Вопросы к экзамену по истории театра

Билеты к экзамену по предмету «История театрального искусства»

1 Билет

Вопрос 1 – Возникновение Древнегреческого театра.

Вопрос 2 – «Азбука театра» — антракт, монолог.

Вопрос 3 – Рецензия на спектакль, просмотренный учащимся.

2 Билет

Вопрос 1 – Театральное искусство во времена Средневековья (Литургическая драма, Жанры городской религиозной драмы).

Вопрос 2 – «Азбука театра» — бутафория, котурны.

Вопрос 3 — Рецензия на спектакль, просмотренный учащимся.

3 Билет

Вопрос 1 — Театральное искусство во времена Средневековья (Ярмарочный театр).

Вопрос 2 – «Азбука театра» — декорация, пантомима.

Вопрос 3 — Рецензия на спектакль, просмотренный учащимся.

4 Билет

Вопрос 1 – Театр эпохи Возрождения. Италия «Комедия масок».

Вопрос 2 – «Азбука театра» — бенефис, реквизит.

Вопрос 3 — Рецензия на спектакль, просмотренный учащимся.

5 Билет

Вопрос 1 — Театр эпохи Возрождения. Англия. Театр Шекспира.

Вопрос 2 – «Азбука театра» — грим, дирижер.

Вопрос 3 — Рецензия на спектакль, просмотренный учащимся.

6 Билет

Вопрос 1 — Возникновение жанра Оперы.

Вопрос 2 – «Азбука театра» — аншлаг, Мельпомена.

Вопрос 3 — Рецензия на спектакль, просмотренный учащимся.

7 Билет

Вопрос 1 – Искусство Балета.

Вопрос 2 – «Азбука театра» — водевиль, оркестр.

Вопрос 3 — Рецензия на спектакль, просмотренный учащимся.

8 Билет

Вопрос 1 – Театр Просвещения – новые правила, свежие идеи.

Вопрос 2 – «Азбука театра» — диалог, мимика.

Вопрос 3 – Рецензия на спектакль, просмотренный учащимся.

9 Билет

Вопрос 1 – Возникновение русского театра. Русский театр 18 века.

Вопрос 2 – «Азбука театра» — мизансцена, репертуар.

Вопрос 3 – Рецензия на спектакль, просмотренный учащимся.

10 Билет

Вопрос 1 – Музыкальный театр. Великие театры мира.

Вопрос 2 – «Азбука театра» — режиссер, зритель.

Вопрос 3 – Рецензия на спектакль.

!

— первый вопрос билета предполагает развернутый устный ответ на предложенную тему;

— второй вопрос – это краткая расшифровка театральных терминов;

— третий вопрос – подготовленный дома материал (рецензия на спектакль, просмотренный учащимся в течение года).

История театрального искусства

Контрольные уроки в рамках промежуточной аттестации проводятся в конце каждого полугодия в счет аудиторного времени, предусмотренного на учебный предмет «История театрального искусства». Промежуточная аттестация в виде зачета и экзамена:

Полугодия Форма аттестации

12,14 Зачет

16 Экзамен

По окончании учебных годов выставляются оценки, соответствующие целям и задачам программы «История театрального искусства» и ее учебному плану.

Итоговая аттестация проводится в форме экзамена.

Требования к экзамену:

Учащиеся должны продемонстрировать следующие знания и умения:

— знание основных эстетических и стилевых направлений в области театрального искусства;

— знание основных этапов развития театрального искусства;

— знание истории возникновения и развития жанров театрального искусства;

— знание особенностей национальных традиций театрального искусства;

— знание театральной терминологии;

— знание классического и современного репертуара;

— умение анализировать произведения театрального искусства, составлять рецензию на просмотренный спектакль.

Критерии оценок

Качество подготовки учащихся оценивается по пятибалльной шкале.

Оценка «5» («отлично») – правильные ответы на заданные вопросы, знание теории, наличие начальных навыков анализа произведения искусства, интерес к изучаемому предмету и современному театральному процессу.

Оценка «4» («хорошо») – грамотные ответы на заданные вопросы с небольшими недочетами, регулярное выполнение домашних заданий, интерес к предмету.

Оценка «3» («удовлетворительно») – слабая теоретическая подготовка, присутствие лишь нескольких элементов освоенного материала, отсутствие творческой инициативы.

Оценка «2» («неудовлетворительно») – непонимание материала, отсутствие теоретической подготовки, пропуск занятий по неуважительной причине, отсутствие интереса к предмету.

1 билет

первый вопрос:

ВОЗНИКНОВЕНИЕ ТЕАТРА В ДРЕВНЕЙ ГРЕЦИИ.

Театр — одно из древнейших искусств. Его истоки теряются в первобытном обществе. Театр возник из народных охотничьих и земледельческих игр, носящих магический характер. Веря, что подражание животному, его внешности и повадкам может повлиять на результат охоты, первобытные люди устраивали пляски одетых в звериные шкуры людей.

С возникновением земледелия появились празднества, отмечавшие сбор урожая. На празднике в честь бога виноделия Диониса виноградари в козлиных шкурах изображали различные эпизоды из жизни Диониса, воспевали силу виноградной лозы, дающей радость.

Из этой песни людей в козлиных шкурах возникла трагедия (трагос — по-гречески «козел»).

Из этих же праздников, посвященных Дионису, возникла и комедия (от слова комос — необузданное веселье). Комедия в отличие от серьезных и скорбных трагедий возбуждала смех.

Со временем греческие театральные зрелища утратили связь с почитанием бога Диониса, они рассказывали о жизни других греческих богов, героев, а также об обыкновенных людях.

Устройство театра в древней Греции.

Греческий театр. В центре — орхестра. На ней справа и слева — хор, посередине — статуя Диониса. Орхестру замыкает скёнэ — крытое помещение ДЛЯ переодевания актеров. Перед скенэ — три актера. Рисунок современного художника по данным раскопок
На орхестре находились актеры и хор, одетые в соответствии С пьесой.
Позади орхестры имелось помещение для переодевания актеров— скещ (отсюда современное название—сцена). В нем актеры надевали одежды и большие ярко раскрашенные маски. Первоначально маски изготовлялись из дерева, а затем из полотна, пропитанного гипсом и покрытого краской. Маски позволяли всем зрителям, даже сидящим очень далеко, видеть соответствующее действию «выражение лица» — скорбное, страдальческое, строгое, веселое. Помимо этого, широко раскрытый рот маски создавал нечто вроде рупора, усиливая голос актера.
Рост актера увеличивался при помощи так называемых котурнов — сандалий с очень толстой подошвой. Женские роли в греческом театре исполнялись мужчинами.Маски древнегреческих актеров

Трагические и комические поэты в древней Греции.

В Афинах устраивались состязания трагических и комических поэтов. Каждый из них должен был написать и поставить три пьесы. Победитель награждался венком из вечнозеленого лавра. Знаменитые греческие трагические поэты V в. до н. э. — Эсхйл, Софокл и Эврипид. Участник греко-персидских войн Эсхил в трагедии «Персы» осудил персидского деспота Ксеркса за жестокость и своеволие, воспел

 
отвагу греков в борьбе за свободу родины. Герои многих трагедий Эсхила — боги и полубоги. В трагедии «Прикованный Прометей» герой мифа, титан Прометей, изображен бескорыстным другом и благодетелем человечества, смелым борцом против произвола и насилия, воплощенного в образе Зевса.
В трагедиях Софокла действуют не столько боги, сколько люди. В трагедии «Антигона» изображена смелая женщина, выступившая против несправедливого решения царя и за это приговоренная к казни. Антигона мужественно встретила приговор. Погибнув, она одержала победу, так как сам царь впоследствии раскаялся и отменил, хотя и поздно, свой приговор. Трагедия «Антигона» была страстным призывом к человечности, к верности долгу, к справедливости.

Эврипид приблизил трагедию к зрителю, сделал ее более понятной и актуальной. Поэт смело поднимает волнующие многих современников вопросы о несправедливости неравенства женщины. Он изображает людей со всеми их страстями, чувствами и стремлениями, показывает иДревнегречес¬кий актер. На лице его — трагическая маска. На ногах—котурны. Статуэтка из слоновой кости, раскрашенная краскамих такими, какими они есть в жизни.
Крупнейшим комическим поэтом был Аристофан. В своих произведениях он зло разоблачал недостатки современной ему афинской демократии, выставляя в смешном виде многих ее руководителей. Аристофан резко выступал против войн между греками, выгодных лишь кучке рабовладельцев, прославлял людей мирного труда. Во многих комедиях Аристофана высмеиваются лживость, жадность и несправедливость олимпийских богов. Так, в комедии «Птицы» он изображает Зевса вором и обманщиком, Посейдона — взяточником, Геракла — обжорой. Комедии Аристофана пользовались в народе заслуженным успехом.

Значение греческого театра.

Театр был величайшей силой в греческих государствах. Авторам трагедий и комедий внимал весь народ. Песня хора из трагедии «Антигона» — «Много есть чудес на свете, человек их всех чудесней» — стала любимой песней афинян.

Театр называли «школой для взрослых». Он воспитывал любовь к родине, уважение к труду, мужество и другие замечательные качества, подмечал недостатки в устройстве общества.

Греческий театр оказал огромное влияние на развитие театрального искусства народов современной Европы. Театр нашего 
времени заимствовал не только терминологию греческого театра, но и обязан грекам многими своими особенностями и приемами. Пьесы древнегреческих драматургов, созданные более двух тысяч лет назад, оказали влияние на творчество многих великих драматических писателей нового времени. В нашей стране и некоторых других странах до сих пор ставятся на сцене пьесы Эсхила, Софокла и Эврипида. По специальному решению Всемирного Совета Мира все прогрессивное человечество недавно отметило юбилей Аристофана. Мысли и чувства людей отдаленной эпохи, выраженные в трагедиях и комедиях греков, волнуют нас.

2 билет

первый вопрос:Театр эпохи средневековья. Западная Европа

/Литургическая драма, Жанры городской религиозной драмы/

В средние века христианская церковь порицала любые формы театральных представлений, но прошло время, и религиозная литургическая драма вошла в храмы (Х век), как полновластная хозяйка. Во время средневековых церковных служб священники разыгрывали целые сюжеты, основанные на выдержках из Библии.

Драма городская религиозная происходит от литургической драмы, играется на народном языке. Существуют три разновидности городской религиозной драмы: миракль, мистерия, моралите (ХШ-ХIV век).

Миракль ( фр.Miracle, от латинского miraculum – чудо). Жанр средневековой религиозной драмы. В миракле чудо совершает Богоматерь и святые. Истоки сюжетов – чисто литературные. Эта драма теснейшим образом была связана с профессиональными и полупрофессиональными корпорациями. В Англии ставились миракли в честь святого патрона того или иного ремесленного цеха. Возникают специальные «братства», посвятившие себя постановкам пьес. Миракль – это преимущественно авторская драма, хотя имена сочинителей до нас не дошли. До нашего времени дошли несколько итальянских образцов: «Представление о Стелле», «Представление о Святом Уливе», а также сборник из 40 пьес, получивший название «Миракли Нотр-Дам». Все они построены по одной схеме: преступление (реже несчастье) — мольба о прощении или помощи – чудодейственное вмешательство Богоматери, которую всегда сопровождают ангелы, а порой сам Христос. Время: от рождения Иисуса до настоящего. География: от Шотландии до стран Востока. Имена: исторические и вымышленные. На сцене представлены: небеса, земля, ад. Черти вмешиваются в жизнь людей, толкая их на дурные поступки. Силы небесные помогают. На сцене идет постоянная борьба за душу человека. Затем отработанные в мираклях сюжеты стали составной частью мистерии.

Мистерия — этожанр средневекового религиозного театра ХIV—XVвеков. Содержаниями мистерий были сюжеты из Библии и Евангелия, которые чередовались с интермедиями, комедийно-бытовыми эпизодами. Как только в средневековом городе готовилась ярмарка, сразу же одновременно с ней создавалась очередная мистерия. Устроителями ее были городские власти – муниципалитеты и городские ремесленные цеха. Играли мистерии ремесленники. Они вносили в содержание живое начало: юмор, бытовые сценки, жизненные наблюдения. И конечно, все эти детали – дополнения противоречили основному библейскому сюжету той или иной мистерии.

Так и повелось: мистерии представляли собой клубок противоречий. Кипение жизненной суеты сочеталось в них с торжественными. нравоучительными истинами священных писаний.

Мистерии знали и любили во всех средневековых городах, но особенно во Франции. В середине 15 века Арнуль Гребан сочинил «Мистерию страстей Господних», которая может служить образцом этого жанра средневекового театра. В этой мистерии около 400 персонажей.

Также была очень популярна «Мистерия об осаде города Орлеана». Французы обожали смотреть ее, переживать за ее героев, следить за сюжетом, потому что эта мистерия будила патриотические чувства, рассказывала о стойкости и мужестве горожан, сражавшихся с англичанами.

Мистерии создавались размашистыми мазками: уж если по сюжету шла сцена пытки, то ее играли так, как будто дело происходило в жизни. А если появлялись черти, то зрители хохотали до упаду: столько юмора и веселья было в этой сцене.

Ставили мистерии «управители игр». И каждый из них отвечал за свое дело – организационное, техническое, литературное, сценическое. Существовали и специальные «мастера чудес»: они придумывали многочисленные театральные эффекты.

С конца 13 века появились братства, показывавшие мистерии. Особенно было знаменито «Братство страстей Господних». С 1402 года у этого «Братства» было монопольное право постановки мистерий в Париже. Мистерии исчезли из стран Западной Европы к середине 16 века.

Моралите (фр. Moralite; лат. Moralis – «нравственный»)

Средневековый драматический жанр, занимающий промежуточное

положение между религиозным и комическим театром. Отличительная особенность: использование аллегорий. Французский «Роман о Розе» (XIII век). Борьба Добра и Зла в мире и в человеке, исходом которого является спасение или гибель души. В отличие от миракля и мистерии действие моралите происходит в земной сфере. Здесь добро и зло в одном человеке. Нет противопоставления между добром и злом, в человеке две натуры, отсюда выбор пути…Появление в пьесах персонажа – шут, в котором и соединились две стороны человеческой натуры.

3 билет

первый вопрос:Театр эпохи средневековья. Западная Европа

/ЯРМАРОЧНЫЙ ТЕАТР/

— временной период

— актеры

— устройство

— Ален Лесаж

— Фарс

Во многих европейских странах XVI – XVIII веков ярмарочный театр был народным любимцем. Театр этот возник в средние века. Расчет устроителей ярмарок был прост: для того чтобы привлечь в торговые ряды как можно больше покупателей, на ярмарках устраивались различные увеселения – выступали бродячие фокусники, акробаты, дрессировщики.

В 16-17 веках городские ремесленники-любители, которые объединялись в шутовские сообщества (Франция), кружки мейстерзингеров (Германия) и другие разыгрывали в ярмарочные дни фарсы, моралите и другие спектакли.

Бродячие актеры:

Жонглеры – Франция

Шпильманы – Немецкоязычные страны: поэты, музыканты, потешники

Мейстерзингеры – Германия – поэт-певец

Трубадуры – Франция, Испания.

В одиночку или небольшими группами бродячие актеры переходили из селения в селение, из города в город, разыгрывали представления, на которые сбегались посмотреть любопытные. («Бременские музыканты»)

Каждый исполнитель обычно выступал в нескольких ролях, менял свой облик при помощи масок или гримируя лицо. Актеры говорили громко, преувеличенно жестикулировали, общаясь с публикой.

Бродячие актеры не учились грамоте, поэтому разучивали роли «с голоса» от более опытных исполнителей. Литературный текст (запись) отсутствовал. Зачастую актеры меняли текст, сочиняя что-то свое. Бродячий актер умел многое: пел, танцевал, показывал фокусы, дрессированных животных, устраивал кукольный театр. Со временем среди актеров народного театра произошло разделение: цирковые артисты, кукольники и т.д.

С середины 16 века в ярмарочных театрах начали выступать профессиональные актеры. Они много импровизировали, то есть играли на сцене так, как их вели вдохновение и настроение. Юмор, сатира, жизнерадостность – главные черты ярмарочного театра.

Устройство театра: Передвижная двухэтажная сцена-повозка – педжент-ипрямоугольный помост с некоторым количеством беседок, расположенных одна рядом с другой. Каждый из «домиков»-беседок обозначал храм, дворец, дом, тюрьму и др.. Сколько в спектакле было эпизодов, столько и беседок.

В 15-16 веках во Франции жил писатель и драматург Ален Рене Лесаж (1668-1747), который очень многое сделал для ярмарочного театра. Он сочинил около 100 комедий. «Арлекин- король Серендиба», «Арлекин-Магомет», «Храм судьбы», «Арлекин-король людоедов» и др.. Веселые сатирические сказки и фантазии пользовались у народа оглушительным успехом! В пьесах Лесажа актеры много пели, танцевали, звучала зажигательная музыка. Именно по настоянию Лесажа в ярмарочном театре начали работать композиторы. Власти не давали покоя ярмарочным театрам. Штрафы, разрушали, разгоняли.

Лесаж искренне любил ярмарочный театр и помогал ему уходить от преследований.

Фарс – (от французского – буквально «фарш»), 14-16 вв..- небольшие комические пьесы бытового содержания. Персонажи знают только кто кого играет и чем дело закончится. Остальное – полная импровизация. Цель- высмеивать богачей, поддержать бедняков. Ранее был частью мистерии.

4 билет

первый вопрос: Театр эпохи Возрождения.

Италия. «Комедия масок (Дель Арте).

— Возникла…

— Маски

— Сценический ансамбль

— Место

— Драматурги

1. Комедия дель арте («комедия масок») возникла в середине XVI века. Родина ее Италия, колыбель- итальянский театр, а лицо комедии дель арте – импровизация, актерская игра – сиюминутная веселая фантазия.

Спектакли комедии масок играли по сценариям, в которых был обозначен лишь сюжет. А значит, свобода для актеров – полная! Персонажами комедии дель арте были маски-образы, переходившие из одного спектакля в другой.

2. Существовали две группы масок – северная (венецианская) и южная (неаполитанская).

Панталоне, Доктор, Бригелла и Арлекин – это маски – «северяне».

Ковьелло, Пульчинелла, Скарамучча и Тарталья – маски – «южане».

Маски закреплялись за актерами на всю их сценическую жизнь.

Спектакли комедии дель арте переполняли юмор, сатира, непрекращающаяся борьба старого с новым, молодым. Там звучали площадные мелодии и песни, в действие спектаклей постоянно вплетались веселые пляски.

Душой комедии масок были слуги – наглые, обаятельные, лукавые, грубоватые, весельчаки и великие изобретатели подвохов. Публика знала, что спеша на представление, она обязательно посочувствует неистощимому на всякие штучки Бригелле, добродушному и ребячливому Арлекину, острой на язык Серветте, лукавому Пульчинелле – все они были слугами, любимцами зрителей.

А еще публика знала: она от души посмеется над влюбчивым и жадным купцом Панталоне, трусливым испанским дворянином Капитаном, лжеученым и тупицей Доктором. Существовала в комедии дель арте и поэтическая сторона – персонажи «влюбленные». Актеры, исполнявшие роли влюбленных, не носили масок и говорили на литературном итальянском языке.

3. Есть такое понятие – Сценический ансамбль.

Это когда актеры играют спектакль, понимая друг друга с полуслова, с полувзгляда, на лету. Актеры комедии масок, великолепно владевшие искусством коллективной импровизации, были мпервыми в европейском театре, кто создал сценический ансамбль.

4. Спектакли комедии дель арте оформлялись просто. Сценой была улица с домами по обеим сторонам. Окна и балконы также служили дополнительным местом действия. Декорации не менялись в течение всего представления. Перед этой сценой всегда стояли толпы народа.

5. Этот жизнерадостный вид итальянского театра вдохнул творческие силы в различных драматургов Нового времени, например, в Италии: К. Гоцци – «Принцесса Турандот», «Король- Олень», «Любовь к трем апельсинам». К. Гольдони «Слуга двух господ».

Во Франции в этом стиле работал Мольер.

5 билет

первый вопрос: Театр эпохи Возрождения. Англия.

Театр Шекспира.

1- термин театр

2- театр Шекспира

3- Произведения

4- Великое открытие

1. В эпоху правления английской королевы Елизаветы I театр сделал исполинский шаг вперед.

В 1576 году актер Джеймс Бёрбедж построил первое здание, в котором должны были играть актеры. Это был не помост, не амфитеатр, не дворец знатного человека, не открытая площадка под временной крышей. Джеймс Бёрбедж построил дом. И назвал его – «Театр». Внутри него была сцена, напоминающая подмостки. Затем появились иные театры, в том числе и театр Уильяма Шекспира «Глобус». Так что можно смело утверждать: современный театр уходит корнями именно в эти ранние английские театры. И именно с легкой руки Джеймса Бёрбеджа все театры мира стали называться «театрами». (ранее в Др.Греции «театр»-зрительные места).

2. Театр Шекспира.

Если попробовать создать карту земли, только не географическую и не физическую, а театральную, то одной из главных исторических столиц на ней следовало бы обозначить маленький английский город Стартфорд-он-Эйвон: Здесь в 1564 году родился и в 1616 умер Вильям Шекспир.

В. Шекспир гениально совмещал в себе величайшего драматурга, поэта, актера и организатора театрального дела. Он стал создателем и одним из владельцев театра «Глобус» в Лондоне.

«Глобус» представлял собой овальную площадку, обнесенную высокой стеной. По внутренней стороне этой стены шли ложи для аристократов, над ними помещалась галерея для зажиточных горожан. А также зрители с трех сторон окружали сценическую площадку. Некоторые особо почетные граждане сидели на самой сцене. Театр «Глобус» вмещал в себя 2000 зрителей. К сцене примыкала специальная ложа: в ней располагались музыканты и хор, исполнители эффектов: охоты, бури, пушечных залпов. Крыши не было, поэтому спектакли шли при дневном свете. Декораций не существовало, их заменяли таблички с надписями «лес», «поле». «дворец», «берег моря». Таблички устанавливались на деревянных подставках и могли переноситься с места на место.

Публика была соучастником спектакля, бурно обсуждая поступки, одежду, крашения, жесты персонажей…

Предметы туалета, детали костюмов, драгоценности, оружие актеров потрясали своей роскошью, ценностью. Это была своеобразная культурная традиция эпохи Возрождения (Ренессанса) в которую жил Шекспир.

Роли женщин, девушек, девочек играли юноши. Спектакли начинались в два часа дня и заканчивались около 18 вечера (естественный свет).

В 1616 году умер Шекспир, тремя годами раньше, в 1613, сгорело деревянное здание театра. «Глобус» не дожил до нашего времени.

Недавно в Англии решили восстановить легендарное здание (в первоначальном виде).

3.

В. Шекспир написал около 40 трагедий, комедий, исторических пьес, ставших богатством и гордостью мировой культуры. Самые знаменитые из них: «Гамлет», «Ромео и Джульетта», «Отелло», «Король Лир»…

В этих и других пьесах Шекспир использовал лучшие достижения и черты античного театра. Показал на сцене большие чувства и сильные страсти.

4.

Великое сценическое открытие самого Шекспира в том, что он первым показал на подмостках театра не только страсти, но и характеры действующих лиц, их внутренний мир.

Гамлет, например, способен на смелые и благородные поступки, но долго колеблется.

Отелло, наоборот. Слишком торопиться поверить в виновность своей жены Дездемоны.

Король Лир поддается гневу и перестает понимать, кто из дочерей ему предана…

Шекспир в своих произведениях говорил о ценности человеческой жизни, о доброте, верности в любви и дружбе, о достоинствах ума и сердца. Обо всём том, что всегда будет ценно в человеке.

6 билет

первый вопрос: Жанр Оперы

1-История возникновения

2- Имена, композиторы

3- Виды итальянской оперы: seria,buffa

1. Эпоха Возрождения ворвалась в жизнь человечества мощной и светлой рекой. Именно в этот момент и родилась опера, напитанная культурой Возрождения, взлелеянная на его прекрасных человеческих идеалах.

Родина оперы – Италия. И это закономерно. Издавна итальянцы славились своими голосами, чудесными песнями; здесь же были распространены народные представления с танцами и музыкой (их называли «майские праздники»).

В конце XVI (16) века во Флоренции- городе бессмертных художников и поэтов эпохи Возрождения – жил любитель искусства, богач Джовани Барди, собиравший под крышей своего дома музыкантов, поэтов, философов. В историю эти собрания вошли , как Флорентийская камерата – камерата – «салон»/ «комната».

Блестящие собеседники, объединившиеся в камерату много рассуждали о современной музыке. Переход от полифонии (многоголосия) к мелодии с аккомпанементом, где стихотворные строки хорошо слышны. И музыка тоже ярко выделена.

2. Одним из участников камераты был горячий спорщик Винченцо Галилей (1520-1591) – отец великого астронома Галилео Галилея. Он положил на музыку отрывок из «Божественной комедии» Данте. Вышла как бы «говорящая музыка»: её Винченцо с искренним волнением пел, аккомпанируя себе на лютне или виоле. Этот опыт был одним из первых шагов к созданию оперы.

Далее участники камераты приступили к новому эксперименту – созданию драмы, полностью положенной на музыку. Автором одной из таких драм стал Якопо Пери (1561-1633). Драма «Эвридика».

Благородное дело Флорентийских драматургов продолжил итальянский композитор Клаудио Монтеверди (1567-1643). Он сочинил оперу «Орфей» (1607). Он отказался от размеренной спокойной речи и создал драматический речетатив со свободной сменой темпа, уже подошел к созданию арий.

ВXVII (17) веке началось победное шествие итальянского оперного искусства. В 17 веке была создана французская национальная оперная школа во главе с композитором Жаном Батистом Люлли (1632-1687). Его произведения ставились в придворном оперном театре «Королевская академия музыки».

В России начало развития русской национальной оперной школы связано с творчеством композитора М. И. Глинки — «Жизнь за Царя», «Руслан и Людмила».

3. Виды опер.

Seria – итал. – серьезная опера – жанр итальянской оперы, возник в конце 17 века в творчестве композиторов неаполитанской оперной школы. Оперу – сериа создавали на основе героико-мифологического или легендарно-исторического сюжета с четким распределением сценического действия и музыки. В музыке преобладали речетативы и большие виртуозные арии солистов, которые словно соревновались в мастерстве вокализации.

Buffa – итал. – «шуточная опера» Итальянская комическая опера. Возникла в XVIII (18) веке на основе интермедий и народно- бытовой песенной традиции. (в противовес опере сериа). Авторы: Джованни Перголези, Джованни Паизиелло, Доменико Чимароза… Для этого жанра характерны небольшие масштабы, 2-3 действующих лица, веселый сюжет, народная, яркая, живая мелодика, ясность стиля. Опера буффа основывалась на бытовых сюжетах.

7 билет

первый вопрос: Искусство балета

Зарождение балета

Италия-Франция-Фигурные танцы- группа Плеяда

«Комедийный балет королевы»

1661. Париж. Открытие академии танца

Лафонтен первая французская танцовщица

Письма Ж.Ж. Новера

Термины

1….. Постепенно движения первобытных танцев изменялись, преображались, становились более художественными. Так возникло искусство танца.

…. У каждого народа сложились свои танцевальные традиции, родился свой танцевальный язык. Народные танцы стали необходимой частью мировой культуры.

Собственно,БАЛЕТ:

Драматический театр родился в Древней Греции. Италия – место рождения оперного театра. Танец долгое время оставался фоном в оперном театре.

2…..Итальянцы «принесли» во Францию фигурные танцы. Это были массовые действа, когда группы танцующих образовывали разные геометрические фигуры: квадраты, треугольники. Круги. У итальянцев подобные танцы служили фоном для певцов – солистов. А Французы стали использовать их без певцов.

И тут огромную роль сыграла… поэзия. Знаменитая группа Французских поэтов «Плеяда» начала по античным примерам согласовывать ритмы стиха с ритмами музыки. А музыка, в свою очередь, влияла на ритм танцев.

3. … Воздействие поэтов «Плеяды» сделало Французский балет более цельным, единым действом, а не набором отдельных сценок, интермкедий, как это было в итальянском балете. Так появился первый французский балет «Комедийный балет королевы» — «Цирцея», сочиненный в стиле творчества поэтов из Плеяды. Это случилось в 1581 году. Автор сценического произведения Бальтазарини ди Бельджойзо (по французски — Бальтазар де Божуайе). Спектакль «Цирцея» шел около 6 часов, в нем звучали вокальные номера, диалоги без музыки, танцы.

Но танцы здесь были не просто фоном, а важнейшей частью целого, потому что в них герои раскрывали свои чувства, настроение. В танце творилось действо! «Цирцею» посвятили королеве, которая и возглавила заключительный танец дриад и наяд. Это было в порядке вещей: участниками балетов по началу оказывались члены царствующей семьи и придворные. Даже сам король Людовик 14 с тринадцати лет принимал участие в балетах. А его появление среди мифологических персонажей только подчеркивало его величие и власть. В 15-ть лет король выступил в роли «Солнца» в «Королевском балете Ночи». С тех пор его и прозвали: «Король-Солнце».

Только что народившееся искусство завоевывало все новых горячих поклонников. Постепенно в балетах стали занимать не одних лишь придворных, а все чаще к спектаклям начали привлекать профессиональных танцовщиков. Причем, женские роли исполняли мужчины.

4. В 1661 году в Париже открылась Академия танца. Просуществовала она 20 лет. А танец обрел самостоятельность в театре.

5. В 1681 году на балетной сцене появилась первая профессиональная танцовщица Лафонтен (1655-1738), настоящее имя не известно. Она выступила в опере-балете композитора Люлли «Триумф любви». Французы дали ей прозвище – Королева танца.

6. В 1760 году увидела свет удивительная книга. Она называлась «Письма о танце и балетах», написал ее Жан Жорж Новер (1727-1810). Этот человек был парижанином, именно в Париже обучался танцу, там же начал танцевать. Уже на склоне лет Новер работал в Парижской опере, сочинял для оперы балеты. В своей книге Жан Жорж Новер спокойно и твердо заявил, что балет — это не глупость, не нелепость: нельзя зачеркивать накопленный опыт предыдущих поколений артистов-танцовщиков. Надобно сохранять то, что уже есть в копилке сценического искусства. Но самое главное, что прочувствовал и о чем написал в своих «Письмах о танце» Новер, это то. что балет вскоре станет самостоятельны именно 1760 год – время выхода в свет «Писем о танце» Новера- можно считать годом рождения нового вида театрального искусства. Искусства балета!

Итак,Балет( от итальянского слова «балетто» и французского слова «Баллет» — что значит танцевать. Появился в 18 веке во Франции, не без помощи итальянцев. А если уж быть до конца справедливыми, французам помогали все пляшущие и танцующие народы мира.

Балетные термины

Па – в балете называется любое отдельное движение с определенной постановкой ног. «шаг»

Плие– группа приседаний

Элевация – группа прыжков

Пируэты, туры, фуэте – вращения

Арабески, аттитюды – положения корпуса

Антре– вход, вступление. Выход на сцену.

Па-де-де– танец вдвоем

Па-де-труа – танец втроем

Па – де — катр – вчетвером

Антраша – прыжок. Во время которого ноги скрещиваются в воздухе, ударяясь икрой об икру.

Балетмейстеры: Мариус Петипа, Михаил Фокин,

Балерины: Анна Павлова, Майя Плисецкая, Ульяна Лопаткина, Екатерина Максимова, Илза Лиепе…

Танцовщики: Мариус Лиепа, Николай Цискаридзе, Михаил Барышников и др

8 билет

первый вопрос: Театр эпохи Просвещения. Новые правила, свежие идеи.

Эпоха Просвещения – это период новых открытий. Основная линия этого временного промежутка состояла в борьбе с феодализмом на просторах Европы. Европейское общество хотело изменений к лучшему и выступало против давления со стороны аристократии, навязывания их нравов, идеологии и своеобразного уклада жизни феодалов. Подобное рвение к усовершенствованию просматривается и в главном девизе эпохи Просвещения, который гласит о том, что человечество несовершенно, но к этому нужно стремиться.

Театр Просвещения – новые правила, свежие идеи

Эпоха Просвещения очень сильно повлияла на развитие театрального искусства. Его действие направлено на освобождение людских умов от изживших себя предрассудков и внушение новых просвещенных идей и истинной морали. В сравнении с более ранними периодами, когда театр был просто балаганом и способом народного развлечения, Просветительный театр играл огромную роль в жизни общества и обладал мощным влиянием на сознание людей. Театр стал настоящей школой, где учили морали и добродетели. Главной целью данного вида искусства в эпоху Просвещения было показать простым людям всю несправедливость европейского правительства при помощи действа на сцене. И, стоит подчеркнуть, что с этой задачей театральные постановки довольно неплохо справлялись.

Главным «инструментом» влияния на общество в театре Просвещения был пролог. Он представлял собой своеобразную поучительную беседу философа-драматурга с публикой. По мере развития сценического искусства он видоизменялся и, в итоге, превратился в теоретический манифест, который показывал несправедливость во всем мире.

Стоит заметить, что форма организации и проведения спектаклей также изменилась. Исчез балаган, смех, радостные возгласы. Аристократическая прослойка общественности теперь не сидела в первых рядах и не слушала провозглашающие оды о себе, а простолюдины теперь не теснились у подмостков – они сидели на удобных скамьях и чинно внимали поучительному слову.

Главная задача театра времен Просвещения заключалась в максимальном сближении его с настоящей жизнью и простым бытом, а также формировании главного героя постановки из обыкновенного человека. Кстати, именно такого человека, который бы пришелся по вкусу народу, чтобы влияние просветительских идей проникло в самую глубь общества. Театр в эпоху Просвещения был очень мощным «оружием» в контролировании народа и формировании «нужного» мировоззрения.

Одним из самых важных достижений театра эпохи Просвещения является то, что некоторые роли стали отдавать женщинам. До этого представительницы прекрасного пола не принимали участия в постановках в принципе.

XVIII в. дал мировой культуре таких замечательных художников и теоретиков искусства театра, как Шеридан – в Англии, Вольтер, Дидро, Бомарше – во Франции, Лессинг, Гете, Шиллер – в Германии, Гольдони, Гоцци – в Италии.

     В просветительской, бунтарской, революционной литературе Франции XVIII  столетия комедии Бомарше заняли одно из главных мест по силе влияния на массы.

     В комедии «Севильский цирюльник» Бомарше вывел впервые образ находчивого плебея Фигаро, простого слуги, неутомимого обличителя феодальных порядков. Во второй его комедии – «Женитьба Фигаро» в конфликте с дворянином ловкий Фигаро выходит победителем. Никогда еще с французской сцены не раздавались такие дерзкие речи о существовавшем общественном режиме.

     В центре обеих комедий – деятельный, остроумный человек из народа, борьба которого за своё личное и гражданское достоинство была ярким проявлением критического отношения масс к социальному произволу, моральной распущенности дворянского общества в канун революции. Комедии Бомарше обладали огромной силой сатирического обличения, ярким оптимизмом, революционным темпераментом.                                                 

Итальянский театр. 

     Несмотря на экономическую и политическую отсталость, Италия отличалась богатством и разнообразием театральной жизни. К XVIII в. Италия обладала лучшим в мире музыкальным театром, в котором различались два вида – серьезная опера и комическая опера (опера буфф). Существовал театр кукольный, повсеместно давались спектакли комедии дель арте. Однако реформа драматического театра назревала давно. В век Просвещения импровизированная комедия уже не отвечала требованиям времени. Нужен был новый, серьезный, литературный театр. Комедия масок в прежнем виде существовать не могла, но ее достижения надо было сохранить и бережно перенести в новый театр.

     Проникновение идей просветителей в итальянский театр сопровождалось длительной борьбой против формализма и безыдейности на театральной сцене. Новатором в Италии явился замечательный драматург Карло Гольдони (1707 -1793). Он создал новую комедию характеров. Вместо импровизации в основу спектакля был положен литературный текст.

     Он начал вводить в свои пьесы, полностью написанные и литературно отделанные тексты отдельных ролей и диалогов, и венецианская публика приняла его новшество с энтузиазмом. Впервые он применил этот метод в комедии Момоло, душа общества (1738). Гольдони создал театр характеров, отказавшись от масок, от сценария и в целом от импровизации. Персонажи его театра утратили свое условное содержание и стали живыми людьми – людьми своей эпохи и своей страны, Италии XVIII в. Свою реформу Гольдони осуществлял в жестокой борьбе с противниками.

     Переворот, произведенный Гольдони на сцене, отражает комедия «Комический театр». Но еще большее значение имеют его до наших дней не сходящие со сцены реалистические и демократические комедии. Они обличали феодальную аристократию и бюрократию в общественных, семейных и личных делах, тонко изображали нравы буржуа и простой народ. 
     Его пьесы отразили новую социально-общественную обстановку, новый быт, новую расстановку исторических сил в стране («Слуга двух господ», «Хитрая вдова», «Кофейня», «Бабьи сплетни», «Хозяйка гостиницы», «Самодуры», «Кьоджинские перепалки», «Лгун» и др.). Из комедий Гольдони наибольшей славой до сих пор пользуются «Слуга двух господ» и «Трактирщица».
     Вторая половина XVIII в. вошла в историю Италии как время театральных войн. Против него выступил аббат Кьяри, драматург посредственный и потому неопасный, но главным его оппонентом, равным ему по силе дарования, стал Карло Гоцци. Гоцци встал на защиту театра масок, поставив задачу возродить традицию импровизированной комедии. И на каком-то этапе казалось, что ему это удалось. И хотя Гольдони оставлял в своих комедиях места для импровизаций, а сам Гоцци в итоге записал почти полностью все свои драматические сочинения, их спор был жестоким и бескомпромиссным. Поскольку главный нерв противостояния двух великих венецианцев – в несовместимости их общественных позиций, в разных взглядах на мир и человека.
     Карло Гоцци (1720-1806) был талантливым драматургом. Стремясь противопоставить комедиям Гольдони свой репертуар, Гоцци развивал жанр театральной сказки. Таковы его пьесы «Любовь к трем апельсинам», «Король-Олень», знаменитая «Принцесса Турандот», «Женщина-змея» и другие. Благодаря богатой иронии и сочному юмору талантливые сказки для сцены Гоцци пользуются успехом и в наши дни.

     Он написал десять поэтических сказок для театра, т.н. фьябы (сказка). Успех театральных сказок Гоцци был ошеломляющим.

9 билет

первый вопрос:Возникновение русского театра. Русский театр 18 века.

В России, как и в других странах, появление национального театра связано с народными играми и обрядами. В 11 веке на Руси появились скоморохи- бродячие актеры, комедианты. В течение нескольких столетий они устраивали свои представления на улицах, площадях. Ярмарках. Разыгрывали смешные сценки собственного сочинения, пели забавные песенки, показывали акробатические номера, дрессированных животных. Театр отчасти сливался с цирком. Главный герой- веселый. Ловкий мужик, всегда умевший перехитрить злого и глупого барина. В 1648 году скоморошьи выступления, по приказу царя Алексея Михайловича, были запрещены.

Впервые царский театр в России принадлежал царю Алексею Михайловичу и просуществовал с 1672 по 1676 года. Начало его связано с именем боярина Артамона Матвеева, человека весьма образованного и принимавшего западную культуру, который первым и подал идею создания театра по образцу европейского русскому царю, искавшему различные увеселительные мероприятия. Артамон Сергеевич сам взялся за осуществление собственного предложения, повелев проживавшему в Москве пастору немецкой слободы Иоганну Готфриду Грегори заняться набором актерской труппы. Что тот и исполнил с прилежным старанием.

Явившись на первых порах забавой двора. Театр тогда же получил распространение и среди близко стоявшего ко двору боярства. Уже при Алексее Михайловиче боярин Матвеев устроил в своем доме театр вроде царского. Его примеру последовали боярин Милославский, князь Як. Одоевский, князь В.В. Голицын. В Петербурге уже во времена Елизаветы существовали театры в доме Графа Ягужинского и графа Петра Шереметьева. Этот обычай богатых вельмож заводить у себя постоянные домашние театры сохранялся очень долго.

Домашние театры при дворе и у знатных бояр способствовали появлению на сцене женщин (уже в тереме царевны Софьи).

К выдающимся русским крепостным актрисам надо отнести и блиставшую в театре графов Шереметьевых Прасковью Жемчугову-Ковалеву. Бывшую крепостную актрису, ставшую графиней Шереметьевой.

Репертуар этих театров составляли, как правило произведения европейских авторов и музыкантов, в первую очередь французских и итальянских: композиторов Пьера Монсиньи, Андре Гретри, Николло Пиччини, Джованни Паизиелло, Моцарта, а также литератургые драмы французских классицистов Жан-Жака Руссо, Дени Дидро. Однако уже появлялись и русские авторы. Одна из ролей, в которых блистала Жемчугова – Зельмира в опере «Зельмира и Смелон, или Взятие Измаила» композитора О.А.Козловского, сочиненной на основе сюжета отечественной истории.

Особое положение среди русских театров занимали императорские театры, находившиеся в ведении министерства Двора, а также правительственные театры в Варшаве.

Постоянного театра на Руси не было. Такой театр открыл свой занавес в Ярославле в середине 18 века. Его организовал актер Федор Волков (1728-1763). В истории он остался, как «отец русского театра».

В столице страны, Петербурге, шли до той поры лишь спектакли иностранных трупп – французских, итальянских. Узнав об успехах молодых ярославцев, императрица Елизавета Петровна вызвала их в Петербург и решила создать в столице публичный театр. (от 30 августа 1756 года был издан указ об учреждении «Русского для представления трагедий и комедий публичного театра). Помещение для него выбрали в Петербурге на Васильевском острове. А директором назначен выдающийся поэт и драматург А.П. Сумароков. Впоследствии в состав придворного театра, кроме русской драматической труппы, вошли балет, камерная и бальная музыка, итальянская опера, французская и немецкая труппы.

Виды русских театров:

Солдатские театры — существовали в крупных гарнизонах. Появились в 18 веке. В 18 веке спектакли ставились для офицеров. По указанию начальства. В 19 веке пьесы ставятся «для собственного удовольствия и для увеселения простого народа». Спектакли солдатских театров посещали нижние воинские чины, мещане, небогатые купцы, разночинцы, крестьяне. Репертуар традиционный, народный. Как правило, ставились три-четыре пьесы. Самые распространенные комедии «Царь Максимилиан», «Царь Ирод» (религиозные тексты), «Лодка» (поэтизированная вольная разбойничья жизнь), комедия «Мельник- колдун, обманщик и сват».

Крепостные театры (см. ранее Прасковья Жемчугова)

Школьный театр

— Киево-Могилянская Академия

— Славяно-Греко-Латинская академия

— Московская хирургическая школа

— Шляхетский корпус (морской, сухопутный) и др..

19 век.

Для Русского театра писали Фонвизин, Гоголь….

Небывалый расцвет русского национального театра связан с эпохой, которую мы называем пушкинской.

Пушкин и театр. Это обширная область. Она вобрала в себя многое из того, чем жили люди первой трети 19 столетия. Здесь интересно и важно для нас все: и Пушкин – драматург, и Пушкин – театральный зритель, и Пушкин – критик современного ему театра, и Пушкин – наблюдатель тогдашних театральных нравов. Главное наследие поэта – его пьесы. «Маленькие трагедии», «Борис Годунов», «Евгений Онегин».

Целую эпоху в культурной жизни России определяли пьесы классика нашей драматургии Александра Николаевича Островского(1823-1886). «Национальный театр, — писал Островский, — есть признак совершеннолетия нации, также, как и академии, университеты, музеи».

Пьесы: «Волки и овцы», «Лес»..др..

Владимир Иванович Нимерович-Данченко (драматург и театральный педагог) и актер Константин Сергеевич Станиславский обсуждают идею создания нового театра. Эта историческая встреча положила начало всемирно-знаменитому МХТ(Московскому художественному театру). Все в театре должно было стать новым: и выбор пьес и манера актерской игры. И основы режиссуры. В основу репертуара легли драматургия Чехова. Островского, Горького. Произведения этих писателей дали театру возможность заговорить о самых важных вопросах современной общественной жизни.

20 век

В.В. Маяковский и советский театр … Однажды, войдя в театр, зрители крайне удивились: к одной из лож был прикреплен плакат:

Ставь прожектора, чтоб рампа не померкла

Кружи, чтоб действие мчало, а не текло

Театр не отображающее зеркало,

А – увеличивающее стекло!

Что означают приведенные стихи-лозунг? Маяковский выразил в них простую и ясную мысль: театр обязан не бесстрастно, как зеркало, отражать и показывать людей и события, а, как оптическая линза, увеличивать все важное, делать его отчетливо зримым, высвечивать его крупным планом. То есть попытка сделать театр трибуной.

«Мистерия буфф» — первое советское произведение Маяковского, поставленное на советской сцене в 1918 году 7 ноября. Пьесы «Клоп», «Баня». Агитация, пропаганда и отсюда благородные идеи справедливости, добра. Равенства.

Семь десятилетий советского театра вели к мысли о новом человеке, который должен стать лучше, смелее, честнее.

Вывод

В театре человек может чему-то учиться, думать о больших и важных вещах. В театре мы отдыхаем, испытываем наслаждение от встреч с настоящим искусством, иногда- веселимся, порой – грустим. Эти веселье и грусть. Радость и печаль, смех и слезы – они наше духовное богатство.

10 билет

первый вопрос: – Музыкальный театр. Великие театры мира.

Когда попадаешь в огромный, сверкающий огнями зал оперного театра, чувствуешь себя словно окрыленным радостным предчувствием. Оркестранты уже настраивают инструменты. Публика неспешно рассаживается по своим местам. И этот пестрый шум обещает нечто таинственное, чудесное. Вот меркнет свет. Вспыхивает рампа. Светильники скрестили лучи на бархатном занавесе, расшитом золотыми узорами. Дирижер взмахнул палочкой, и оркестр зазвучал удивительно стройно. Начинается увертюра.

Оперный театр – совершенно особое здание. Ведь для того, чтобы проводить оперные и балетные спектакли, нужны большая сцена с техническим оборудованием (для перемещения кулис и декораций), оркестровая яма и зрительный зал, театральные мастерские, репетиционные помещения, а также кассы, гардероб, буфет и т.д. Конечно же, такому внушительному заведению требуется огромное количество работников самых разнообразных профессий. Среди них – солисты театра, хористы, оркестранты, балетная труппа, директоры, режиссеры, драматурги, балетмейстеры, костюмеры, швеи, работники сцены, специалисты по свету и звуку, вахтеры, работники гардероба, уборщики… Каждый из оперных театров (их ведь не так уж много в мире) имеет собственную неповторимую историю. Вот некоторые из них, пожалуй, самые знаменитые.

Государственный оперный театрГранд-Опера был сооружен в Париже, в 1895 году, для королевской академии музыки и танца, открытой в 1671 году. Сюда стремились композиторы многих стран. К одним из них прилетали на быстрых крыльях слава, богатство, других же подстерегали отчаяние и уныние. Именно в Гранд-Опера опера стала оперой, то есть раскошным, грандиозным, потрясающим воображение спектаклем. Современное здание парижской жемчужины, построенное архитектором Ш. Гранье в 1861-1875 гг, удивляет своей пышностью, великолепной отделкой, многочисленными скульптурами.

Традиции: певцы здесь всегда стремились и стремятся к четкой и ясной дикции, бережному отношению к музыкальности самого слова.

Другой великий театр Европы – это Миланскийтеатр Ла Скала. Он был построен архитектором Дж. Пьермарини на месте церкви Санта-Мария делла Скала, вот почему театр носит это имя. Открылся театр в 1778 году, за довольно короткий промежуток времени стал признанным центром оперной жизни Италии. В Ла Скала всегда жило царство вокала. Людей, приходивших сюда всегда потрясали чистота и прелесть пения (бельканто), редчайшие тембры оперных голосов. Если певец завоёвывал Ла Скала, то он завоёвывал после этого любую оперную сцену мира.

Венская государственная опера была основана в середине 18 века. В 1869 году венцы возвели новое здание этого замечательного оперного храма, и казалось, что оно одно из красивейших в мире. Во время Второй мировой войны чудо-театр разбомбили американские самолеты, и лишь в 1955 году здание Венской оперы было восстановлено.

Знаменитый английский оперный театр «КОВЕНТ- ГАРДЕН», получивший свое название по тому району Лондона в котором его возвели, открыли в 1732 году. Сначала здесь исполняли оперы только на итальянском языке. Затем с 1892 на языке оригинала. Это гастрольный театр. Здесь работают труппы из разных стран.

Но самым известным гастрольным театром мира считается нью-йоркский«МЕТРОПОЛИТЕН-ОПЕРА».Был открыт в 1883. В 1966 перешел в новое здание на 3800 мест. Великолепная современная техника, три вспомогательные сцены (кроме основной), оркестровая яма на 110 мест, — огромный театр. В «Метрополитен-Опера» постоянные только хор , оркестр и вспомогательный состав артистов. Певцы и дирижеры приглашаются в Нью-Йорк на сезон или несколько сезонов. Театр всегда имеет полный сбор. Дорогие билеты.

Самый известный театр Южной Америки – «Колон» был открыт в 1908 в Буэнос – Айросе, столице Аргентины. На его сцене пел наш великий бас Федор Иванович Шаляпин.

И, конечно же, к великим театрам мира принадлежат наши прославленные московский Большой театр и Мариинский театр в Санкт-Петербурге.

Большой театр. Москва. Большой театр был основан в 1776 году. Современное здание построено в 1825 году под руководством архитектора О. Бове. В 1856 году здание Большого почти сгорело, и его восстановлением из руин руководил архитектор А. Кавос. Первая труппа Большого театра состояла из крепостных актеров, отпущенных в начале 19 века на волю. Репертуар: Знаменитые оперы и балеты русских и зарубежных композиторов. Главное – утверждение национальных традиций оперы, развитие русской музыкально-сценической исполнительской школы. В разные годы здесь служили: Ф.И. Шаляпин, Л.В. Собинов, А.В. Нежданова, В.Я. Лемешев, И.С. Козловский и др..

Петербургский Мариинский театр

Первые свои спектакли Мариинка начала давать в 1783 году в Каменном (Большом) театре в Петербурге, а в 1860 году театр перешел в новое здание (арх. А. Кавос) и получил название Мариинского. В этом прекрасном театре много немеркнущих традиций. Одна из них – первые постановки опер. Именно здесь, например: состоялась премьера оперы Глинки «Иван Сусанин» («Жизнь за царя»). В начале 20 века сумел занять здесь ведущее место и молодой Ф.И.Шаляпин.

Адрес публикации: https://www.prodlenka.org/metodicheskie-razrabotki/400907-istorija-teatralnogo-iskusstvabilety-i-otvet