. Когда художник делал зарисовки с произведений старых
мастеров, он создавал не копии, а вариации на ту же тему, решая при этом
собственные художественные задачи. В 1630–1640-е годы он рисовал, сочетая
линии разной толщины с тончайшей отмывкой. Иногда его рисунки кажутся
быстрыми набросками, где нервная линия почти нигде не остается непрерывной.

Рембрандт первым осознал богатые возможности офорта по сравнению с
резцовой гравюрой на металле. Такая гравюра создается путем процарапывания
рисунка на металлической пластине; затем пластина покрывается краской,
заполняющей оставленные резцом углубления, и с нее печатают оттиски на
бумаге при помощи пресса. Резец требует сильного нажатия и большой
осторожности. Работа над офортом, напротив, не требует большой физической
силы, а линии получаются более свободными и гибкими. Вместо того чтобы
процарапывать металл резцом, художник покрывает пластину кислотоустойчивым
лаком и рисует по нему иглой, затем погружает пластину в кислоту, и металл
протравливается в свободных от лака местах. Офорт предоставляет художнику
гораздо больше свободы, и он может рисовать иглой, как пером на бумаге. В
офортах Рембрандта линии так же свободны и подвижны, как и в набросках
пером. Для достижения новых выразительных эффектов он часто сочетал разные
техники: иногда проходил резцом по уже протравленной кислотой доске, иногда
гравировал «сухой иглой» – инструментом с алмазом на конце, который
оставляет на металле бороздки с зазубринками, придающими мягкость и
бархатистость штриху на отпечатке. Например, в Листе в сто гульденов
художник использовал все эти техники (работа над этой доской продолжалась
несколько лет).

Лист Благовестие пастухам (1634) – настоящее барочное театрализованное
действо. Рисунок выполнен густо положенными перекрещивающимися штрихами,
которые создают контрасты светлых и темных тонов. Пятью годами позже в
Успении Богоматери господство густо заштрихованных темных зон сменилось
преобладанием светлых участков и тонкой параллельной штриховки. В офорте Три
дерева (1643) контраст густо заштрихованных фрагментов изображения и белой
бумаги доведен до предела; наклонные параллельные линии на фоне неба
прекрасно передают ощущение летней грозы. Самым драматичным из офортов
Рембрандта является лист Три креста (ок. 1650).

Возвращение блудного сына. 1669 г.

Использованы материалы энциклопедии «Мир вокруг нас».

Литература:

Ровинский Д. Полное собрание гравюр Рембрандта, т. 1–4. СПб, 1890

Рембрандт. Художественная культура Западной Европы XVII в. СПб, М., 1970

Егорова К.С. Рембрандт Гарменс ван Рейн. Картины художника в музеях
Советского Союза [Альбом]. Л., 1971

Егорова К.С. Портрет в творчестве Рембрандта. М., 1975

Далее читайте:

Ирина Ненарокомова. Рембрандт
.
(Детская Роман-газета).

Художники

(биографический справочник).

Подробнее читайте в Сети:

Сайт http://rembr.ru/


— о голландском художнике Рембрандте Ван Рейне. Галерея картин,
биография художника, книги и исследования о жизни Рембрандта.

В истории Западной Европы 17-е столетие принято называть «золотым веком Нидерландов». Действительно, в этот период молодое государство, имеющее превосходное с географической точки зрения расположение, переживало эпоху небывалого расцвета в экономическом и культурном смысле.

Если говорить именно о культуре Нидерландов 17-го столетия, на ум сразу приходит ещё один золотой век, который касается живописи. Дело в том, что по необычному совпадению экономические успехи и взлёты Голландии осуществлялись в одно и то же время с рождением и созданием невероятных, революционных по технике рисования шедевров.

В это столетие жили многие мастера живописи, которые повлияли на мировое изобразительное искусство и внесли в него ощутимый вклад – Геркулес Сегерс, Франц Хальс, Мейндерт Хоббема, Якоб ван Рейсдаль, и, естественно, Рембрандт Харменс ван Рейн (более известен под именем Рембрандт).

Рембрандт, великолепный портретист, творчество которого перевернуло представления людей о таком направлении в живописи как реализм, совсем не был обласкан жизнью.

Хотя начинал он свою карьеру при весьма хороших обстоятельствах, получая заслуженное признание после первых работ, удары судьбы в виде потерь самых близких людей во второй половине его жизни буквально сломили мастера. Рембрандт
заслужил признание своего таланта ещё в молодости, которое сочеталось с очень серьёзными гонорарами за работы, которые мастер писал на заказ. Счастливый брак с девушкой из знатной семьи упрочил его положение в обществе, а рождение сына Титуса стало самым радостным событием в жизни для мастера.

Однако никто настолько не зависим от вкусов и предпочтений богатых людей, как наёмные художники, и когда вкусы эти пошли вразрез с предпочтениями самого Рембрандта, он начал стремительно беднеть. Вскоре после этого умирает жена мастера, и убитый горем художник вместе с сыном перемещается из роскошного поместья в дешёвую съёмную квартиру. Но в новой квартире Рембрандт завязывает отношения со своей молодой служанкой, которая и становится его последней спутницей – художник был очень преданным человеком и ценил семью.

Поэтому две смерти подряд –любимой женщины и сына Титуса окончательно подкашивают Рембрандта. После этих ударов ему уже не суждено оправиться, и он умирает буквально через несколько месяцев после трагедий, в 1669 году. Однако наследие Рембрандта бесценно и бессмертно – человечество осознало это через двести лет после его кончины.

Большинство картин мастера сегодня хранится в Рейксмюзеуме (Амстердам), государственном музее Нидерландов, несколько картин хранится в Эрмитаже (Санкт-Петербург).

Имя Рембрандта носит крупнейшая площадь Амстердама, а также один из кратеров на поверхности планеты Меркурий, который является одним из самых глубоких в солнечной системе.

Одна из первых картин Рембрандта, художник завершил работу над ней в 26 лет, вскоре после переезда в Амстердам. Картина произвела настоящий фурор, а на молодого Рембрандта сразу после её представления посыпались многочисленные заказы от состоятельных ценителей искусства. «Урок анатомии» определяется как представитель жанра «групповой портрет». Картины этого направления писались и до Рембрандта, однако мастер использовал несколько инновационных идей, которые позже были признаны революцией жанра.

Люди, изображенные на картине, не расположены прямыми рядами, а собраны в форме полумесяца, окружая хирургический стол (если представить вид сверху). С позиции же зрителя герои картины сгруппированы в форме пирамиды, что также является инновацией жанра. Такое построение композиции позволило Рембрандту передать неподдельный интерес, который испытывают наблюдатели вскрытия – они все стараются максимально удобную позицию, чтобы рассмотреть всё в деталях, наклоняются вперёд и подсаживаются повыше, чтобы не пропустить ничего. Обратите внимание на великолепную работу с тенью – неподвижный свет падает на труп и показывает его мертвенную бледность, а жизнь, которая буквально бурлит вокруг хирургического стола, покрывается мягкими, невероятно реалистичными тенями.

Пик финансовой состоятельности в жизни Рембрандта пришёлся на 1642 год – именно тогда была завершена самая монументальная работа художника — четырёхметровое полотно картины « Ночной дозор». При рассмотрении картины можно также отметить ряд новаторских находок художника, пожалуй, самой главной из которых является изображение действия в динамике.

Дело в том, что до Рембрандта групповые портреты всегда изображали людей в статичных позах – обычно все герои сидели или стояли, причём их взгляды были направлены в сторону зрителя. Здесь же дозорные представлены в движении, картина представляет собой фотографичный « слепок момента» — знаменосец разворачивает полотнище флага, удерживая на нём взгляд, барабанщик выбивает боевую дробь, чем сильно раздражает уличную собаку, которая яростно лает и находится в агрессивной позе.

Резкая игра света и тени, которая смотрится невероятно реалистично (во многом благодаря удачному выбору композиции – стрелки выходят из тёмного двора на освещённое открытое пространство) также является нововведением Рембрандта. Следует отметить, что такой резкая игра света и тени очень характерна для импрессионизма, а мастер жил за два столетия до расцвета этого жанра.

Одна из последних работ великого мастера. В зрелых годах и старости Рембрандта стали увлекать сюжеты, повествующие о человеческих отношениях и переживаниях. Сама картина написана на сюжет притчи из Нового Завета, рассказывающей о милосердном отце, который радушно и трепетно принимает распутного сына, вернувшегося из далеких стран и перетерпевшего много несчастий и лишений.

В соответствии с законом золотого сечения основные герои картины смещены в сторону относительно центра и сразу приковывают внимание зрителя, поскольку выделяются не только расположением, но и освещением. Картина поражает зрителя своей невероятной человечностью и реалистичностью, внимательностью художника к каждой детали. Если хорошенько присмотреться, можно понять задумку мастера, даже будучи незнакомым с библейской историей. Бритая голова блудного сына показывает вероятное каторжное прошлое, туфли протёрты до огромных дыр, а богато расшитый краешек воротника показывает почти полностью растворившуюся в бедах и скитаниях принадлежность к знатному роду. Вся картина выдержана в особых красно-коричневых тонах с элементами золотых оттенков, от неё одновременно веет роскошью и трогательным родительским милосердием.

Кроме отца и сына на картине присутствуют ещё четыре человека, причём с двумя фигурами, расположенными по правому краю, связано немало интересных предположений и легенд. Формально мужчина в красной накидке справа приходится старшим братом раскаявшемуся сыну, но многие исследователи живописи предполагают, что на самом деле он сам и сидящий человек в чёрной шляпе – это те же отец и сын, только годами ранее, до впадения сына в распутство. Существуют также версии о том, что мужчина в красной накидке – Вечный Жид (евангельский персонаж, отказавший привязанному к кресту Спасителю в просьбе облокотиться на его дом по дороге на Голгофу и наказанный за это вечным скитанием до самого второго пришествия). Ещё одна интересная догадка – в этом мужчине Рембрандт изобразил самого себя.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn

Крупнейший представитель золотого века, художник, гравёр, великий мастер светотени – и все это в одном имени Рембрандт.

Родился Рембрандт 15 июля 1606 году в Лейдене. Этот великий голландский художник сумел воплотить в своих произведениях весь спектр человеческих переживаний с такой эмоциональной насыщенностью, которой до него не знало изобразительное искусство.

Ж
изнь

Он вырос в многодетной семье состоятельного владельца мельницы Хармена Герритсзона ван Рейна. Помимо прочего в имуществе ванн Рейна было еще два дома, а также он получил значительное приданое от жены Корнелии Нелтье. Мать будущего художника была дочерью пекаря и разбиралась в кулинарии, Семья матери даже после Нидерландской революции сохраняла верность католическому вероисповеданию.

В Лейдене Рембрандт посещал латинскую школу при университете, но не любил точные науки, наибольший интерес проявлял к живописи. Понимая этот факт, его родители в 13 лет отдали Рембрандта учиться изобразительному искусству к лейденскому историческому живописцу Якобу ван Сваненбюрху, который был католиком. Разнообразные по жанру и тематике произведения Рембрандта проникнуты идеями нравственности, духовной красоты и достоинства обычного человека, пониманием непостижимой сложности его внутреннего мира, многогранности его интеллектуального богатства, глубины его душевных переживаний. Про Якоба до нас дошло очень мало информации, по этому и историки и искусствоведы не могут точно сказать о влиянии Сваненберха на творческой манеры Рембрандта.

Потом в 1623 году он учился в Амстердаме у модного тогда живописца Питера Ластмана, после чего, вернувшись в Лейден, открыл в 1625 году совместно со своим земляком Яном Ливенсом собственную мастерскую.

Питера Ластман прошел стажировку в Италии и был специализирован на исторических, мифологических и библейских сюжетах. Когда Рембрандт открыл мастерскую и начал набирать учеников, за короткое время он стал значительно известен. Если смотреть на первые работы художника, сразу можно понять, что стиль Ластмана – пристрастие к пестроте и мелочности исполнения, оказало огромное влияние на молодого художника. К примеру его работы «Побиении камнями св. Стефана» (1629), «Сцене из древней истории» (1626) и «Крещении евнуха» (1626), очень яркие, необычайно красочны, Рембрандт стремится тщательно выписать каждую деталь материального мира. Почти все герои предстают перед зрителем наряженными в причудливые восточные наряды, блистают драгоценностями, что создаёт атмосферу мажорности, парадности, праздничности

В 1628 году двадцатидвухлетний художник был признан «в высшей степени знаменитым» мастером, известным портретистом.

Картина «Иуда возвращает серебряники» (1629) – вызвала восторженный отзыв известного знатока живописи Константина Гюйгенса, секретаря штатгальтера Фредерика Хендрика Оранского: «…это дрожащее жалким трепетом тело — вот, что я предпочитаю хорошему вкусу всех времен».

Благодаря связям Константина Рембрандт вскоре обзаводится богатыми почитателями искусства: из-за посредничества Хейгенса принц Оранский заказывает у художника несколько религиозных работ, таких как «Христос перед Пилатом» (1636).

Настоящий успех к художнику приходит в Амстердаме. 8 июня 1633 года Рембрандт знакомится с дочерью богатого бюргера Саскией ван Эйленбюрх и завоевывает прочное положение в обществе. Большинство полотен художник написал, находясь в столице Нидерландов.

Амстердамом — шумным портовым и промышленным городом, в который стекались товары и диковинки со всего света, где люди богатели на торговых и банковских сделках, куда устремлялись в поисках пристанища изгои феодальной Европы и где благополучие зажиточных бюргеров соседствовало с удручающей нищетой, связывает прочные связи с художником.

Амстердамский период творчества Рембрандта начался с ошеломляющего успеха, который ему принес «Урок анатомии доктора Тульпа» (1632, Гаага, Маурицхейс), изменивший традицию голландского группового портрета. Привычной демонстрации позирующих художнику людей общей профессии Рембрандт противопоставил драматургию вольно решенной сцены, участники которой — члены гильдии хирургов, внимающие своему коллеге, объединены интеллектуально и духовно активным включением в процесс научного исследования.

Рембрандт вдохновлен красотой своей возлюбленной, поэтому часто пишет ее портреты. Спустя три дня после свадьбы ван Рейн изобразил женщину серебряным карандашом в шляпе с широкими полями. Саския появлялась на картинах нидерландца в уютной домашней обстановке. Образ этой пухлощекой женщины появляется на многих полотнах, например, загадочная девочка на картине «Ночной дозор» сильно напоминает возлюбленную художника.

Тридцатые годы в жизни Рембрандта были периодом славы, богатства и семейного счастья. Он получал множество заказов, был окружен учениками, страстно увлекся коллекционированием произведений итальянских, фламандских и голландских живописцев, античной скульптуры, минералов, морских растений, старинного оружия, предметов восточного искусства; в работе над картинами экспонаты коллекции нередко служили художнику в качестве реквизита.

Произведения Рембрандта этого периода чрезвычайно разнообразны; они свидетельствуют о неустанном, подчас мучительном поиске художественного осмысления духовной и социальной сущности человека и природы и демонстрируют тенденции, которые неотступно, шаг за шагом подводят художника к конфликту с обществом.

В портретах «для себя» и автопортретах художник свободно экспериментирует с композицией и эффектами светотени, меняет тональность цветовой гаммы, облачает свои модели в фантастические или экзотические одежды, варьирует позы, жесты, аксессуары (“Флора”, 1634, Санкт-Петербург, Государственный Эрмитаж).

В 1635 году написана знаменитая картина по библейскому сюжету «Жертвоприношение Авраама», которую по достоинству оценили в светском обществе.

В 1642 году ван Рейн получил заказ от Стрелкового общества на групповой портрет, чтобы украсить полотном новое здание. Картина ошибочно получила название «Ночной дозор». Она была запачкана сажей, и только в 17 веке исследователи пришли к выводу, что действие, разворачивающееся на полотне, происходит в дневное время.

Рембрандт досконально изобразил каждую деталь мушкетеров, находящихся в движении: будто бы в определенный момент остановилось время, когда ополченцы выходили из темного дворика, чтобы ван Рейн запечатлел их на полотне.

Заказчикам не понравилось, что нидерландский живописец отошел от канонов, которые развивались в 17 веке. Тогда групповые портреты были парадными, а участники изображались анфас без какой-либо статики.

По мнению ученых, эта картина и послужила поводом для банкротства художника в 1653 году, так как отпугнула потенциальных клиентов.

Трагические перемены в личной судьбе Рембрандта (смерть новорожденных детей, матери, в 1642 году — болезнь и смерть Саскии, оставившей ему девятимесячного сына Титуса), ухудшение материального положения из-за его упорного нежелания жертвовать свободой духа и творчества в угоду изменчивым вкусам бюргеров, обострили и обнажили исподволь зревший конфликт между художником и обществом.

Сведений о частной жизни Рембрандта в 1640-е гг. в документах сохранилось мало. Из учеников этого периода известен только Николас Мас из Дордрехта. Видимо, художник продолжал жить на широкую ногу, как прежде. Семейство покойной Саскии высказывало озабоченность тем, как он распорядился её приданым. Няня Титуса, Гертье Диркс, подала на него в суд за нарушение обещания жениться; ради улаживания этого инцидента художнику пришлось раскошелиться.

В конце 1640-х Рембрандт сошёлся со своей молодой служанкой Хендрикье Стоффелс, образ которой мелькает во многих портретных работах этого периода: («Флора» (1654), «Купающаяся женщина» (1654), «Хендрикье у окна» (1655)). Приходской совет осудил Хендрикье за «греховное сожительство», когда в 1654 году у неё с художником родилась дочь Корнелия. В эти годы Рембрандт отходит от тем, имеющих грандиозное национальное либо общечеловеческое звучание.

Художник подолгу работает над гравированными портретами бургомистра Яна Сикса (1647) и других влиятельных бюргеров. Все известные ему приёмы и техники гравировки пошли в ход при изготовлении тщательно проработанного офорта «Христос, исцеляющий больных», более известного как «Лист в сто гульденов», — именно за такую огромную для 17-ого века цену он был однажды продан. Над этим офортом, поражающим тонкостью светотеневой игры, он работал семь лет, с 1643 по 1649 годы.

В 1653 году, испытывая материальные трудности, художник передал почти всё своё имущество сыну Титусу, после чего заявил в 1656 г. о банкротстве. После распродажи в 1657-58 гг. дома и имущества (сохранился интересный каталог художественного собрания Рембрандта) художник перебрался на окраину Амстердама, в еврейский квартал, где провёл остаток жизни.

Смерть Титуса в 1668 году стала для художника одним из последних ударов судьбы; его самого не стало годом позже.

Рембрандт Харменс ван Рейн умер в октябре 1669 году. Ему было 63 года. Он был стар, болен и нищ. Нотариусу не пришлось тратить много времени на составление описи имущества художника. Опись была краткой: “три поношенных фуфайки, восемь носовых платков, десять беретов, принадлежности для написания картин, одна Библия”.

К
артины

Возвращение блудного сына

Знаменитая картина «Возвращение блудного сына», одна из последних работ Рембрандта. Она была написана в год его смерти, и стала вершиной проявления его таланта.

Это самое большое полотно Рембрандта на религиозную тему. Картина Рембрандта на сюжет новозаветной притчи о блудном сыне.

Притчу о блудном сыне мы встречаем в Евангелие от Луки. Она рассказывает о юноше, покинувшем отцовский дом и промотавшем наследство. В праздности, распутстве и пьянстве проводил он свои дни, пока не оказался на скотном дворе, где питался из одного корыта со свиньями. Находясь в отчаянном положении и полной нищете, юноша возвращается к отцу, готовый стать его последним рабом. Но вместо презрения он находит царский прием, вместо гнева – всепрощающую, глубокую и нежную отцовскую любовь.

1669 год. Рембрандт разыгрывает перед зрителем человеческую драму. Краски лежат на холсте густыми мазками. Они темные. Художнику неважны второстепенные персонажи, пусть их и не мало. Внимание вновь приковано к отцу и сыну. Старый, сгорбленный горем отец, обращен к зрителю лицом. В этом лице и боль, и усталые от выплаканных слез глаза, и счастье долгожданной встречи. Сын повёрнут к нам спиной. Он уткнулся по младенчески в царское одеяние отца. Мы не знаем, что выражает его лицо. Но растрескавшиеся пятки, голый череп бродяги, бедное одеяние говорят достаточно. Как и руки отца, сжимающие плечи юноши. Через спокойствие этих рук, прощающих и поддерживающих, Рембрандт уже в последний раз рассказывает миру вселенскую притчу о богатстве, страстях и пороках, раскаянии и прощении. «…встану, пойду к отцу моему и скажу ему: отче! я согрешил против неба и пред тобою и уже недостоин называться сыном твоим; прими меня в число наемников твоих. Встал и пошел к отцу своему. И когда он был еще далеко, увидел его отец его и сжалился; и, побежав, пал ему на шею и целовал его».

Помимо отца и сына на картине изображены ещё 4 персонажа. Это тёмные силуэты, которые с трудом различимы на тёмном фоне, но кто они такие — остаётся загадкой. Некоторые называли их «братьями и сёстрами» главного героя. Характерно, что Рембрандт избегает конфликта: в притче говорится о ревности послушного сына, а гармония картины ничем не нарушена.

Ван Гог очень точно сказал о Рембрандте: «Надо умереть несколько раз, дабы так рисовать… Рембрандт проникает в тайну так глубоко, что вещает о предметах, для которых нет слов ни в каком языке. Вот почему Рембрандта и называют: волшебником. И это не простое ремесло.”

Ночной дозор

Название, под которым традиционно известен групповой портрет Рембрандта «Выступление стрелковой роты капитана Франса Баннинга Кока и лейтенанта Виллема ван Рёйтенбюрга», написанный в 1642 году.

Полотно голландского мастера таит в себе множество «сюрпризов». Начнем с того, что привычное нам название картины не соответствует действительности: патруль, изображенный на ней, на самом деле вовсе не ночной, а самый что ни на есть дневной. Просто работу Рембрандта несколько раз покрывали лаком, из-за чего она сильно потемнела. Кроме того, почти 100 лет (с начала XVIII до начала XIX века) полотно украшало один из залов амстердамской ратуши, где висело прямо напротив камина, год за годом покрываясь копотью. Неудивительно, что уже к началу XIX века за картиной прочно утвердилось название «Ночной дозор»: к этому времени история ее создания была основательно забыта, и все были уверены, что мастер изобразил именно темное время суток. Только в 1947 году, во время реставрации в Рейксмузеуме Амстердама, где картина находится по сей день, выяснилось, что ее колорит несравненно светлее, чем принято было считать. Более того, короткие тени, отбрасываемые персонажами, свидетельствуют о том, что дело происходит между полуднем и двумя часами дня. Однако реставраторы не стали снимать все слои темного лака, боясь повредить краску, поэтому и сейчас «Ночной дозор» довольно сумеречен.

Настоящее название полотна — «Выступление стрелковой роты капитана Франса Баннинга Кока и лейтенанта Вильхема ван Рейтенбурга». Это групповой портрет мушкетеров-ополченцев одного из районов Амстердама. С 1618 по 1648 год в Европе шла Тридцатилетняя война, и жители голландских городов брались за оружие, дабы защищать свои дома. Творение Рембрандта вместе с портретами других стрелковых рот должно было украсить главный зал в Кловенирсдолене — штабе городских стрелков. Но заказчики были разочарованы: у Рембрандта получился не монументальный парадный портрет, а жанровая картина, на которой они с трудом отыскивали собственные лица, зачастую наполовину закрытые другими персонажами. Еще бы! Ведь художник кроме 18 заказчиков (каждый из которых выложил за свой портрет около 100 золотых гульденов — весьма внушительную по тем временам сумму) втиснул на холст еще 16 человек! Кто они — неизвестно.

Музей – Амстердамский исторический музеи?

Три креста

Один из самых знаменитых офортов Рембрандта, имеет пять состояний. Подписано и датировано только третье, следовательно, остальные Рембрандт считал промежуточными. Пятое состояние – очень редкое, известно только пять экземпляров.

На офорте изображён драматичный момент смерти Христа на голгофском кресте, описанный в евангелиях. В этом офорте Рембрандт в небывалых до того масштабах использовал технику резца и «сухой иглы», что усилило контрастность изображения.

2 декабря 2008 года на аукционе Кристис этот офорт (IV состояние) был продан за 421250 фунтов стерлингов.

Снятие с креста

B 1814 году Александром I y императрицы Жозефины была пpиобретена принадлежавшая ей Мальмезонская гaлерея. Некоторые из картин происходили из известной Кассельской галереи, в том числе «Снятие c креста». Ранее эти полотна являлись собственностью госпожи де Рувер в Дельфте и вместе с другими картинами ее собрания были куплены ландграфом Гессен-Кассельским Лудвигом VII. B 1806 году его галерея была захвачена Наполеоном и подарена Жозефине.

Преемник ландграфа Гессен-Кассельского Лудвига VII, бывший союзник Александра I, предъявил в 1815 году императору требование o возврате захваченных Наполеоном картин. Это требовaние было решительно отвергнуто Александром I, уплатившим за картины деньги и всячески выказывавшим внимание Жозефине ее дочери Гортензии. B 1829 году y Гортензии, носившей в то время титул герцогини Сен-Лё, было куплено тридцать картин, происходивших из Мальмезонской галереи.
Темa «Снятие с креста» имела в европейском искусстве большую иконографическую традицию. Ее высшим достижением считалaсь aлтaрнaя картина Рубенса в антверпенском соборе, широко известная по гравюре Ворстермана.

Творческая мысль Рембрандта бродит где-то рядом с этой трaдицией, используя ее и в то же время постоянно выбирая иные пути. Необычные для предшествующего развития европейского искусства, они в высшей степени характерны для личной творческой манеры Рембрандта недаром « Снятие с креста» внешне так сильно напоминает «Неверие апостола Фомы ».
Рубенс изобразил возвышенную скорбь группы величественных и прекрасных людей o величественном и прекрасном герое; Рембрандт беспокойную массовyю ночную сценy. Многочисленные фигуры то отступают во тьму, то попадают в луч света, и кажется, что толпа движется, живет, горюя о распятом и жалея его мать. B облике людей нет ничего идеального, многие из них грубы, некрaсивы. Чувства их очень сильны, но это чyвства обыкновенных людей, не просветленные тем возвышенным катарсисом, который есть в картине Рубенсa.

Мертвый Христос такой же человек, как они; именно благодаря силе их горя его страдания и смерть приобретают особое значение. Ключом к содержанию картины служит, пожалуй, не столько Христос, сколько поддерживающий его и прижимающийся к нему щекой человек.
C художественной точки зрения дробная, беспокойная композиция уступает и знаменитой картине Рубенса, и некоторым работам самого Рембрандта, исполненным в те же годы. Например, менее значительное по своему содержанию «Неверие апостола Фомы» представляется внешне более гармоничными целостным. Однако в «Снятии с креста» отчетливее выступает присущее Рембрандту понимание библейско-евангельской тематики.

Работа молодого Рембрандта отличается от своего прототипа самыми основными чертами. Прежде всего она не создана ни формально, ни по существу как моленный алтарный образ. Ее кабинетный размер адресован не восприятию толпы, a индивидуальному переживанию. Это обращение к чувствам и сознанию одного человека, установление близкого душевного контакта со зрителем заставило художника создать совершенно новую систему художественных средств и приемов. Рембрандт увидел сцену евангельской легeнды как трагическое реальное событие, принципиально лишив его мистического и героического пафоса.

Стремясь к предельной искренности и правдивости изображения, Рембрандт показал около креста тесную толпу людей, потрясенных горем, ищущих родственного единства друг с другом перед лицом страшной смерти. Коричнево-оливковый тональный колорит объединил всю композицию, а световой поток выделил драматически резко главный его смысловой центр. Наибольшая глубина страдания воплощена в образе упавшей без чувств Богоматери c ее худым изможденным лицом труженицы. Вторая группа оплакивающих расположена на левом конце пространственной диагонали — женщины благоговейно стелют плащаницу, выполнял свой прямой долг по отношению к умершему. Поддерживаемое стариком поникшее тело Христа — воплощение измученной человеческой плоти — вызывает прежде всего чувство глубокого сострадания.

Еврейская невеста

Одна из последних и самых загадочных картин Рембрандта. Название ей дал в 1825 году амстердамский коллекционер Ван дер Хоп. Он ошибочно полагал, что на ней изображен отец, дарящий дочери-еврейке ожерелье на свадьбу. Возможно, это заказной портрет, но одежда персонажей явно похожа на старинную, библейскую, поэтому в качестве названия предлагались «Артаксеркс и Эсфирь», «Иаков и Рахиль», «Абрам и Сарра», «Вооз и Руфь».

Саския в образе Флоры

Картина работы Рембрандта, написанная в 1634 году, на которой, вероятно, изображена жена художника Саския ван Эйленбух в образе древнеиталийской богини цветов, расцвета, весны и полевых плодов Флоры.

В 1633 году Саския ван Эйленбюрх стала невестой Рембрандта ван Рейна. Очаровательный портрет юной Саскии в наряде Флоры является немым, но красноречивым свидетелем этой “поры весны и любви” гениального живописца.

Задумчивое, но, несомненно, счастливое лицо девушки вполне соответствует чувствам невесты. Она теперь не резвое дитя, беззаботно смотрящее на Божий мир. Перед ней серьезная задача: она избрала новый путь и многое-многое приходится ей передумать и перечувствовать, прежде чем она вступит во взрослую жизнь. Увитые цветами головной убор и жезл, безусловно, указывают на Флору, древнеримскую богиню весны. Наряд богини написан с удивительным мастерством, но подлинное величие таланта Рембрандта проявляется в выражении нежности, которое художник придал ее лицу.

Любимая жена внесла в одинокое жилище скромного художника свет счастья и сердечного довольства. Рембрандт любил наряжать Саскию в бархат, шелк и парчу, по обычаю того времени, осыпал бриллиантами и жемчугом, с любовью наблюдая, как выигрывает ее прелестное, молодое лицо от блестящего наряда

Музей – Государственный Эрмитаж

С
тиль

Глубоко гуманистическое по своей сути и совершенное в своей неповторимой художественной форме творчество Рембрандта стало одной из вершин развития человеческой цивилизации. Разнообразные по жанру и тематике произведения Рембрандта проникнуты идеями нравственности, духовной красоты и достоинства обычного человека, пониманием непостижимой сложности его внутреннего мира, многогранности его интеллектуального богатства, глубины его душевных переживаний. Таящие в себе множество нераскрытых загадок, картины, рисунки и офорты этого замечательного художника покоряют проницательными психологическими характеристиками персонажей, философским приятием действительности, убедительной оправданностью неожиданных художественных решений. Его трактовка сюжетов из Библии, античных мифов, древних преданий и прошлого родной страны как реально осмысленных событий истории человека и общества, глубоко прочувствованных жизненных коллизий конкретных людей открыла путь свободной и многозначной интерпретации традиционных образов и тем.

Л
юбовь Рембрандта

Знаменитая муза Рембрандта Саския была младшей дочерью бургомистра города Леуварден. Эта белокожая рыжая красавица выросла в большой и очень обеспеченной семье. Когда девице минуло 12 лет, мать семейства скончалась. Но девушка по-прежнему не знала ни в чем отказа, а когда подошло время, стала очень завидной невестой.

Знаковая встреча художника и юной особы состоялась в доме кузена девушки, художника Хендрике ван Эйленбурга, который к тому же был торговцем антиквариатом. Рембрандт буквально сражен девушкой: светящаяся нежная кожа, золотые волосы… Прибавьте к этому умение вести непринужденную беседу. Шутя, она предложила известному живописцу написать ее портрет. А тому только того и надо: Саския – идеальная модель для рембрандтовских сюжетов в темных и приглушенных тонах.

Рембрандт начинает писать портрет. Он встречается с Саскией не только на сеансах. Изменяя своему принципу, старается бывать на увеселительных прогулках и званых вечерах. Когда работа над портретом была закончена и частые встречи прекратились, Рембрандт понимает: вот та, на которой он хочет жениться. В 1633 году Саския ван Эйленбург стала невестой художника, а 22 июля 1634 года состоялась долгожданная свадьба.

Брак с Саскией открывает художнику путь в высшее общество. Отец-бургомистр оставил любимице колоссальное наследство: 40 000 флоринов. Даже на малую часть этой суммы можно было безбедно существовать долгие-долгие годы.

Счастливые и влюбленные супруги начали обустраивать общий дом. Скоро он стал напоминать музей. Стены украшали гравюры Микеланджело и полотна Рафаэля. Саския была на всё согласна, она очень любила мужа. А тот, в свою очередь, осыпал ее драгоценностями, оплачивал самые изысканные туалеты. И, разумеется, стремился запечатлеть любимый образ. Рембрандт, можно сказать, стал летописцем своей семейной жизни. В первые дни медового месяца супругов был написан знаменитый «Автопортрет с Саскией на коленях».

В 1635 году в семье родился первый сын, но прожил он очень недолго, и это стало для юной матери страшным ударом.

Она долго не хотела расставаться с телом сына, гнала от себя всех, не выпуская из рук мёртвого ребёнка. Несчастная мать ходила с ним по дому, баюкая и называя его всеми нежными именами, которыми она вместе с мужем называла Рембрантуса в первые счастливые дни.

Рембрандт сознавал, что за исключением часов, проводимых у мольберта, жить он может только около Саскии. Только с ней он чувствует себя человеком: любовь — источник жизни, а любит он одну Саскию, и никого больше.

После смерти Рембрантуса Саския ещё дважды теряла детей при рождении. Лишь четвёртый ребёнок, Титус, появившийся на свет в 1641 году, смог пережить трудные годы младенчества. Мальчик был назван этим именем в память покойной Тиции, сестры Саскии.

Однако постоянные роды оказали пагубное влияние на здоровье Саскии. Появление у художника чисто пейзажных изображений в конце 1630-х годов объясняют иногда тем, что в это время в связи с болезнью жены Рембрандт вместе с ней много бывал за городом. Портретов в 1640-х годах художник пишет сравнительно мало.

Саския ван Эйленбург скончалась в 1642 году. Ей было всего тридцать лет. В гробу она выглядела как живая…

В это время Рембрандт работал над знаменитым полотном «Ночной дозор».

Д
ом-музей Рембрандта

Художественный музей на улице Йоденбреестраат в Еврейском квартале Амстердама. Музей открылся в 1911 году в доме, который Рембрандт приобрёл на пике славы в 1639 году и в котором проживал до своего банкротства в 1656 году.

За почти 20 лет жизни (с 1639 по 1658 год) на улице Йоденбрестрат Рембрандт успел создать множество прекрасных работ, прославиться, собрать уникальную коллекцию картин и редкостей со всего мира, обзавестись учениками, растратить состояние первой супруги, потерять основных заказчиков, наделать огромных долгов и пустить дом с молотка.

Рембрандту пришлось также распродать большую часть своей роскошной коллекции картин и антиквариата, включающих работы великих европейских художников, римские бюсты императоров, и даже японские боевые доспехи, а также переехать в более скромное жилище. Пережив обеих жён и даже собственного сына, Рембрандт умер в бедности и одиночестве.

Спустя два с половиной столетия, в 1911 году по приказу корлевы Вильгельмины дом был превращен в музей, который, в отличие, к примеру, от музея Ван Гога — это, прежде всего, не картинная галерея, а восстановленные апартаменты великого художника: огромная кухня на первом этаже, приёмная, спальня хозяина и спальня для гостей – на втором, самое большое помещение особняка – студия – на третьем, а на чердаке — мастерские его учеников.

Восстановить интереьер удалось с помощью описи имущества, составленной нотариусом при продаже всего имущества художника с аукциона, и рисунков самого художника, на которых он отобразил своё жилище.

Здесь можно увидеть его личные вещи, мебель 17 века и другие интересные экспонаты вроде красивейшего офортного станка или заморских редкостей.

В музее выставлены почти все гравюры великого Рембрандта — 250 из 280, великолепные автопортреты художника, рисунки, изображающие его родителей, жену и сына Титуса, чудесные виды Амстердама и его окрестностей.

Особого внимания требует даже музейный туалет: там можно увидеть рисунки Рембрандта на соответствующую тему: женщину, присевшую в кустах, и мужчину, стоящего в позе, характерной для этого заведения.

   Среди многочисленных голландских художников XVII столетия, на века прославившихся своим мастерством, первое место принадлежит Рембрандту. Он велик удивительной простотой и человечностью своего искусства. Средствами живописи он сумел, как никто до него, раскрыть внутренний мир человека, его сложные душевные переживания.

   Родился Рембрандт в Лейдене в семье мельника Харменса ван Рейна. Очень рано обнаружилась у мальчика склонность к живописи. Недолго проучившись в Лейденском университете, молодой Рембрандт всецело отдался искусству.

Три года пробыл он в мастерской живописца Сваненбурга, а затем несколько месяцев у амстердамского художника Питера Ластмана. Но больше, чем у них, учился Рембрандт у самой жизни: он пытливо всматривался в окружающий мир, наблюдал за мимикой, жестами людей, изучал эффекты освещения.

Он писал жанровые и религиозные сцены, портреты близких, многочисленные автопортреты (так как собственное лицо казалось художнику удобным объектом для наблюдения и экспериментов). Рембрандт работал масляными красками, карандашом, тушью и пером, большое внимание уделял офорту.
   Урок анатомии доктора Тульпа    В 1631 г. Рембрандт переехал в Амстердам и скоро завоевал там известность. Число заказов непрерывно росло. Подобно другим голландским художникам, Рембрандт умел передать реальный мир во всей его конкретности: живо написать человеческое лицо, воспроизвести мягкие складки тканей и холодный блеск металла. Но уже в этот период он во многом превосходит собратьев по кисти не только все растущим мастерством, но и необычайной широтой и разнообразием поставленных задач.

   Автопортрет с Саскией

   Традиционная для голландского искусства тема группового портрета в картине Рембрандта «Урок анатомии доктора Тульпа» (1632) приобретает новый характер: единым чувством объединены слушатели доктора Тульпа; заинтересованные его словами, они сравнивают вскрытый труп с рисунками анатомической книги. Картина воспринимается не как тщательно продуманный по композиции портрет, а как убеждающий непосредственностью жизненный эпизод. Эта же черта присуща и «Автопортрету с Саскией» (1634), в котором Рембрандт изобразил себя со своей молодой женой. Поднимая бокал и обратившись к тем, кто смотрит на картину, он как бы предлагает разделить с ним его безмерную радость и счастье, делая зрителя невольным участником происходящей сцены.    Все больше и больше отходил Рембрандт от общего уровня и устремлений большинства голландских художников, все чаще приводил в недоумение современников смелостью и новизной своих замыслов.    Ночной дозор    Написанная им в 1642 г. большая картина, получившая впоследствии название «Ночной дозор», должна была представлять собой групповой портрет членов стрелковой гильдии. Однако Рембрандт, отказавшись от принятого в ту пору спокойного расположения фигур и равного изображения всех участников, дал сцену, полную движения. Он остановился на моменте, когда по сигналу тревоги, поспешно и беспорядочно выходят на площадь стрелки, на ходу поправляя оружие. Впереди группы торжественно выступают капитан Банинг Кок и его помощник. Неровный свет озаряет группу, усиливая впечатление подвижной толпы. В результате получился не обычный по типу групповой портрет, а полная жизненной убедительности сцена. Этого-то и не поняли заказчики, крайне недовольные тем, что одни лица видны хорошо, а другие почти скрыты от зрителя. Они считали, что, уплатив художнику равные суммы, должны быть изображены им с равным вниманием. С годами непонимание амстердамскими бюргерами творческих устремлений Рембрандта усилилось. Все меньше получал он крупных официальных заказов.

                                                   Святое семейство

   В том же 1642 г. художник пережил большое личное горе – умерла его любимая Саския, он остался с годовалым сыном Титусом. Много писал его Рембрандт в разных возрастах, отмечая с большой теплотой растущую вдумчивость и пытливость мальчика. В красочной гамме на картинах художника все больше начинают преобладать теперь золотисто-коричневые тона, удивительно богатые своими оттенками. Образы становятся глубже и задушевнее.    В картине Рембрандта «Святое семейство» (1645), хранящейся в Эрмитаже, герои евангельской легенды – Мария, младенец Христос и Иосиф – воплотили по замыслу художника самые обычные и в то же время прекрасные и своей искренности и чистоте человеческие чувства: заботливую нежность матери, ощущение домашнего покоя и уюта, во все времена попятные и дорогие людям.
    Портрет старушки    Огромное место на всем протяжении творчества художника занимает портрет. Вереница лиц: мужских и женских, молодых и старых, почти всегда серьезных и сосредоточенных – возникает перед нами, когда мы рассматриваем обширное портретное наследие Рембрандта. Хранящийся в московском Музее изобразительных искусств им. Пушкина «Портрет старушки» (1654) – типичный для поздней манеры художника. Скорбный взгляд старой женщины приковывает внимание зрителя безысходностью горя, глубиной мысли, заставляя задуматься над смыслом человеческого существования.    Синдики    Вершиной в развитии голландского группового портрета являются «Синдики» (1661) Рембрандта. Старшины цеха суконщиков изображены в момент обсуждения каких-то важных вопросов. Как индивидуально различны их лица, хотя все они, кажется, охвачены какой-то одной мыслью, одним устремлением! Это впечатление возникает потому, что художник придал общее направление взглядам. Оно подкрепляется удивительным красочным единством коричневато-красных тонов, светом и воздухом, которые, наполняя всю картину, объединяют разные детали произведения в одно неразрывное целое.

                                                Возвращение блудного сына

   Рембрандт был не только живописцем, но и выдающимся мастером офорта. Его офорты на самые различные темы (портреты, пейзажи, бытовые сцены и т. д.) отличаются смелостью и разнообразием художественных приемов.

   Слепой Товий

   Богатые голландские бюргеры – основные заказчики Рембрандта – не поняли и не оценили гениального художника.    Трагически одинокий, почти нищий, Рембрандт умер в 1669 г. Художника похоронили на кладбище для бедняков на общественные средства. Но справедливость восторжествовала: Рембрандта высоко чтут потомки, им гордится не только его родина, но и все человечество.

Источник: http://journal-shkolniku.ru/rembrandt.html

Рембрандт

Творчество гениального Рембрандта (1606—1669) — одна из вершин мировой живописи.

Необычайная широта тематического диапазона, глубочайший гуманизм, одухотворяющий произведения, подлинный демократизм искусства, постоянные поиски наиболее выразительных художественных средств, непревзойденное мастерство давали художнику возможность воплощать самые глубокие и передовые идеи времени.

Колорит картин Рембрандта зрелого и позднего периода, построенный на сочетании теплых сближенных тонов, переливающихся тончайшими оттенками, свет, трепещущий и концентрированный, как будто излучаемый самими предметами, способствуют необычайной эмоциональности его произведений.

Но особую ценность сообщают им высокие, благородные чувства, которые придают будничным вещам поэтичность и возвышенную красоту. Рембрандт писал (картины исторические, библейские, мифологические и бытовые, портреты и пейзажи; он был одним из величайших мастеров офорта и рисунка.

Но в какой бы технике Рембрандт ни работал, в центре его внимания всегда стоял человек, с его внутренним миром, его переживаниями. Своих героев Рембрандт часто находил среди представителей голландской бедноты, в них раскрывал лучшие черты характеров, неисчерпаемое духовное богатство.

Веру в человека художник пронес через всю жизнь, невзгоды и испытания. Она помогла ему до последних дней создавать произведения, выражающие лучшие устремления голландского народа.
Рембрандт Харменс ван Рейн родился в Лейдене, в семье владельца мельницы. Его учителями были Сванненбурх, а затем Ластман. С 1625 г. Рембрандт начал работать самостоятельно.

Ранние его работы носят следы воздействия Ластмана, иногда — утрехтских живописцев, последователей Караваджо. Вскоре молодой Рембрандт нашел свой путь, ярко обозначившийся в портретах, сделанных главным образом с самого себя и своих близких. Уже в этих произведениях светотень стала для него одним из основных средств художественной выразительности.

Он изучал различные проявления характеров, выражения лиц, мимику, индивидуальные черты.
В 1632 г. Рембрандт перехал в Амстердам и сразу же завоевал известность картиной «Урок анатомии доктора Тульпа» (1632, Гаага, Маурицхейс).

По существу, это большой групповой портрет врачей, окруживших доктора Тульпа и внимательно слушавших его объяснения на анатомированном трупе. Такое построение композиции позволило художнику передать индивидуальные черты каждого портретируемого и связать их в свободную группу общим состоянием глубокой заинтересованности, подчеркнуть жизненность ситуации.

В отличие от групповых портретов Хальса, где каждый из портретируемых занимает равнозначное положение, в картине Рембрандта все персонажи психологически подчинены Тульпу, фигура которого выделена широким силуэтом и свободным жестом рук. Яркий свет выявляет центр композиции, способствует впечатлению собранности группы, повышает экспрессию.

Успех первой картины принес художнику множество заказов, а с ними и благосостояние, которое увеличилось с его женитьбой на патрицианке Саскии ван Эйленбурх. Одну за другой пишет Рембрандт большие религиозные композиции, подобные полному динамики и патетики «Жертвоприношению Авраама» (1635, Ленинград, Эрмитаж), парадные портреты.

Его увлекают героико-драматические образы, внешне эффектные построения, пышные причудливые одеяния, контрасты света и тени, резкие ракурсы. Он часто изображает Саскию и самого себя, молодого, счастливого, полного сил. Таковы «Портрет Саскии» (ок. 1634 г., Кассель, Картинная галерея), «Автопортрет» (1634, Париж, Лувр), «Автопортрет с Саскией на коленях» (ок.

1636 г., Дрезден, Картинная галерея).

Рембрандт много работал в области офорта, увлекаясь жанровыми мотивами, портретами» пейзажами, создал целую серию изображений представителей социальных низов.

Уже к концу 1630-х гг. обнаружилось тяготение художника к реалистическим образам в картинах большого масштаба. Необычайно жизненное и убедительное решение приобрела мифологическая тема в картине «Даная» (1636, большая часть картины переписана в середине 1640-х гг.

, Ленинград, Эрмитаж). Отказавшись от бурной патетики и внешних эффектов, Рембрандт стремился к психологической выразительности. Богаче стала теплая цветовая гамма, еще большую роль приобрел свет, сообщающий особую трепетность и взволнованность произведению.

С углублением реалистического мастерства художника нарастали его разногласия с окружающей буржуазно-патрицианской средой. В 1642 г.

по заказу роты стрелков он написал большую картину (3,87X-5,2 м), в связи с потемнением от времени красок получившую позже название «Ночной дозор» (Амстердам, Рейксмузеум).

Рембрандт. Ночной дозор

Вместо традиционной пирушки с портретами ее участников, где каждый запечатлен со всею тщательностью индивидуальной характеристики, как это делалось ранее, художник изобразил выступление стрелков в поход. Подняв знамя, во главе с капитаном идут они под звуки барабана по широкому мосту у здания гильдии.

Необычайно яркий луч света, освещая отдельные фигуры, лица участников шествия и маленькую девочку с петухом у пояса, как будто пробирающуюся сквозь ряды стрелков, подчеркивает неожиданность, динамику и взволнованность изображения.

Образы мужественных людей, охваченных героическим порывом, сочетаются здесь с обобщенным образом голландского народа, воодушевленного сознанием единства и верой в свои силы. Так, групповой портрет приобретает характер своеобразной исторической картины, в которой художник стремится дать оценку современности.

Он воплощает свое представление о высоких гражданских идеалах, о народе, поднявшемся на борьбу за свободу и национальную независимость. В годы, когда все сильнее обнаруживались внутренние противоречия, разъединявшие страну, художник выступил с призывом к гражданскому подвигу.

Он стремился создать образ героической Голландии, воспеть патриотический подъем ее граждан. Однако такой замысел был уже в значительной степени чужд его заказчикам.

На протяжении 1640-х гг. расхождения художника с буржуазным обществом нарастают. Этому способствуют тяжелые события в его личной жизни, смерть Саскии. Но именно в это время в творчестве Рембрандта наступает пора зрелости.

На смену эффектным драматическим сценам ранних его картин приходит поэтизация повседневного бытия: преобладающими становятся сюжеты лирического плана,, такие, как «Прощание Давида с Ионафаном» (1642), «Святое семейство» (1645,.

обе — Ленинград, Эрмитаж), в которых глубина человеческих чувств покоряет удивительно тонким и сильным воплощением.

Рембрандт. Святое семейство

Казалось бы, в простых обыденных сценах, в скупых и точно найденных жестах и движениях художник раскрывает всю сложность душевной жизни, течение мыслей, героев.

Место действия картины «Святое семейство» он переносит в бедный крестьянский дом, где плотничает отец, а молодая мать заботливо охраняет сон младенца. Каждая вещь здесь овеяна дыханием поэзии, подчеркивает настроение тишины, покоя, умиротворенности.

Этому способствуют мягкий свет, озаряющий лица матери и младенца, тончайшие оттенки теплого золотистого колорита.
Глубокой внутренней значительности полны образы графических работ Рембрандта — рисунков и офортов.

С особой силой демократизм его искусства выражен в офорте «Христос, исцеляющий больных» (ок. 1649 г., «Лист в сто гульденов», назван так вследствие высокой цены, которую приобрел на аукционах).

Поразительна проникновенность трактовки образов больных и страждущих, нищих и бедняков, которым противопоставлены самодовольные, богато одетые фарисеи. Подлинный монументальный размах, живописность, тончайшие и резкие контрасты светотени, тональное богатство отличают его офорты и рисунки пером, как тематические, так и пейзажные.

Огромное место в поздний период занимают простые по композиции, чаще всего поколенные портреты родных и близких, в которых художник сосредоточивает вниманий на раскрытии душевного, мира портретируемых.

Много раз он пишет Хендрикье Стоффелм, выявляя ее душевную доброту и приветливость, благородство и достоинство — такова, например, «Хепдрикье у окна» (Берлин, Музеи). Часто моделью служит его сын Титус, болезненный, хрупкий юноша с нежным одухотворенным лицом. В портрете с книгой (ок. 1656 г.

, Вена, Художественно-исторический музей) образ будто пронизан солнечными лучами.

К числу самых проникновенных относятся портрет Брейнинга (1652, Касеель, Галерея), молодого златокудрого человека с подвижным лицом, озаренным внутренним светом, и портрет замкнуто-печального Яна Сикса (1654, Амстердам, собрание Сикса), словно остановившегося в раздумье, натягивая перчатку.

К этому типу портретов относятся и поздние автопортреты художника, поражающие многоплановостью психологических характеристик, выражением самых неуловимых движений души. Благородной простоты и величественности исполнен «Автопортрет» Венского музея (ок. 1652 г.); в «Автопортрете» из Лувра (1660), художник изобразил себя размышляющим, сосредоточенно печальным.

Рембрандт. Автопортрет. Лувр

В это же время был написан портрет старушки, жены брата (1654, Ленинград, Эрмитаж), портрет-биография, который говорит о трудно прожитой жизни, о суровых днях, оставивших свои красноречивые следы на морщинистом лице и натруженных руках этой много видевшей и пережившей женщины. Концентрируя свет на лице и руках, художник привлекает к ним внимание зрителя, раскрывая духовное богатство и человеческое достоинство портретируемых. Почти все эти портреты не заказные: с каждым годом заказов становилось все меньше.

Последнее десятилетие — самая трагическая пора жизни Рембрандта; объявленный несостоятельным должником, он поселяется в беднейшем квартале Амстердама, теряет своих лучших друзей и близких. Умирают Хендрикье и сын Титус. Но обрушившиеся на него несчастья не могли остановить развития творческого гения художника.

Самые глубокие и прекрасные произведения им были написаны именно в это время. Групповой портрет «Синдики» (старейшины цеха суконщиков, 1662, Амстердам, Рейкс-музеум) завершает достижения художника в этом жанре.

Его жизненная сила — в глубине и характерности каждого из портретируемых, в естественности композиции, ясной и уравнове¬шенной, в скупости и точности отбора деталей, в гармонии сдержанного цветового решения и вместе с тем в создании цельного образа группы людей, объединенных общностью интересов, которые они защищают.

Необычный ракурс подчеркивает монументальный характер изображения, значительность и торжественность происходящего.

К позднему периоду относится и ряд больших по размеру тематических полотен мастера: «Заговор Юлия Цивилиса» (1661, Стокгольм, Национальный музей), историческая композиция, изображающая вождя племени батавов, которые считались предками нидерландцев, поднявшего в 1 в. народ на восстание против Рима, а также картины на библейские сюжеты: «Ассур, Аман и Эсфирь» (1660, Москва, ГМИИ).

Рембрандт. Возвращение блудного сына

Сюжет библейской притчи о блудном сыне привлекал художника и раньше, он встречается в одном из его офортов. Но только к концу жизни пришел Рембрандт к глубочайшему его раскрытию.

В образе упавшего на колени перед отцом усталого, раскаявшегося человека выражен трагический путь познания жизни, а в образе отца, простившего блудного сына, воплощено высшее доступное человеку счастье, предел чувств, наполняющих сердце.

Потрясающе просто решение этой большой по размеру композиции, где главные герои словно озарены внутренним светом, где жест рук отца, вновь обретшего сына, выражает его бесконечную доброту, а сникшая фигура странника в грязном рубище, прильнувшего к отцу,— всю силу раскаяния, трагедию исканий и потерь.

Другие персонажи отодвинуты на второй план, в полутень, и их сострадание и задумчивость лишь еще сильнее выделяют словно светящиеся теплым сиянием отцовскую любовь и всепрощение, которые оставил людям, как завет, великий голландский художник.
Влияние искусства Рембрандта было громадным.

Оно сказалось на творчестве не только его непосредственных учеников, из которых ближе всех подошел к пониманию учителя Карель Фабрициус, но и на искусстве каждого более или менее значительного голландского художника. Глубочайшее воздействие оказало искусство Рембрандта на развитие всего мирового реалистического искусства впоследствии.
В то время как величайший голландский художник, вступив в конфликт с буржуазным обществом, умер в нужде, другие живописцы, овладев мастерством правдивой передачи изображаемого, сумели добиться прижизненного признания и благополучия.

Сосредоточив свои усилия в области того или иного жанра живописи, многие из них создали в своей области значительные произведения.

Источник: https://artiques.ru/content/rembrandt

Рембрандт Харменс вам Рейн (1606-1669)

Как ни велико значение творчества Халса в истории голландской живописи,
но его славу в глазах потомства затмевает другой голландский художник —
Рембрандт Харменс ван Рейн. Его произведения, живописные и графические,
разнообразные по сюжетам и глубине характеристик, составляют одну из вершин
европейского и мирового искусства, одно из наиболее высоких достижений
в развитии реализма.

Рембрандт. Автопортрет с Саскией. Ок. 1635. Холст, масло. Картинная
галерея. Дрезден.

Родился Рембрандт в Лейдене в семье мельника Харменса ван Рейна. Очень
рано обнаружилась у мальчика склонность к живописи. Недолго проучившись
в Лейденском университете, молодой Рембрандт всецело отдался искусству.

Три года пробыл он в мастерской живописца Сваненбюрха, а затем несколько
месяцев у амстердамского художника Питера Ластмана.

Но больше, чем у них,
учился Рембрандт у самой жизни: он пытливо всматривался в окружающий мир,
наблюдал за мимикой и жестами людей, изучал эффекты освещения.

Он писал
жанровые и религиозные сцены, портреты своих близких и портреты богатых
заказчиков, многочисленные автопортреты (собственное лицо казалось художнику
удобным объектом для наблюдения и экспериментов). Рембрандт работал масляными
красками, карандашом, пером и кистью, а также в совершенстве владел техникой
офорта (см. ст. «Графика»).

В 1632 г. Рембрандт переехал в Амстердам и скоро завоевал там известность.
Число заказчиков непрерывно росло. Подобно другим голландским художникам,
Рембрандт умел живо написать человеческое лицо, воспроизвести мягкие складки
тканей и холодный блеск металла. Но уже в этот период он во многом превосходит
по глубине и разнообразию замыслов своих собратьев по кисти.

Рембрандт. Ночной дозор. 1642. Холст, масло. Рейксмюсеум. Амстердам.

В традиционный для голландского искусства жанр группового портрета Рембрандт
своей картиной «Урок анатомии доктора Тюлпа» (1632, Музей Маурицхейс, Гаага)
вносит новые черты: единое чувство внимания и интереса объединяет слушателей
доктора Тюлпа. Увлеченные его словами, они сравнивают вскрытый труп с рисунками
в анатомическом атласе. Картина воспринимается не как тщательно продуманный
по композиции портрет, а как убеждающий своей непосредственностью жизненный
эпизод.

Эта же черта присуща и «Автопортрету с Саскией» (ок. 1635, Картинная
галерея, Дрезден), в которой Рембрандт изобразил себя со своей молодой
женой за пиршественным столом.

Поднимая бокал, он как бы обращается к тем,
кто смотрит на картину, и предлагает разделить с ним его безмерную радость
и счастье. Он делает зрителя невольным участником происходящей сцены.

Потоки
света, играющие на лицах и дорогих тканях одежд, нежные переливы золотистых
и красноватых тонов усиливают праздничное настроение картины.

Задачи, которые ставит перед собой Рембрандт, не похожи на устремления
большинства других голландских художников. Он все чаще поражает современников
смелостью и новизной своих замыслов.

Стремясь ко все большей и большей
одухотворенности образов, Рембрандт жертвует внешними подробностями и декоративными
эффектами, пренебрегая подчас и требованиями заказчиков.

Показательна в
этом отношении история с картиной, получившей впоследствии название «Ночной
дозор» («Рота капитана Франса Баннинга Кока и лейтенанта Виллема ван Рейтенберга»,
1642, Рейксмюсеум, Амстердам). Эта большая картина должна была представлять
собой групповой портрет членов стрелковой гильдии.

Однако Рембрандт, отказавшись
от принятого в то время равного расположения фигур и статичного изображения
всех участников, задумал сцену, полную движения. Он остановился на моменте,
когда как бы по сигналу тревоги поспешно и беспорядочно выходят на площадь
стрелки, на ходу поправляя оружие. Впереди группы торжественно выступают
капитан Баннинг Кок и его помощник.

Неровный свет озаряет группу, усиливая впечатление подвижной толпы.
Не столько портретные характеристики отдельных персонажей стремится передать
здесь художник, сколько хочет создать впечатление взволнованности, внезапности
события.

Этого-то и не поняли заказчики, недовольные тем, что одни лица
видны хорошо, а другие почти скрыты от зрителя. Заказчики считали, что
если они уплатили художнику равные суммы, то должны быть изображены им
с равным вниманием.

Начиная с этой картины непонимание амстердамскими бюргерами
творческих устремлений Рембрандта будет усиливаться все больше и больше.

Все реже будут обращаться к нему с крупными официальными заказами. Но
конфликт с господствующей средой не уменьшит творческой энергии мастера
и вплоть до последнего года своей жизни он будет создавать замечательные
по силе эмоционального воздействия и правдивости реалистические произведения.

Рембрандт. Возвращение блудного сына. Ок. 1668 — 1669. Холст, масло.
Государственный Эрмитаж. Ленинград.

В год создания картины «Ночной дозор» художник пережил большое личное
горе — умерла его любимая жена Саския. Он остался один с годовалым сыном
Титусом. Рембрандт много писал его в разном возрасте, отмечая с большой
теплотой растущую вдумчивость и пытливость мальчика.

В 40-х годах в картинах Рембрандта преобладают золотисто-коричневые
тона, удивительно богатые по своим оттенкам. Трактовка сюжетов и характеристики
людей становятся глубже и задушевнее.

В картине Рембрандта «Святое семейство» (1645), хранящейся в Эрмитаже,
в образах героев евангельской легенды — Марии, младенца Христа и Иосифа
— воплощены самые обычные и прекрасные в своей искренности и чистоте человеческие
чувства — нежность и заботливость матери, ощущение домашнего покоя — то,
что во все времена понятно и дорого людям. Обстановка комнаты предельно
проста, это жилище бедного плотника, который тут же занят своим ремеслом.
Не только в подобных картинах, но и в своих многочисленных рисунках Рембрандт
всегда с огромной симпатией изображал людей из народа, всегда сочувствовал
старости и одиночеству.

Огромное место в творчестве художника занимает портрет. Рембрандт оставил
нам замечательную галерею лиц — мужских и женских, молодых и старых, но
почти всегда серьезных и сосредоточенных.

В отличие от Франса Халса, как
бы мгновенно фиксирующего в своих портретах определенное выражение лица
человека, Рембрандт в облике портретируемого обобщает свои наблюдения и
размышления над его переживаниями и над жизнью. Это своего рода портрет-биография.

Таков, например, «Портрет старушки» (1654, ГМИИ им. Пушкина, Москва). Свет
выделяет в картине лицо старой женщины, ее скорбный взгляд приковывает
внимание зрителя безысходностью горя, глубиной мысли, заставляет задуматься
над смыслом существования.

Рембрандт показывает доброту и человечность
ничем не знаменитого человека. Красота душевная преображает усталое, морщинистое
лицо и делает его привлекательным.

Вершина в развитии голландского группового портрета — картина «Старейшины
суконного цеха, или так называемые синдики» Рембрандта (1662, Рейксмюсеум,
Амстердам). Старейшины цеха суконщиков изображены в момент обсуждения каких-то
важных вопросов.

Как различны их лица, хотя все они охвачены какой-то одной
мыслью, одним устремлением! Это впечатление возникает прежде всего потому,
что все, кого изобразил художник, смотрят в одном направлении. Они смотрят
на тех, кто как бы находится перед картиной и к кому обращены слова синдика,
помещенного в центре группы.

Таким образом, зритель, рассматривающий эту
композицию, становится своего рода участником происходящего: ведь на него
обращено внимание действующиих лиц. Причем все они по-разному смотрят,
слушают выступающего, по-разному выражают свои чувства жестами и мимикой.
Все пространство картины наполнено светом и воздухом.

Единая коричневато-красная
гамма, то затухающая, то вспыхивающая местами тончайшими оттенками цвета,
объединяет все части произведения в одно неразрывное целое.

К последним и наиболее совершенным картинам художника принадлежит большое
полотно, хранящееся в Эрмитаже, — «Возвращение блудного сына» (ок. 1668
— 1669). Евангельская притча о юноше, который ушел из родительского дома,
растратил свое состояние и жалким, униженным вернулся к отцу, вырастает
у Рембрандта в большую общечеловеческую тему.

Нельзя без волнения смотреть
на лицо полуслепого отца, его дрожащие старческие руки и фигуру сына, выражающую
глубокое и искреннее раскаяние. Благородная идея любви к униженному и страдающему
человеку раскрыта здесь в поразительных по жизненной убедительности образах.

Личные невзгоды не сломили мастера, а придали особую силу и мастерство
его поздним произведениям.

Помимо живописи на всем протяжении своего творчества Рембрандт уделял
большое внимание офорту (см. ил. на с. 19). Ив этой области круг
тем его был тоже чрезвычайно разнообразен.

Исполненные им в технике офорта
портреты и пейзажи, бытовые и религиозные сцены всегда отличались смелостью
и новизной художественных приемов. Художник добивается в них замечательного
богатства светотени, исключительной выразительности в лаконизма линий.

В небольших по размерам офортах Рембрандт создал сложные, глубоко реалистические
образы.

Богатые голландские бюргеры — основные заказчики Рембрандта — не поняли
и не оценили гениального художника. Трагически одиноким, почти нищим умер
Рембрандт в 1669 г. Художника похоронили на кладбище для бедняков на общественные
средства. Но справедливость восторжествовала: Рембрандта чтут потомки,
им гордится не только его родина, но и все человечество.
 

Источник: http://ickust.claw.ru/shared/icks/1610.htm

Синдики цеха суконщиков

1661. Рейксмузеум, Амстердам.

Rembrandt van Rijn. Рембрандт, все картины ►

Живопись эпохи барокко Картина голландского художника Рембрандта ван Рейна «Синдики цеха суконщиков». Размер группового портрета 191,5 × 279 см, холст, масло. «Ни символа, ни драмы, ни малейшего повествовательного элемента: пятеро мужчин, сидящих за покрытым красной скатертью столом и беседующих о своих делах… Прощай идеал…

Здесь – только живопись! Ей одной принадлежит первенство в этом произведении, она одна возвышает картину до вершин художественного совершенства.

Что же особенного в этой картине? А то, что живописец Рембрандт чисто художественными средствами – краской, светом, тенью – создал пространство на гладкой поверхности холста, пластически изобразил фигуры, размышляющие и беседующие между собой, неся в себе пламя бессмертия…

Их называют шталмейстерами, синдиками или хранителями свинцовой печати цеха суконщиков. Собрались они для обсуждения цеховых дел, но с таким же успехом они могли бы обсуждать судьбы мира, проблемы реформации веры, политики Европы, торговли с Ост-Индией, вопросы науки или изящных искусств.

Такие личности противостояли королевскому дому Австрии и Испании» (Теофиль Бюргер-Торе).

Вокруг книги с образцами тканей (она – одновременно и аллегория бюргерских достоинств и справедливого правления) собрались уверенные в себе представители власти, обязанные этим не княжеской благосклонности, а собственной решительности, собственной смышлённости, собственной сноровке.

«То, что придаёт этим головам особую привлекательность, это – нечто затаённое, некий вид собственного мышления, особый взгляд на внешне-зримое, индивидуальный, в зависимости от темперамента: иронически и высокомерно смотрит сидящий на левом краю, серьёзно и с плохим настроением – изображённый рядом с ним, несколько привставший. Некий налёт благосклонности в лице сидящего в центре, безразличен, с отвлечёнными мыслями, далёкий от всего меркантильного сидящий рядом с ним юноша с большими глазами и полными чувственными губами. Последний, наконец, изображён со скучающе-презрительной миной» (Рихард Гаманн). Перед нами – пользующиеся достижениями всех страданий и побед народа, легендарный прообраз которых возвышенная ирония Рембрандта воплотила в том же году в «Заговоре батавов», превратив их в этой картине в яркое олицетворение крупной буржуазии своего времени.

Источник: http://smallbay.ru/artbarocco/rembrandt_35.html

Рембрандт

Рембрандт Харменс Ван Рейн (родился 15 июля 1606 г. в Лейдене; умер 4 октября 1669 г.

в Амстердаме), как и фламандец Питер Пауль Рубенс, считается величайшим живописцем эпохи барокко к северу от Альп и одним из самых плодовитых художников в истории искусства.

Помимо бесчисленных работ его мастерской и учеников (например, «Человек с золотым шлемом»), часто в совершенстве имитирующих руку мастера, «подлинное» наследие художника составляют более 250 картин, почти 300 гравюр и около 1000 эскизов.

Творчество Рембрандта пришлось на «Золотой век» Голландии, когда в XVII в. происходил бурный расцвет экономики, культуры и торговли.

Отличительная черта почти всей станковой живописи Рембрандта – кроме новых композиционных схем. новой интерпретации традиционных, часто библейских тем и большой эмоциональной выразительности жестов и лиц, – это так называемая живопись светотени.

Эту технику Рембрандт перенял у итальянского мастера Караваджо (1571-1610) при изучении творчества его последователей, «утрехтских караваджистов».

Они создавали такие картины, как «Фома неверующий» (Хендрик Тербрюгген) или «Терновый венец Иисуса» (Герард ван Хонторст; обе находятся в Королевском музее).

Рембрандт добивался глубокого эмоционального воздействия при помощи приема, называемого «кьяроскуро» (светотень), при котором неясный источник света, обычно чисто условный, создает контраст между большими площадями темного, почти черного фона и яркими освещенными пятнами.

Уличный артист изображает живой памятник Рембрандту.mp1

Ниже дается краткое описание самых знаменитых произведений Рембрандта в Королевском музее:

Автопортрет молодого человека

Чаще, чем какой-либо другой художник XVII в., Рембрандт изображал самого себя: известны свыше 40 картин маслом, по меньшей мере 31 гравюра и бесчисленные рисунки на эту тему.

«Автопортрет молодого человека» (1628 г.) был создан им по возвращении в Лейден после шестимесячного обучения у амстердамского художника Питера Ластмана, писавшего на исторические темы.

В Лейдене Рембрандт открыл собственную художественную мастерскую.

Ночной дозор

Известнейшая картина Рембрандта и одна из самых знаменитых картин во всем мире – это «Ночной дозор» (1642 г.).

Это название может ввести зрителя в заблуждение, ведь первоначально картина называлась: «Капитан Франц Баннинг Кок отдает своему лейтенанту приказ к выступлению отряда горожан» – неуклюжее, но абсолютно точное описание сюжета, которое после окончания работы было отклонено заказчиком. Тема произведения взята из старой традиции групповых портретов гильдии стражников.

Но вместо того, чтобы искусно и ярко изобразить поставленных рядом отдельных людей (как в «Синдиках цеха суконщиков»), Рембрандт создал новаторское, сюжетное произведение, резко отличающееся от обычных групповых портретов, в котором общая взаимосвязь персонажей преобладает над отдельными характерами.

Так, многие фигуры сильно укорочены в перспективе и загорожены руками и оружием; некоторые стоят на заднем плане или находятся в движении, например, заряжают ружья или взводят курки. Чтобы придать действию больше динамичности, мастер вместо 19 членов роты рисует более 30 фигур, среди которых выделяется маркитантка с чертами лица, похожими на Саскию ван Эйленбург первую жену Рембрандта.

Группа людей с фигурой капитана посередине смотрится сейчас довольно статично, что не было предусмотрено Рембрандтом: картина размером 359×438 см была сначала значительно больше, и для того, чтобы она могла помещаться в небольшом зале ратуши, ее сильно обрезали по сторонам (например, справа, возле барабанщика). Прежде центральная ось картины была значительно смещена вправо, что создавало иллюзию приближения стражников.

Синдики цеха суконщиков

Последний групповой портрет, написанный Рембрандтом в традиционной манере, «Синдики цеха суконщиков» (1662 г.), как и «Ночной дозор», отражает стремление голландской зажиточной буржуазии увековечить себя.

Читающие свои отчеты начальники гильдии суконщиков изображены на картине рядом, равноценно и очень индивидуально.

Очень скупо использованы средства перспективы, разве что в изображении стола снизу и около панели уходящей назад стены.

Еврейская невеста

Одно из выдающихся поздних произведений, очень часто упоминаемых среди работ Рембрандта, – это картина «Еврейская невеста» (1666 г.). В середине XIX в.

существовала версия, что на картине изображен еврей, отец невесты, отдающий свою дочь замуж; в наши дни картина воспринимается как интерпретация сюжета из Ветхого Завета, а именно «Исаак и Ребекка».

Рембрандт почти полностью отказывается от внешнего фона, архитектурного или ландшафтного – только полные чувственности жесты новобрачной пары притягивают взгляд.

Источник: http://indbooks.in/mirror3.ru/?p=183036

Картина Синдики

• Кто автор: Рембрандт
• Как называется картина: Синдики
• Доп. информация (Год создания картины, чем написана, на чем написана и какие матералы использовались, размеры и где сейчас хранится картина):

• В каком году написана(когда): в 1662
• Оригинальное название картины на английском: De Staalmeesters
• Холст
  Рейксм.
• юзеум

Описание картины «Синдики»

«Синдики» (нидерл. De Staalmeesters) — групповой портрет из Рейксмюзеума, написанный в 1662 году Рембрандтом по заказу раз в год выбираемых членов амстердамской гильдии суконщиков, призванных смотреть за качеством тканей, сделанных и окрашенных в городке.

В доме, где собирались текстильные цехи (изготовители шелка, саржи, сукна) был собственный зал совета. Синдики заказали Рембрандту портрет для зала суконщиков.

Группа синдиков состояла из членов различных религиозных общин и включала в себя 2-ух католиков, ремонстранта, кальвиниста и меннонита, избранных на свои должности со страстного четверга 1661 года по страстной четверг 1662 года.

Синдики пожелали, чтоб портрет был выполнен в классическом стиле, когда все персонажи посиживают за столом с обязательным слугой и изображаются анфас. Рембрандт выполнил все требования заказчиков, и картина провисела в зале суконщиков больше века — до 1771 года, после этого она переехала в ратушу.

Набросок Рембрандта к «Синдикам»

Но живописец, находясь в жестких рамках, смог проявить своё мастерство.

Сохранилось огромное количество предварительных рисунков, Рембрандт находил и нашёл необыкновенное решение: стол развернут под углом, с него свешивается шикарное сукно.

Синдики в шапках с широкими полями и слуга размещены вокруг 2-мя треугольниками. Они заняты очень принципиальным делом и только зритель принудил их всех повернуть головы и посмотреть на вошедшего.

Все лица кропотливо выписаны и просто узнаваемы. В центре за бухгалтерской книжкой председатель Виллем ван Дуйенбург (Willem van Doeyenburg 1616—1687). Вперед наклонился меннонит Волькерт Янс (Volckert Jansz 1605—1681).

Последний слева — католик Якоб ван Лоон (Jacob van Loon 1595—1674). Йохим де Неув (Jochem de Neve 1629—1681) держит страничку бухгалтерской книжки. Кошель с монетами в руке Арнаута ван дер Мия (Aernout van der Mye 1625—1681).

Слуга — Франс Бель (Frans Hendricksz. Bel 1629—1701).

На картине, кроме бухгалтерской книжки и набитого кошеля, есть ещё один принципиальный знак. На стенке висит картина с изображением маяка, роль которого в гильдии играют синдики.

Литература

Поль Декарг. Рембрандт. «Молодая гвардия», 2000.
Мелисса Рикетс. Рембрандт. «Айрис-Пресс», 2006.
А. Вержбицкий. Творчество Рембрандта

Источник: http://peresvetovgallery.ru/kartiny/kartina-sindiki.html

Синдики — это… Что такое Синдики?

«Синдики» (нидерл. De Staalmeesters) — групповой портрет из Рейксмюзеума, написанный в 1662 году Рембрандтом по заказу ежегодно избираемых членов амстердамской гильдии суконщиков, призванных следить за качеством тканей, произведенных и окрашенных в городе.

В доме, где собирались текстильные цехи (изготовители шелка, саржи, сукна) был свой зал совета.

Группа синдиков состояла из членов разных религиозных общин и включала в себя двух католиков, ремонстранта, кальвиниста и меннонита, избранных на свои должности со страстного четверга 1661 года по страстной четверг 1662 года.

Эта группа заказала Рембрандту портрет для зала суконщиков. Они пожелали, чтобы портрет был выполнен в традиционном стиле, когда все персонажи сидят за столом с непременным слугой и изображаются анфас.

Рембрандт выполнил все требования заказчиков, и картина провисела в зале суконщиков больше века — до 1771 года, после чего она переехала в ратушу.

Рисунок Рембрандта к «Синдикам»

Однако художник, находясь в жестких рамках, сумел проявить своё мастерство.

Сохранилось множество подготовительных рисунков, Рембрандт искал и нашёл необычное решение: стол развернут под углом, с него свешивается роскошное сукно.

Синдики в шляпах с широкими полями и слуга расположены вокруг двумя треугольниками. Они заняты очень важным делом и только зритель заставил их всех повернуть головы и взглянуть на вошедшего.

Все лица тщательно выписаны и легко узнаваемы. В центре за бухгалтерской книгой председатель Виллем ван Дуйенбург (Willem van Doeyenburg 1616—1687). Вперед наклонился меннонит Волькерт Янс (Volckert Jansz 1605—1681).

Крайний слева — католик Якоб ван Лоон (Jacob van Loon 1595—1674). Йохим де Неув (Jochem de Neve 1629—1681) держит страницу бухгалтерской книги. Кошель с монетами в руке Арнаута ван дер Мия (Aernout van der Mye 1625—1681).

Слуга — Франс Бель (Frans Hendricksz. Bel 1629—1701).

На картине, помимо бухгалтерской книги и набитого кошеля, есть ещё один важный символ. На стене висит картина с изображением маяка, роль которого в гильдии играют синдики.

• Поль Декарг. Рембрандт. «Молодая гвардия», 2000.
• Мелисса Рикетс. Рембрандт. «Айрис-Пресс», 2006.
• А. Вержбицкий. Творчество Рембрандта

• Картина на сайте Рейксмюзеума

Источник: https://dic.academic.ru/dic.nsf/ruwiki/1627857

источники: